En effet, avec un 1er novembre qui tombe un vendredi, le festival a fait le plein. On a jamais vu une telle foule aux conférences, à la librairie ou pour les projections ciné.

C’est évidemment d’un côté une bonne chose pour les Utopiales 2019, mais de l’autre il devenait souvent difficile de circuler librement, et au vu du nombre comme toujours impressionnant de choix d’activités, il s’est révélé beaucoup plus ardu de pouvoir assister à tout ce que l’on voulait.

Cette année, le thème choisi était Coder / Décoder.

Voici donc un compte-rendu concis de ce que l’on a pu voir, avec quelques photos comme d’habitude.

Longs-métrages

Nous avons pu assister à la projection de 4 films totalement différents les uns des autres.

Dans Proxima d’Alice Winocour, Eva Green interprète Sarah, astronaute française qui se prépare à une longue mission dans l’espace. On suit son quotidien à entraînement, ses relations avec ses collègues (que des hommes) et sa séparation avec sa fille de 8 ans. On pourrait penser à un mélodrame vu et revu maintes fois, mais Proxima profite d’un traitement suffisamment fin pour éviter ces écueils. On assiste aux entrainements dans des conditions réelles des astronautes, les personnages sont vraiment attachants et convaincants (Eva Green et sa fille en tête), et le film n’en devient que plus touchant.

Signal 100 de Lisa Takeba, projeté le 1er novembre au soir, est une adaptation du manga du même nom, où un groupe d’élèves dans une école japonaise se retrouve littéralement hypnotisées par leur professeur, victimes d’une vague de suicides s’ils ne respectent pas certaines règles bien précises. Malheureusement, on a pas du tout accroché au film, qui respecte peut-être le manga (que nous n’avons pas lu), mais qui se révèle comme souvent dans ce genre d’adaptation inutilement long, lourd et très cliché, à l’image d’Assassination Classroom l’année dernière…

The Room de Christian Volckman nous montre une famille qui emménage dans une nouvelle maison isolée. En faisant des travaux, ils découvrent une pièce cachée étrange qui exhausse n’importe quel vœu matériel, mais à quel prix ? Ce film est une très bonne surprise, qui va très loin dans son délire, et malgré quelques petites maladresses, est plutôt réussi et a beaucoup d’idées bien exploitées.

On termine les long-métrages avec Selfie, un film français diffusé en avant-première, regroupant 5 réalisateurs pour 5 récits entremêlés sur le thème de la relation entre les gens et la technologie. Pour être honnête, on aurait pas misé un kopeck sur ce film, mais il faut reconnaître qu’il sort de l’ordinaire des comédies françaises habituelles (en vrac, une des nombreuses questions que ces réalisateurs s’étaient posées avant la production du film : « Est-il possible de faire une comédie française sans Christian Clavier ? », applaudi par la salle). Pas parfait, mais Selfie fait mouche assez souvent, et cela fait plaisir de voir le cinéma français se remettre un peu en question dans sa manière d’aborder la narration !

Nous voulions aller voir la 1ère du film d’animation Weathering with you de Makoto Shinkaï (réalisateur de Your Name), mais les demandes étant trop nombreuses nous n’avons malheureusement pas pu y assister.

Courts-métrages

Du côté des courts-métrages, nous avons vu 3 des 4 sessions proposées, assez qualitatives même si comme d’habitude on retrouve toujours un court-métrage expérimental étrange qui traîne (oui c’est à toi que je pense « La Mer des Sargasses n°21/164 – L’invention de la mer », totalement conseillé aux personnes épileptiques…).

Par ordre des sessions, on retiendra Widdershins de Simon Biggs, – qui a remporté le Prix du Public cette année – animation stylisée en noir et blanc où un gentilhomme part à la recherche d’une femme rebelle, assez drôle et bien réalisé.

Snowflakes de Faye Jackson, ou 2 migrantes qui doivent être expulsées de Grande-Bretagne vers la Jamaïque assistent à la disparition des gardes qui les retiennent dans un grand nuage de poussière, un fléau qui ne touche que les blancs…

CC des Spears sisters, avec une nounou androide qui prend son travail un peu trop au sérieux.

Flotando de Frankie de Leonardis, dans lequel un cosmonaute se réveille dans une station spatiale endommagée, bien réalisé et assez drôle dans sa manière d’aborder le sujet.

La Noria de Carlos Baena, très beau court-métrage d’animation en 3D à la technique impressionnante, sur la mort d’un père perçue par son petit garçon. L’un de nos coups de coeur !

The Third Hand de Yonatan Weisberg, où un employé de bureau lamba découvre une pièce cachée dans la cafeteria, révélant une photocopieuse très particulière…

Storm de Will Kindrick (qui a reçu le Prix Canal +), où dans une société qui régit les couples par compatibilité imposée, un célibataire va tout faire pour retrouver celle qui lui correspond malgré l’interdiction. Bourré de bonnes idées et vraiment bien réalisé.

Enfin, Slice of life de Luka Hrgovic & Dino Julius, avec son ambiance à la Blade Runner (et qui tient la route artistiquement et techniquement, chose suffisamment rare pour un court-métrage pour être soulignée) où un trafiquant de drogue tente de réunir les 100 0000 crédits pour quitter la ville décadente dans laquelle il vit, mais c’était sans compter sur un flic corrompu…

Conférences

Aux Utopiales 2019, le nombre de conférences était comme à l’accoutumée impressionnant !
Ayant plutôt privilégié les projections, nous n’avons malheureusement assisté qu’à un très petit nombre d’entre elles.
La plupart sont cependant enregistrées et retransmises sur le site d’ActuSF (voir en bas d’article). Merci à eux !

Animée par Esther, hackeuse et chercheuse indépendante de l’association Exodus Privacy, Sur la piste des mouchards numériques était une conférence très intéressante sur ce que nos portables disent de nous, à notre insu bien sûr !

De manière claire et accessible, elle a fait participer les spectateurs en les invitant à se connecter aux Wifi du festival, pour nous montrer, par intermédiaire d’un PiRogue – un petit terminal informatique basé sur un Raspberry Pi – ce qu’une simple connexion pouvait révéler de notre téléphone, le tout en temps réel. Implacable et très instructif !

Michael Roch, auteur agréable, dynamique et drôle, nous a concocté une conférence très intéressante sur l’Afrofuturisme, des origines à nos jours, tout en laissant une part importante de son temps au public. Lors de sa conférence, Michael Roch a gentiment, mais pas subtilement, lancé le sujet de l’appropriation culturelle et sur le fait, pour les Blancs, d’écrire de l’afrofuturisme. Sa réponse est claire : non. Mais le débat est lancé…

Petit point sur le prix BD et le palmarès

Concernant le palmarès cette année, le grand prix du jury va cette année à Little Joe (sorti en salle le 13 novembre), de Jessica Hausner, avec Emily Beecham et Ben Wishaw. Un film que nous avons pu voir le dimanche lors de la rediffusion du grand prix. Personnellement, on a préféré The Room. Mais Little Joe reste un film agréable, soigné esthétiquement parlant. Et, concernant les courts-métrages, c’est l’Eau, de Andrea Dargeni, qui remporte le prix.

Pour la bande-dessinée, c’est Un Gentil Orc Sauvage qui remporte la mise. Un livre drôle traitant de thématiques actuelles, notamment sur le sujet des migrants et de la migration actuelle qui s’étend un peu partout dans le monde.

Et le prix littéraire est attribué à Christian Léourier pour sa novella, Helstrid.

Expos

Illustrateur de l’affiche des Utopiales cette année, Mathieu Bablet était à l’honneur avec une belle expo qui lui était consacrée.

Malheureusement, avec tout ce que l’on a pu voir durant cette édition, nous avons totalement oublié de prendre des photos de cette expo…on vous invite donc tout simplement à visiter son compte Twitter pour suivre son actualité et admirer ses oeuvres !

Assortie d’une grande pyramide inversée, l’expo Le Dernier Pharaon nous faisait découvrir des illustrations et planches de l’artiste Laurent Durieux pour le nouvel album hors série de Blake et Mortimer sorti en mai dernier, réunissant les talents de François Schuiten, du cinéaste Jaco Van Dormael, du romancier Thomas Gunzig et de Laurent Durieux.

Le dernier Pharaon – pyramide

Intitulée Le Vaisseau Amiral, une expo était consacrée à Jean-Claude Mézières (qui avait créé l’affiche des Utopiales en 2002) sur son travail pour Valérian et Laureline, ainsi que pour le film de Luc Besson Le 5ᵉ Elément.

Décryptages était quant à lui « un laboratoire futuriste imaginé et mis en scène par les élèves de l’Ecole d’Architecture de Nantes », en association avec la Bibliothèque municipale, le Chronographe, la Labo des Savoirs, le Musée Jules Verne, le Muséum d’Histoire Naturelle et le Planétarium (rien que ça !). Au programme, langage codés, modification de l’ADN et décodage des rayures du zèbre !

Du côté des jeux vidéo, quelques illustrations étaient présentées aussi pour Haven, un jeu vidéo du studio montpelliérain The Game Breakers prévu pour 2020, dont un panneau assez impressionnant.

Une librairie très fréquentée cette année !

On termine ce compte-rendu des Utopiales 2019 en faisant un petit tour du côté de la librairie, où nous avons croisé Pierre Léauté qui s’apprêtait à rejoindre les dédicaces d’ici quelques minutes. Nous avons aussi eu l’occasion de retrouver Jean-Laurent Del Socorro et Bertrand Campeis (l’anthologie Dimension Uchronie volume 1). Cindy Canévet était aussi présente, mais nous n’avons malheureusement pas eu l’occasion de lui parler (vous pouvez retrouver néanmoins son interview durant le festival imaJn’ères ici).

On connaît déjà la date de la prochaine édition des Utopiales : Rendez-vous du 29 octobre au 2 novembre 2020 !

Et un grand Merci à Estelle Lacaud et à toute l’équipe organisatrice des Utopiales 2019 !

Pour décoder les Utopiales 2019 :

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La 1ère saison de Batman The Telltale Series s’était principalement concentrée sur le passé supposé criminel du père de Bruce Wayne, confrontant le jeune milliardaire à des antagonistes connus de l’univers de l’homme chauve-souris, comme Carmine Falcone, Harvey Dent / Double-face, Catwoman, et Oswald Cobblepot / Le Pingouin. Dans cette suite, on retrouve LE méchant emblématique de Batman : Le Joker.

Se déroulant environ un an après les évènements de la première saison, Batman se retrouve – dans une scène d’ouverture rondement menée – face à l’Homme Mystère (Riddler), qui attaque un homme d’affaire douteux dans un casino. S’ensuivent moult rebondissements qui aboutissent à la mort tragique d’un personnage dans la tour Wayne. Pour savoir d’où vient cette nouvelle menace, Bruce Wayne va devoir tenter de s’infiltrer au sein d’un mystérieux groupe de super vilains…

Nouvelle saison oblige, le scénario explore encore un peu plus l’univers de Batman, et on découvre, en plus des personnages familiers, de nouveaux protagonistes ou antagonistes célèbres.

Ainsi, Jim Gordon est désormais commissaire depuis un an. L’homme mystère (Riddler) fait sa première apparition, tout comme Bane, Harley Quinn et Mr. Freeze. Amanda Waller, personnage que l’on aime bien détester, travaille pour l’organisation de sécurité nationale nommée « l’Agence » (le futur « Suicide Squad »).
John Doe, que l’on avait aperçu la saison précédente lorsque Bruce Wayne visitait malgré lui l’asile d’Arkham, est de retour et constitue le socle du scénario. La manière dont vous vous comporterez avec lui influencera même la fin du jeu (2 fins sont disponibles en fonction de vos décisions en cours de partie). L’ensemble se parcourt avec plaisir et est assez bien rythmé, même si on regrette qu’il y ait moins de scènes d’enquête comme l’épisode précédent.

Les choix de dialogues et de décision sont plus fournis qu’avant, toujours aussi soignés, et les références à l’univers de Batman sont nombreuses. Les personnalités complexes de certains vilains, Joker et Mr Freeze en tête, sont très bien gérées, et montrent une fois de plus les compétences des scénaristes de Telltale Games (et la richesse des antagonistes du chevalier masqué!)

D’un point de vue technique, cette 2ᵉ saison s’est grandement améliorée, avec la quasi-disparition des bugs graphiques, sonores et des « freezes » (sans jeu de mots) d’images intempestifs, rendant l’action plus fluide et plus agréable à suivre. Les musiques sont une fois de plus réussies, et les voix toujours aussi investies et convaincantes.

Le seul vrai reproche que l’on pourrait faire en fin de compte, c’est que l’on ne verra certainement jamais de suite. En effet, le studio Telltale Games a fermé assez brutalement en septembre 2018 suite à une situation financière difficile pendant le développement de leur jeu épisodique basé sur The Walking Dead. Les derniers épisodes de cette série ont d’ailleurs été terminés avec l’aide d’un autre studio, Skybound Games.

Conclusion

Dans la continuité du 1er jeu, Batman The Enemy Within est une très bonne suite qui explore d’autres recoins de l’univers de Batman en proposant une histoire intéressante, l’arrivée de nouveaux personnages, et une amélioration technique globale non négligeable !

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Il s’est fait attendre le bougre ! Presque 2 ans après son annonce, et un petit report à début 2019, le 3ᵉ épisode de la saga Metro en jeu vidéo, Metro Exodus, est enfin sur les rails depuis mi-février. Autant dire qu’on s’est jeté dessus !

Avec Metro Exodus, le studio ukrainien 4A Games nous présente la suite directe de Metro 2033 et Metro Last Light, libres adaptations des romans Metro 2033, 2034 et 2035 de Dmitri Glukhovsky.

Metro Exodus amène une légère réorientation de la saga, en introduisant un semi-monde ouvert (le fameux « open world », très a la mode depuis quelques années) dans l’univers des jeux Metro, avec certaines zones spécifiques qui peuvent être explorées librement pour glaner des denrées, munitions, ou remplir des quêtes optionnelles.

La zone de la Volga est en grande partie explorable !

Le nom « Exodus » n’est évidemment pas innocent, puisqu’Artyom et son groupe, menés par Melnik, quittent Moscou en train pour tenter de retrouver le gouvernement prétendu disparu, mais qui serait en fait retranché quelque part et volontairement silencieux. Ce qui permettra aussi d’en savoir plus sur les mystérieux envahisseurs de l’ombre qui ont lancé ces missiles, à l’origine de l’état désastreux dans lequel leur monde se trouve depuis de nombreuses années.

Les lieux explorés dans Metro Exodus sont de ce fait beaucoup plus variés que les précédents opus, puisque la plupart des niveaux du jeu se trouvent désormais à la surface (bâtiments divers, village désertique, étendues inondées et portions de forêt, etc.)

On aura donc ici l’opportunité de voir du pays, ce qui change beaucoup l’ambiance du jeu, moins anxiogène qu’avant, même si quelques séquences stressantes assez réussies (notamment l’exploration d’un bunker souterrain infesté d’araignées mutantes, qui rappelle les conduits d’aération d’Alien !) sont toujours de la partie. L’exploration ouverte donne la part belle aux paysages magnifiques, les graphismes du jeu étant vraiment beaux, même si parfois une texture baveuse débarque d’on ne sait où…La gestion de la météo et le cycle jour / nuit renforce le réalisme, et le mode photo comblera les adeptes des plus beaux screenshots !

Ambiance western à la Caspienne !

Si le contexte des jeux précédents dépeignait les conflits entre les factions souterraines pour survivre, l’intrigue de Metro Exodus s’étoffe, notamment concernant l’influence sectaire (déjà présente dans les livres) et prend le pas sur l’aspect surnaturel, qui a quasiment disparu (les sombres étant totalement absents, tout comme le personnage de Khan par exemple) pour mieux se rapprocher d’un post-apo sous influence Mad Max (mais sans être aussi dynamique).

Grâce aux matériaux que vous allez trouver en fouillant un peu partout, vous pourrez créer des filtres pour votre masque a gaz, des trousses de secours, des munitions pour vos armes, etc. Comme dans les précédents jeux, votre chargeur à dynamo sera indispensable pour utiliser votre lampe torche, lunettes nocturnes, ou simplement pour rétablir l’électricité à certains endroits. Vos armes sont aussi entièrement modifiables lorsque vous aurez accès a un atelier improvisé.

Dans les jeux Metro, le gameplay et la mise en scène sont assez austères, mais contribuent a l’ambiance générale (ajoutez la version en russe sous-titré français, et vous êtes mis en condition !). Metro Exodus ne déroge pas à la règle. Même si la mise en scène est un peu plus présente qu’avant, vous devrez explorer, lire et écouter les messages audio et surtout rester lors des nombreuses discussions entre les personnages, et ce, sans aucune mise en scène pour dynamiser le tout.

On peut ainsi passer littéralement 5 min à écouter les membres de votre groupe discuter entre eux pour en savoir plus sur la situation où simplement mieux connaître les personnages. Le jeu regorge de dialogues complètement facultatifs (sans compter l’écoute des communications radio durant les longs trajets en train). Vous pourrez même jouer un peu de guitare et fumer en écoutant vos coéquipiers.

Le rendu des visages est très réussi.

Mais Metro Exodus n’est évidemment pas sans défauts. À commencer par une gestion des collisions d’un autre âge, ce qui peut être extrêmement frustrant lorsqu’on bute bêtement sur un simple objet à terre, où lorsque l’on se retrouve bloqué par le déplacement d’un PNJ (personnage non joueur) parce qu’on se trouvait au mauvais endroit à ce moment-là.

On peut noter aussi certains textes ou les voix se chevauchent parfois, on ne sait donc plus qui parle et qui dit quoi. Heureusement cela arrive uniquement lorsque l’on se trouve dans une zone avec des personnages lambda, les protagonistes étant relativement épargnés par ce fléau.

Enfin, la mise en scène est un peu austère, mais cela ne choquera pas vraiment les fans de la saga.

Conclusion

Servi par des graphismes parfois impressionnants et un monde semi-ouvert propice à l’exploration, Metro Exodus est une digne suite, au scénario différent des précédents mais suffisamment intéressant et dépaysant pour que l’on parcoure le titre avec plaisir !

Metro Exodus – Dev / Édit : 4A Games / Deep Silver – sorti le 15 février 2019 – 18+

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Habitués des remakes et autres remaster en tout genre, Capcom nous a régulièrement abreuvé de multiples ressorties de ses principaux titres (on pense a Street Fighter avec ses « ‘ turbo EX » et compagnie…qui perdurent encore ces derniers temps avec des « Arcade edition ») pour faire fructifier ses franchises. Resident Evil n’a pas été épargné avec un remake du 1er épisode ressorti en 2002 sur gamecube, puis un remaster de ce même remake sur les nouvelles générations de consoles en 2015. Bref ça n’arrête pas, mais jusqu’à présent, Resident Evil 2 n’avait pas eu droit à son remake.

Le commissariat de Racoon City comme vous ne l’avez jamais vu !

C’est désormais chose faite, et la démo intitulée Resident Evil 2 « 1-shot » demo d’une durée de 30 min non rejouable (oui, au bout de 30 minutes de jeu, la démo s’arrête et vous ne pouvez plus la relancer…pas très sympa ça !) donne vraiment envie de voir la suite.
En tant que fan de l’original sorti en 1998, j’avoue avoir rêvé de ce remake depuis bon nombre d’années, car hormis le regain d’action par rapport au 1er jeu, Resident Evil 2 comportait des scènes assez dingues et impressionnantes pour l’époque, inspirées de films d’action, d’horreur et de science-fiction (Terminator 2, on t’a repéré !) avec son lot de boss dantesques et de mutations génétiques liées au virus G. Sans compter que les décors étaient beaucoup plus variés, tout comme les zombies que l’on pouvait rencontrer.

Le policier que l’on rencontrait au début du jeu a bien changé !

Bref, même si cette démo est courte, on retrouve avec plaisir les décors que l’on connaissait revisités avec la technologie d’aujourd’hui. Certaines pièces ont été remodelées, des énigmes ont été changées et de nouvelles ont été créées. Et la mise en scène a évidemment été adaptée aux standards actuels, avec des cutscenes supplémentaires. Les améliorations des derniers épisodes ont été implémentées, comme ce couteau de secours que l’on peut automatiquement utiliser lorsqu’on se fait attaquer.

Désormais, les zombies peuvent nous suivre !

Conclusion

Après avoir parcouru la démo de ce remake de Resident Evil 2, on ne peut que vouloir faire la suite.
Reste à voir si toutes les promesses seront présentes dans le jeu final, on croise donc les doigts, et on attend sagement le 25 janvier !

La démo est disponible sur PS4, XboxOne et PC (via Steam) jusqu’au 31 janvier 2019 !

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Si vous n’avez jamais entendu parler de Dragon Quest, sachez que parmi les rpg (jeux de rôle) cultes, 2 grandes sagas japonaises perdurent depuis la fin des années 80 : Final Fantasy, développée par Square, et Dragon Quest, par Enix. Même si les 2 sociétés ont fusionné depuis 2003, chaque sortie d’un épisode est considérée comme un évènement. Et malgré les années, chaque saga a gardé son style particulier…

Sous-titré « Les Combattants de la Destinée » (« Echoes of an Elusive Age » en anglais), Dragon Quest XI se veut être un J-Rpg a l’ancienne, mais avec une technique d’aujourd’hui.
Les combats restent au tour par tour, contrairement à la plupart des rpg récents, qui privilégient le combat direct style mmorpg. Le scénario reste très classique lui aussi (l’élu choisi pour combattre le mal).
Tout cela pourrait nuire au jeu, surtout si on le compare à son concurrent direct Final Fantasy XV, sorti fin 2016, beaucoup plus dynamique et moderne dans son approche.

Et pourtant, la sauce fonctionne du tonnerre, dans le fond comme dans la forme !
Les graphismes en cel-shading sont vraiment très beaux, privilégiant un aspect dessin animé du plus bel effet. Les personnages, dont le design a été confié – comme pour tous les épisodes de Dragon Quest – à Akira Toriyama, sont très réussis, charismatiques et attachants. Les décors sont vraiment jolis et chaque lieu et ville possède son identité propre. La traduction française des textes est de grande qualité et conserve l’aspect si attrayant et mignon des noms des ennemis, qui permet d’y jouer à tout âge.

L’équipe (presque) au grand complet !

Le scénario, même s’il reste très classique, réserve son lot de surprises et de poésie. On est souvent étonné de la tournure que prennent les évènements. Les quêtes annexes, assez nombreuses et diverses, sont intéressantes pour les objets qu’elles permettent de récupérer, mais ne sont pas vraiment toutes passionnantes.

Le système de combat est classique mais efficace, et des combinaisons de coups spéciaux avec certains personnages spécifiques peuvent être débloquées avec les points d’expérience acquis. Autre nouveauté très sympathique, on peut améliorer ses armes, armures et accessoires en utilisant une forge. Il faut remplir des jauges pour forger le nouvel objet en utilisant des techniques apprises et un quota de points. Outre la possibilité d’utiliser un cheval pour parcourir plus rapidement les étendues du monde d’Elrea, vous pourrez récupérer d’autres montures temporaires terrestres et volantes en les volant à des ennemis, pour accéder à des coffres inaccessibles jusqu’alors.

Le système de forge est excellent

Au chapitre des choses un peu frustrantes ou désuètes, on peut regretter l’habituel personnage principal complètement muet, stratagème un peu inutile puisqu’on ne peut pas choisir son apparence, et donc le personnaliser totalement. De même que la présence de certains murs invisibles, limites du terrain, qui vous obligent parfois à contourner un muret au lieu de simplement sauter dessus.
Enfin, les musiques ne sont pas toujours très inspirées, et même si certains thèmes sont de grande qualité, notamment dans des scènes mélancoliques, on a en fin compte peu de souvenir des autres, un peu trop fanfaronnantes ou banales. Heureusement, on peut trouver un mod sur PC pour les remplacer par leur version orchestrale, c’est toujours mieux que rien !

Les graphismes sont magnifiques

Ceci dit, cela n’enlève pas le plaisir que l’on a à parcourir ce Dragon Quest XI, qui offre de très beaux moments, et une excellente durée de vie (environ 80 h tranquillement pour l’histoire, et 115 h au total sans avoir fini a 100 % les quêtes) pour parcourir le monde d’Elrea!

Conclusion

J-rpg a l’ancienne, Dragon Quest XI est un retour fracassant de la saga si prisée des Japonais. Classique dans la forme comme dans le fond, le jeu est pourtant très prenant et addictif, grâce à une direction artistique réussie, un scénario très agréable et une durée de vie conséquente. Un classique à ne pas manquer pour tout fan de rpg « old school » !

Dragon Quest XI Echoes of an Elusive Age – Dév : Square Enix – sorti le 4 sept 2018 sur PC, PS4, 3DS et bientôt sur Switch

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Les Expos

Beb-deum, illustrateur et auteur de BD français (Métal Hurlant, Bürocratika et bien d’autres) a eu l’honneur d’illustrer l’affiche de cette 19ᵉ édition des Utopiales. Il était donc logique qu’une expo lui soit consacrée au sein du festival, ainsi qu’une rencontre et une master class.

Mondiale tm – Fugu kiss

Basée sur le « livre d’art fictionné » du même nom, avec le texte d’Alain Damasio, l’expo Mondiale de Beb-deum nous questionnait sur la posthumanité. Peintures numériques de portraits multi-métissés, agrémentés de séquences vidéos, on découvrait un monde étrange mais assez fascinant !

Dans un autre registre, Exoplanètes s’attachait, en se basant le plus possible sur des données scientifiques, à tenter une représentation artistique de planètes extrasolaires existantes, mais jamais visitées. Peintes par Manchu, avec des textes de David Fossé, l’expo nous faisait voyager dans l’univers gigantesque qu’il reste encore à explorer…

Voyage au centre de la galaxie, proposé par le CEA – Le Commissariat à l’Énergie atomique et aux Énergies alternatives – nous permettait de parcourir les différentes étapes de l’évolution des étoiles, et ainsi découvrir la diversité des astres. L’expo était accompagnée de 2 activités annexes, un jeu nommé Le prisonnier quantique, et une démonstration de la chambre à brouillard, pour mieux comprendre une expérience de physique nucléaire.

Conçu comme un long couloir divisé en 3 pièces, C’est arrivé demain était une exposition itinérante qui proposait 3 expériences en collaboration avec 3 auteurs. Dans la première pièce, Shangri-La, de Mathieu Bablet, une tablette nous permettait de se déplacer dans un monde virtuel, et découvrir de nombreux lieux inspirés de la BD éponyme.

C’est arrivé demain

Avec son décor de la station spatiale internationale, Dans la combi de Thomas Pesquet de Marion Montaigne proposait une vidéo d’une visite guidée par Thomas Pesquet dans l’ISS, avec sur un 2ème écran une reconstitution virtuelle des lieux.
Enfin, place au casque VR avec Universal War I, de Denis Bajram (qui avait bénéficié d’une belle expo aux Utopiales 2016, voir notre article ici), qui nous plongeait dans le cockpit d’un vaisseau spatial durant quelques minutes.

Cabinet de curiosités, mis en scène par les étudiants de l’Ecole d’architecture de Nantes et proposé par la Bibliothèque municipale de Nantes, exposait différents animaux et créatures réelles ou imaginaires.

Le petit bestiaire fantastique, de Thomas Olivri et Mister Hope, regroupait de nombreuses illustrations de monstres issus de la pop culture. Sur ces tableaux, on pouvait autant croiser King Kong que le Yéti (et même Cthulhu !), avec un style graphique très agréable !

L’imaginaire de l’Orient, proposé par la Science & Fantasy Growth Foundation, donnait un premier aperçu de la science-fiction chinoise, l’occasion d’observer le travail de 4 artistes, dont 2 lauréats du prix « Morning Star », seul concours public de SF en Chine.

Jeux vidéos et pôle ludique

Du côté vidéoludique, on retrouvait Homo Machina, une co-production ARTE / Darjeeling (les développeurs du très bon Californium, dont on avait parlé ici), un jeu de réflexion sur le fonctionnement du corps humain, à la manière d’une usine des années 20, et inspiré par les illustrations médicales de Fritz Kahn.

Homo Machina (Darjeeling)

A long way down jouait la carte du RPG et jeu de cartes au tour par tour, tandis que Sigma Theory voyait ses magnifiques portraits illustrés par Benjamin Carré exposés en grand format. Enfin, Greedfall avait lui aussi droit à de superbes peintures !

Le pôle ludique mettait à disposition de nombreux jeux de figurines, de rôle et de société, dont Nome 2.0, jeu en cours de développement créé par Frédéric Langlois et Bruno Ligier, où vous tenterez de découvrir les réels desseins de l’A.S.T.R.E., une agence scientifique qui a mis sous quarantaine une zone sinistrée par l’impact d’une météorite à Nome, en Alaska (plus d’infos ici). Le célèbre jeu Les Loups-Garous de Thiercelieux était aussi de la partie.
Une nuit ludique était même organisée, avec notamment Battlestar Galactica ou Star Wars Destiny, mais nous n’avons malheureusement pas eu le temps d’y aller.

Notez enfin que nous ferons prochainement la chronique de la Bande-dessinée Ces jours qui disparaissent, de Thimoté Le Boucher, qui a remporté le Prix Utopiales Bande-dessinée.

Ne reste plus qu’à attendre la prochaine édition des Utopiales, qui se déroulera du 30 octobre au 4 novembre 2019 ! Mais avant cela, rendez-vous aux 15ᵉ Rencontres de l’Imaginaire de Sèvres le 24 novembre, dont l’invité cette année sera Peter F.Hamilton !

Merci à Estelle Lacaud, ainsi qu’à tous les organisateurs(trices) des Utopiales qui chaque année nous proposent un événement aussi riche et varié !

Pour mieux découvrir le corps

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Le Mont des Rêves a fait un petit tour aux Utopiales 2018, le festival international de science-fiction de Nantes, qui a eu lieu du 31 octobre au 5 novembre, et accueilli pour sa 19ᵉ édition plus de 90 000 visiteurs cette année. Et comme d’habitude, il y a tellement de contenu qu’il y en a pour tous les goûts !

Le festival des Utopiales propose conférences et rencontres, expos, projections de films et courts-métrages en compétition internationale, ainsi qu’un pôle ludique, bande dessinée, jeux vidéo, manga et même un dîner de l’imaginaire avec « Science-Festin » ! Cette année, « le corps » était à l’honneur !

Comportant une trentaine de conférences par jour, il serait trop long d’en parler, mais n’hésitez-pas à y jeter un œil (ou une oreille) car certaines étaient très intéressantes. Vous pouvez en visionner la plupart sur le site ActuSF, ainsi que sur la chaîne Youtube de Laurence Honnorat. Merci à eux !

Courts et long métrages

On commence dans la salle Dune, avec la 5ᵉ session de courts-métrages en compétition internationale (la seule que nous ayons pu voir), particulièrement variée et riche en créativité.

Parmi les plus intéressants, Rust in peace, de Wim Welles – qui a reçu la Mention spéciale du jury – nous présente un robot au look très années 50, qui se réveille dans une décharge, et repart chercher son créateur qui ne veut plus vraiment de lui. Le côté collant du robot envers son maître est assez drôle et l’ensemble fonctionne plutôt bien.
72 %, de Lluis Quilez, expose sa population au manque d’eau. Symbolisé par quelques personnes au milieu d’un désert, qui attendent patiemment chaque jour qu’une bouteille sale se remplisse d’eau depuis une source inconnue venue du ciel, le court-métrage est exagérément long. La fin vaut le coup, mais il n’était clairement pas nécessaire d’attendre aussi longtemps…
Réalisé par Shinya Sugai, Walking Meat redynamisait la session avec ses personnages qui luttent pour survivre dans une usine de zombie, les morts vivants étant devenus une source de nourriture tendance. Dans le plus pur style japonais, cet anime est bien rythmé, drôle et gore.
Toujours du côté des zombies, mais plus sérieux, Riley was here, de Jon Rhoads et Mike Marrero, nous présente un accro aux drogues taper à la porte d’une femme, afin d’explorer un besoin très particulier. Très réussi, Riley was here est sans contexte l’un des meilleurs courts-métrages de cette session !
Session qui se terminait par Lo Siento Mi Amor, d’Eduardo Casanova, dont on ne vous dira quasiment rien pour ne pas révéler la chute, si ce n’est que l’idée est excellente, et le tout bien réalisé. Complètement délirant mais bien trouvé !

Plutôt que de regarder Assassination Nation (qui a finalement reçu le Grand Prix du Jury), nous nous sommes engouffrés dans la salle Solaris, où était projeté Violence Voyager, en présence de son jeune réalisateur originaire de Kyoto, nommé Ujicha, et dont c’est le 2ᵉ long métrage. Il utilise la technique « Gekimation » (littéralement « drame animation »), de petites figurines peintes sur du papier ou du carton, puis animées a la main et filmées en direct, sans oublier des effets spéciaux (fumée, vapeur, liquides divers) pour dynamiser le tout. Proche du principe de motion comics, en plus rudimentaire, on n’imagine pas le temps qu’il faut pour réaliser un film d’animation d’1h20. Violence Voyager est donc une expérience particulière, tant les personnages, sans animation labiale, paraissent pourtant dotés de vie, Ujicha utilisant en plus abondamment les procédés cinématographiques en changeant régulièrement la mise au point d’un personnage à l’autre. Le film raconte la découverte par 2 enfants, Bobby et Akkun, d’un parc d’attraction caché, Violence Voyager, qui cache une triste réalité. Inspiré notamment de films d’horreurs occidentaux, l’univers est assez glauque et fait la part belle aux mutations, dans un style typiquement japonais. Une belle découverte donc, à ne pas mettre toutefois entre toutes les mains, par son contexte très mature.

Ujicha et son interprète juste avant la projection

Après la projection, Ujicha nous a gentiment accordé une photo et nous a même offert un livret de présentation (tout en japonais, et dont il n’avait qu’une dizaine d’exemplaires) de The Burning Buddah Man, son premier long métrage, que nous avons d’ailleurs aussi vu au passage.

Précédé du court métrage Tempura, The Burning Buddah Man est moins abouti et surtout beaucoup plus complexe que Violence Voyager, mais faisait déjà preuve de beaucoup de créativité et d’un style visuel original.

Le lendemain, retour à la salle Dune pour voir Office uprising, de Lin Oeding, une comédie assez délire ou les employés de la société d’armement Ammutech deviennent complètement tarés et agressifs à cause de Zolt, une boisson énergisante. On y suit une poignée de personnages (notamment Jane Levy, vue dans le remake d’Evil Dead et dans Don’t Breathe) qui tentent de survivre dans leur entreprise en proie aux massacres collectifs. Gros délire gore et drôle, Office Uprising, sans être un grand film, est une très bonne surprise bien fun, légère, bien interprétée et bien réalisée !

Mandy, réalisé par Panos Cosmatos et projeté en séance spéciale, était une toute autre histoire. Au début des années 80, un couple subit l’attaque du gourou d’un culte démoniaque et de ses motards venus des enfers. Sa femme ayant été kidnappée, Red (Nicolas Cage) décide de partir en croisade pour la récupérer.
Autant le dire clairement, on n’a pas accroché au concept très « arty » et à la mise en scène boursouflée. C’est une histoire de vengeance classique dans le fond, mais originale dans la forme, dont l’esthétique renvoie aux années 70/80. Grain prononcé, couleur baveuses, ambiance hallucinogène, références à de nombreux films, Nicolas Cage qui pète un câble, etc. De ce côté-là c’est plutôt réussi, mais que c’est long et ennuyeux, pour en fin de compte pas grand-chose !

Côté rétro, ça a commencé assez fort avec deux films de David Cronenberg. La Mouche, mercredi matin pour fêter le début des Utopiales 2018, et Vidéodrome en fin de journée.

Sorti en 1986, la Mouche est toujours agréable à regarder. Un classique pour les amateurs de science-fiction. Enfin, je ne sais pas si agréable est le mot juste. Avec Chris Walas aux manettes des effets spéciaux, certains passages sont assez impressionnants et horrifiants. Et le film n’a pas pris une ride. De bons effets spéciaux combinés aux bonnes prestations de Jeff Goldblum et Geena Davis en font donc un film culte. Précisons juste que c’est un remake de La Mouche noire, film réalisé par Kurt Neumann en 1958, qui s’est lui-même inspiré de la nouvelle de l’écrivain George Langelaan. La Mouche est une fable tragique, un film poignant, où l’amour se mêle au désespoir d’une fin inéluctable.

Ambiance radicalement différente avec Vidéodrome, sorti en 1983. Max, joué par James Woods, dirige une petite chaîne de télé, plutôt branché sur l’érotique, le pornographique et la violence. Une nuit, il capte, avec l’un de ses employés, une émission brésilienne, Vidéodrome, chaîne malsaine qui diffuse tortures et sévices sexuels. Véritables enregistrements ? Reconstitutions ? Difficile pour Max de cerner le réel du fantastique. Petit à petit, la fiction prend peut-être le pas sur la réalité. Ou son imagination. Max se retrouve pris dans un engrenage malsain, plongé à la fois dans une réalité contemporaine et un univers télévisuel qui se mélangent à l’intérieur de sa tête sous formes d’hallucinations de plus en plus fréquentes. Une aliénation mentale progressive qui démontre l’emprise des images et de la télévision sur notre cerveau. On y voit la puissance du pouvoir cathodique. Je vous laisse d’ailleurs découvrir pour ceux qui ne l’ont pas vu notre cher ‘“secours cathodique”’ vu par Cronenberg. Encore un film, pas trop suranné, qui fait date. Vidéodrome n’a pas trop marché à sa sortie mais reste aujourd’hui un film apprécié dans la filmographie cronenbergienne. Notons pour ces deux films la musique réussie d’Howard Shore, sombre, sobre, oppressante (surtout pour Vidéodrome).

Jeudi matin, nous sommes allés voir The Thing, du maître John Carpenter, film que l’on apprécie beaucoup au Mont des Rêves ! Le film était rediffusé dans la salle Solaris, comme les deux Cronenberg d’ailleurs. Point besoin ici de résumer l’histoire. Sorti en 1982, The Thing est un film culte, un classique de l’épouvante/horreur SF. Le film a été diffusé dans sa version restaurée, et il est magnifique ! L’image, les couleurs, le son, les effets spéciaux de Rob Bottin, un film parfait pour les yeux et les oreilles.
Petite anecdote : le film a déjà été présenté aux Utopiales il y a quelques années, et un réalisateur – laissons-le anonyme – l’ayant visionné, décida de réaliser un préquel afin de voir ce qui s’était passé pour l’équipe norvégienne, dont on aperçoit les deux derniers survivants au début du film. Il présenta un scénario aux grands studios qui refusèrent poliment. Quelques années plus tard, le préquel se retrouva sur le grand écran, plus précisément en 2011, dirigé par un autre (obscur et peu prolifique) réalisateur, Matthijs van Heijning. Un film qui rentre dans la catégorie, aussitôt vu, aussitôt oublié…Quant à l’original, il rentre plutôt dans la catégorie inoubliable.

Les contes merveilleux de Ray Harryhausen

Plutôt que de voir le palmarès ciné final (décidément, nous ne verrons jamais Assassination Nation…), nous avons préféré revenir en enfance le temps d’une projection, avec Les Contes merveilleux de Ray Harryhausen, qui regroupe en un peu plus de 50 minutes 5 courts-métrages réalisés à la fin des années 40 et début 50. On y trouvait Le Petit chaperon rouge, Hansel et Gretel, Raiponce, Le roi Midas et Le lièvre et la tortue. Ces courts-métrages sont évidemment très édulcorés et assez enfantins par rapport aux contes d’origine, mais l’ensemble était très plaisant et l’animation impressionnante !

Pour finir avec le ciné, sachez que même si nous n’avons pas vu les revoir durant ces Utopiales 2018, étaient projetés Frankenstein, La fiancée de Frankenstein, Frankenstein Junior ainsi que Frankenweenie, à l’occasion des 200 ans de Frankenstein ou le Prométhée moderne (1818-2018)

Plus d’infos : https://www.utopiales.org/edition-2018/

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16 juillet 1946. Alors que les alliés perdent progressivement du terrain face aux mystérieuses technologies avancées des nazis, William Joseph « B.J. » Blazkowicz, héros de guerre américain, est envoyé avec son escouade sur la côte baltique de l’Allemagne. Un ultime élan pour attaquer la forteresse de Wilhelm Strasse, dit « le Boucher », cerveau de cette redoutable machine de guerre. Laissé pour mort durant l’attaque, Blazkowicz est retrouvé inconscient dans la mer baltique par un bateau de pêche. Souffrant d’un grave traumatisme crânien, il est emmené à l’hôpital psychiatrique de Maławieś, en Pologne.
1960. Alors que les nazis ont gagné la guerre et règnent en maître sur le monde, Blazkowicz reprend conscience à l’hôpital, bien décidé à se venger !

Wolfenstein The New Order se déroule dans un monde uchronique ou les nazis, non content d’avoir gagné la 2ᵉ guerre mondiale, ont en plus à leur disposition une technologie futuriste. Pour se venger de Strasse, vous devrez voyager d’un asile, jusqu’à Berlin, en passant par la Lune (un petit clin d’oeil au film Iron Sky). Vous allez donc pas mal bouger pour réussir à gangréner la machine nazie.

Bienvenue sur la Lune !

Mais votre réussite ne se fera pas sans mal…À la fin du premier niveau, vous devrez sacrifier l’un de 2 vos camarades (Fergus Reid, le vieux compère de Blazko, ou Wyatt la nouvelle recrue). Le survivant vous permettra d’accéder a des zones supplémentaires, et débloquera des séquences cinématiques spécifiques au personnage conservé, y compris pour la fin du jeu.

Parmi les armes que vous pourrez récupérer (pistolets, fusil a pompe, mitraillette, etc.) vous trouverez aussi des couteaux qui vous seront utiles pour éliminer furtivement certains ennemis, ainsi que le LaserKraftWerk (LKW), un pistolet laser multifonction très utile pour découper de fines parois en metal, et que vous pourrez améliorer à de nombreuses reprises pour le rendre extrêmement puissant. Vous aurez même l’occasion de pourvoir contrôler au cours de certains niveaux un mecha ou encore un mini sous-marin. Il est aussi possible d’améliorer ses capacités (furtivité, attaque, tactique, etc.) en remplissant certaines conditions optionnelles.

De nombreux objets sont cachés dans chaque niveau

Ce nouvel épisode de Wolfenstein profite d’une direction artistique très réussie, avec des ennemis assez variés, passant du soldat nazi de base, au Panzerhund (des chiens mécaniques géants), jusqu’au « mecha » ou au robot gigantesque et redoutable, nommé « Vigie ». Bref il y a de quoi faire ! Les graphismes sont eux assez inégaux. Car les textures sont vite limitées dès qu’on se rapproche un peu trop, et sont même à de rares occasions carrément hideuses.

Mais cela n’enlève pas le plaisir de jeu pour autant, car pour une fois on a droit a un scénario intéressant, et pas seulement bourrin comme on a l’habitude de voir dans la plupart des FPS. Sans oublier les clichés habituels (le héros est une armoire à glace à la mâchoire carrée, le jeu est assez violent et gore), la caractérisation des personnages est bonne, et vous n’oublierez certainement pas vos premières rencontres glaçantes avec le général Strasse ou encore Frau Engel, renforcées par une modélisation des visages très réaliste.

Qui allez-vous sacrifier Capitaine Blazkowicz ?

L’univers que l’on découvre est suffisamment fouillé pour qu’on veuille en savoir plus. Au-delà du déroulement de l’histoire et de ses cinématiques, on trouvera de nombreuses notes, bobines audio, artbooks et trésors qui permettront d’approfondir les personnages et événements de cette ligne temporelle alternative. Et même si tout est complètement scripté, voir un article officiel de propagande parlant de certains actes de résistance que l’on a effectué peu de temps avant produit toujours son petit effet !

Le jeu inclus un gros clin d’oeil à son ancêtre Wolfenstein 3D (développé par id Software), puisque des niveaux issus de ce dernier, au charme rétro, peuvent être parcourus en piquant un petit roupillon dans le lit du QG de la résistance.
Dernier point important, Wolfenstein The New Order bénéficie d’une durée de vie de près de 15 h, et ce, sans baisse de rythme, ce qui est très bon pour un FPS de ce genre.

Conclusion

Très bonne surprise de l’année 2014, Wolfenstein The New Order, en plus d’être techniquement assez réussi, est un digne reboot de la saga. Il offre un scénario uchronique et des personnages très intéressants, tout en proposant un gameplay varié. MachineGames récidivera un an plus tard avec Wolfenstein The Old Blood, un prequel, et en 2017 avec Wolfenstein II : The New Colossus, suite directe tout aussi réussie que The New Order. Bref, un très bon jeu !

Wolfenstein The New Order – Dév : MachineGames – Edit : Bethesda Softworks – PC, Xbox360 / XboxOne, PS3 / PS4 – Sorti le 20 mai 2014

Pour s’échapper du château Wolfenstein

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Alors que le procureur Harvey Dent est en pleine campagne électorale pour devenir maire de Gotham City, Bruce Wayne a pour projet de remanier l’asile d’Arkham en « Thomas & Martha Wayne memorial hospital », en honneur de ses parents assassinés lorsqu’il était encore enfant.
Mais les rumeurs de corruption qui pèsent sur sa famille, et l’intrusion de Carmine Falcone, parrain notoire de la pègre vont quelque peu compliquer les choses…

Fondé en 2004, Telltale Games est connu pour ses nombreuses adaptations de licences tirées de films, séries, jeux, bd, comics, etc. sous forme de jeux narratifs aux graphismes de bande dessinée, et découpées en plusieurs épisodes. Réputés pour leur qualité d’écriture, les scénaristes du studio, après avoir adapté The Walking Dead, The Wolf Among Us, Les Gardiens de la Galaxie, ou d’autres franchises plus ou moins réussies, ont sorti en 2016 la première saison de Batman The Telltale Series. Cette 1ère saison est composée de 5 épisodes sortis à quelques mois d’intervalle chacun.

La 1ère rencontre avec Catwoman sera musclée…

Se déroulant avant que Gordon ne devienne commissaire, Batman The Telltale Series nous met dans la peau de Bruce Wayne / Batman, qui va devoir sauver l’honneur de ses parents.
De nombreux personnages connus issus de l’univers de Batman répondent présent, comme Harvey Dent, Vicky Vale, Selina Kyle (Catwoman), etc. On observe aussi une variation de certains personnages, tant dans leur apparence (comme Oswald Cobblepot, le Pingouin !), que dans leur caractérisation. Ces changements sont les bienvenus, et créent une identité propre au jeu, renforcée par des graphismes en Cel shading qui donnent un côté BD très réussi. L’histoire est intéressante et prenante, avec pas mal de surprises. Et même s’il y a de l’action, le côté « enquêteur » de Batman est mis en avant, nous ramenant un peu aux fondements du personnage (rappelons que « DC » signifie à l’origine « Detective Comics »).

Le nouveau look du Pingouin

Jeu narratif oblige, vous serez régulièrement sollicité pour choisir vos dialogues entre les personnages, à la manière d’un QCM. À vous de choisir la réponse qui vous paraît la plus appropriée, en fonction de vos convictions et de ce qui vous sera proposé. Il sera ainsi possible de montrer votre confiance envers un personnage, ou au contraire d’être méfiant vis-à-vis de lui.

À quelques reprises vous devrez choisir de gérer une situation en tant que Bruce Wayne ou en tant que Batman, ce qui changera évidemment les réactions des personnages et du contexte.
Certaines conséquences peuvent aussi différer en fonction de vos choix. Ainsi, Harvey Dent pourra par exemple finir avec l’apparence de Double Face, ou garder son visage intact. Malheureusement ces choix n’auront que peu de réelles conséquences, à quelques exceptions près. Car bien que ces décisions puissent faire évoluer le scénario d’une certaine manière, le jeu vous place tout de même sur une certaine ligne scénaristique voulue par les développeurs, et dont vous ne pourrez pas vous détourner. La possibilité des choix est cependant très intéressante et donne lieu à des séquences inédites en fonction de vos réactions.

Vos choix feront avancer l’histoire

Certaines actions que vous aurez à faire, que ce soit lors des combats en tant que Batman, ou d’autres mouvements en tant que Bruce Wayne, seront à effectuer avec les bons vieux QTE (Quick Time Events). Batman The Telltale Series étant un jeu narratif, vous ne contrôlez donc pas vraiment le personnage comme la plupart des jeux (notamment l’excellente série de jeux Batman Arkham), mais pouvez contrôler ses décisions et quelques actions à l’aide des touches de la manette ou du combo clavier / souris.
À la fin de chaque épisode, les choix que vous avez faits sont récapitulés sous forme de statistiques, comparant au passage vos décisions avec celle des autres joueurs qui possèdent le titre.

Dommage que le manque de finition vienne ternir le tableau, avec de nombreux bugs graphiques et sonores, sans compter des problèmes de sous-titres quelquefois mal traduits, carrément absents ou même remplacés par les sous-titres anglais, et ce sans raison.

Le jeu est néanmoins très plaisant et réussi, et le scénario apporte une nouvelle approche intéressante et complémentaire à l’univers de Batman.

Conclusion

Batman The Telltale Series est un jeu narratif très réussi, que tout fan de l’homme chauve-souris se doit de faire. Malgré de nombreux bugs (parfois amusants malgré eux), on suit un scénario solide et prenant, avec des personnages complexes et riches. Une 2ème saison, très bonne elle aussi, est d’ores et déjà disponible !

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Partie avec un équipage à bord de l’Endurance, Lara Croft, jeune aventurière, est persuadée que les vestiges du mystérieux royaume de Yamatai se trouvent à l’est du Japon. Lors de l’expédition, une tempête pulvérise le bateau, qui s’échoue sur une île. Seule, Lara va devoir survivre pour retrouver ses compagnons d’infortune, se défendre contre les Solarii, une secte menée par un certain Mathias, et surtout découvrir les secrets de cette île…

Dès le début, Tomb Raider nous en met plein les yeux avec des graphismes vraiment superbes et réalistes. Les premiers pas donnent le ton et on avance lentement, plus occupé à regarder le paysage qu’à progresser. Les éclairages sont magnifiques, les textures assez fines, les visages réalistes (sans être incroyables non plus). Mais c’est certain, un nouveau cap graphique a été franchi pour Tomb Raider, et on prend vraiment plaisir à parcourir cette île dans ses moindres recoins !

Les graphismes sont magnifiques

D’autant plus que la maniabilité est cette fois-ci excellente. Vous pouvez oublier les imprécisions de Tomb Raider Anniversary lors des sauts ! Crystal Dynamics a réussi à proposer une prise en main souple, des mouvements naturels, alliés à une caméra facile d’utilisation et parfaitement optimisée pour les combats. En effet, la caméra se met automatiquement au-dessus de l’épaule pour faciliter la visée. Car oui, il n’y a plus de visée automatique, ce qui permet d’impliquer encore davantage le joueur.
En plus des armes glanées durant l’aventure, Lara peut maintenant utiliser un arc pour se défendre, chasser, ou accrocher des cordes et s’en servir comme tyrolienne. La torche permettra de vous éclairer, trouver des vivres, mais aussi résoudre des énigmes. Le piolet sera quant à lui très utile pour escalader des parois, activer des mécanismes, forcer des cadenas et des portes, ou se défendre.

Fini les niveaux successifs, désormais Lara évolue dans un monde semi-ouvert, et le terrain de jeu est plutôt grand. Même si les rebondissements du scénario imposent un cheminement linéaire, les voyages rapides entre les feux de camp (comme dans Dark Souls) permettent de se déplacer facilement et rapidement pour découvrir des zones inconnues.

Les feux de camp servent à améliorer ses compétences et à sauvegarder

Et l’exploration prend une part importante dans l’aventure. Vous pourrez ainsi récupérer des matériaux un peu partout (caisses, ennemis, etc.), qui vont permettre d’améliorer l’arc, les armes, la résistance du piolet, etc. Il y a ainsi une multitude de quêtes annexes éparpillées sur l’île (objets cachés, braseros à allumer, etc.). En les faisant, vous gagnerez de l’expérience pour améliorer les aptitudes de Lara. Des tombeaux optionnels (et à peine cachés) sont aussi présents et renforcent l’esprit de découverte général.

L’autre changement notable est la disparition des traditionnelles trousses de soin ! La barre de vie n’est plus visible, remplacée par une indication visuelle en cas de blessure. Un système plus moderne emprunté aux fps, notamment les Call of Duty, où il suffit de se mettre à l’abri pour que la santé revienne progressivement.

Vos premiers pas dans la nature…

Quels sont les défauts de ce reboot de Tomb Raider me direz vous ? On pourrait lui reprocher d’un point de vue esthétique une mise en scène des cinématiques à base de shakycam, qui n’a aucune justification (sauf évidemment lors des plans filmés au camescope). De plus, le jeu souffre d’une trop grande facilité (même en difficulté élevée, on ne manque jamais de munitions, on doit même souvent en gâcher si on veut ramasser celles qui traînent). Mis à part quelques confrontations un peu musclées avec les Solarii (en raison du grand nombre d’ennemis à gérer simultanément), on n’a pas vraiment de difficulté à avancer. C’est certes plus agréable pour explorer les lieux, mais un peu de challenge aurait été le bienvenu…cette faiblesse n’est pas aidée non plus par un système de repérage visuel des objectifs, mais aussi des ennemis, accessible d’une simple touche.
Paradoxalement à ce problème, le 3ᵉ point noir (le plus important) concerne l’extrême endurance de Lara Croft. Même si ce personnage a toujours été particulièrement résistant et en fin de compte peu réaliste depuis ses débuts (allez grimper des parois comme elle fait dans les anciens épisodes, bonne chance…), la nouvelle approche de survie de ce reboot (piolet, arc, chasse, faiblesse du personnage, etc.) est en contradiction avec ce qui lui arrive. À moins d’être un Terminator, elle ne devrait même pas avoir survécu à 1/10 de ce qu’elle a subit. Avec une mise en scène très cinématographique et hollywoodienne, les scénaristes se sont lâchés pour faire un « jeu catastrophe » (à défaut d’un film). Et même si on avoue que ça fonctionne et que les péripéties sont prenantes, c’est tout de même un peu « too much »…

Conclusion

Ce reboot de Tomb Raider apporte clairement beaucoup plus d’avantages que de défauts. Les nouveautés sont vraiment nombreuses, et Crystal Dynamics a bien adapté des concepts déjà utilisés dans d’autres titres (Uncharted, Call of Duty, Dark Souls) qui donnent un gameplay plus moderne et agréable à l’aventure de Lara Croft. Dommage que le scénario, assez intéressant mais à la mise en scène très hollywoodienne, multiplie les rebondissements catastrophe, et rendent le personnage un peu trop résistant…

Pour survivre un peu plus longtemps

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