Est-il besoin de noter ici la pertinence de remodeler l’Histoire ?  Oui, toujours et encore. Si l’on aborde, par exemple, la fin d’une civilisation et que l’on transforme sa chute en un nouveau départ. Penser une fin qui n’a jamais eu lieu nous plonge dans un travail de recherche et de compréhension : compréhension dans les causes de l’effondrement et de la civilisation elle-même. Rentrer dans ses mécanismes intérieurs, travailler l’altérité pour imaginer l’autre et rentrer dans son intime. C’est comme si nous examinions les rouages d’un automate pour en comprendre le fonctionnement. L’Uchronie nous permet de travailler la matière, de réfléchir à un autre possible et d’imaginer de merveilleuses utopies, ou d’effrayantes dystopies. Mais soyons positifs en cette période difficile.

Les trois recueils qui composent cette Dimension Uchronie ont eu le mérite de donner la plume à des autrices et auteurs qui apprécie le jeu de l’uchronie, qu’ils soient débutants ou confirmés. Alors, n’en déplaise aux jeteurs de sorts, c’est un choix assumé par les anthologistes et qu’ils soient ici remerciés de tout le travail fourni et de toutes ces nouvelles qui raviront les amateurs d’une Histoire revisitée. Et le tome 3 conclut cette aventure avec réussite, ce recueil nous parlant d’espoir, de lutte pour la liberté, de rêves, de féminisme, d’un monde meilleur, d’un autre futur, parsemé d’étoiles, d’espoir et d’espérance. Espérance dans l’humanité et la transformation de la société. Ils nous font réfléchir au fait que le monde dans lequel on vit ne doit jamais être pris pour acquis. Et qu’il suffit d’une goutte d’eau, d’un battement d’ailes et d’infimes variations dans la toile de l’Histoire pour tout changer et tout transformer (merci professeur Malcom). J’espère que vous me pardonnerez cette brève incursion dans la théorie du chaos.

Des vikings à la civilisation aztèque, de la Bretagne aux USA, en passant par le Canada, et même Mars ou Madagascar, chaque autrice, auteur, avec son style, son audace, nous apporte sa vision du monde et partageant en cela, un peu de leur intime. Et si l’on pouvait revenir en arrière pour éliminer un dictateur ? Si l’on faisait perdurer le régime soviétique ? Et si les esclaves à la Nouvelle-Orléans, entourés de magie vaudou et s’inspirant des révoltes haïtiennes, se révoltaient avec succès ? Je vous laisse découvrir toutes ces plumes et vous conseille vivement Dimension Uchronie 3. Quinze nouvelles qui nous séduisent donc par la richesse de leurs thèmes, la diversité de leur propos. On saluera également ici les anthologistes cités plus haut, ayant passé de nombreuses heures à lire, relire et annoter, pour améliorer la qualité des nouvelles que ce recueil vous propose ; ainsi que Tiffanie Uldry, l’illustratrice des trois couvertures.

Il ne me reste plus qu’à vous souhaiter une bonne lecture !

Anthologie de nouvelles présentées par Bertrand Campeis & Hermine Hémon.

TABLE DES MATIERES:

Traductions de Hermine Hémon & Erwan Devos.

Illustration de Tiffanie Uldry.

https://www.riviereblanche.com/fusee-f85-dimension-uchronie-3.html

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Malgré des épisodes inégaux sur le plan de la narration, on sent que Steven Moffat et Mark Gatiss se sont bien amusés à reprendre le mythe de Dracula et à en faire quelque chose de neuf. Il y a une certaine continuité, tout au long des trois épisodes, au niveau de l’image, un travail très bien léché et des effets spéciaux pas trop crados, sauf peut-être la mouche au début du premier épisode. Mais on l’oublie rapidement (Surtout, qu’est-ce qu’il fout là Jeff Goldblum ? Je croyais qu’il était sur le plateau de tournage de Jurassic XII ?).

Dracula commence en adaptant fidèlement le roman de Bram Stoker. Jonathan Harker, jeune clerc de notaire, est envoyé au château du comte Dracula pour régler des détails juridiques. Et, bien évidemment, il tombe sous son emprise. L’épisode 1 démarre au moment où Harker, réussissant à s’échapper, se retrouve au couvent, où il raconte ses mésaventures à sœur Agatha… Van Helsing. D’ailleurs, vous pouvez vous amuser à découvrir les différents clins d’œils disséminés tout au long de la série. Donc, un démarrage conforme au roman qui va vite dériver. Les règles de la bête donne vraiment envie de cliquer sur l’épisode suivant.

D’ailleurs, le meilleur épisode est, sans conteste, Vaisseau sanguin, qui se concentre sur le Demeter. C’est donc une sorte de huis-clos brillamment réussi qui ravira les fans du genre. Un épisode prenant, dynamique, avec des personnages intéressants. Je n’en dis pas plus et vous laisse le seul maître à bord (capitaine du vaisseau, ahaha).

L’épisode 3, Sombre boussole, ne plaira pas à tout le monde. Parfois décalé, assez WTF, absurde, il frôle aussi la surenchère comique. Crédible dans les deux premiers épisodes, l’acteur Claes Bang manque de constance et en fait un peu trop. Mais je vous l’accorde, cela n’enlève pas quelques moments jouissifs !

Au final, Dracula est une série plutôt barrée, agréable, avec des hauts et des bas, et l’on passe un excellent moment. Voilà un bon divertissement en cette période de confinement.

Bon visionnage !

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Bradbury, tout le monde le connaît plus ou moins implicitement de long en large.

N’importe quel lecteur de Science-fiction connaît le legs qu’il a laissé à la littérature avec les deux chef d’œuvres que sont Chroniques Martiennes (1950) et Fahrenheit 451 (1953). On connaît un peu moins ses nouvelles, même si à l’instar des deux œuvres citées, elles connurent de nombreuses adaptations diverses, que ce soit en comics (si, si et croyez-moi c’était au top) ou en films. Dans cette dernière catégorie on dénombre deux adaptations de Fahrenheit (l’une en 1966 signée François Truffaut, une autre en 2018 de Ramin Bahrani), une des Chroniques Martiennes en 1980 (plus ou moins une mini série de téléfilms au budget limité avec un Rock Hudson vieillissant) et même une de L’Homme Illustré qui nous intéresse ici-même sous le titre de « L’Homme tatoué » en 1969.

Le Maître et son chat

On imagine assez bien la difficulté dans ce dernier cas : que choisir comme histoires dans un recueil de nouvelles pour adapter le tout dans un seul film d’une heure quarante avec Rod Steiger ? Car oui, L’Homme Illustré est donc en amont un recueil de nouvelles que l’ami Ray publie en 1951 (paru chez nous en 1954). Et, il contient parmi les meilleures et plus connues de ses nouvelles par ailleurs.

Et même si l’on y retrouve pas forcément un fameux « Coup de tonnerre » (nouvelle tellement culte que Les Simpsons la parodièrent en hommage dans l’un de leurs Horror Show (épisode 6 de la 6ème saison)), on ne pourra que se délecter du reste, tellement riche et audacieux encore aujourd’hui.

On y côtoie sans mal la dénonciation du racisme (n’oublions pas qu’en 1950 la ségrégation raciale a encore cours aux États-Unis) avec « Comme on se retrouve » (géniale proposition qui inverse le rapport de forces entre Blancs et Noirs à la suite d’une nouvelle guerre nucléaire). On évoquera la religion, la liberté de culte ou l’altérité sur « L’Homme » (Que feriez-vous si, à peine débarqué sur une nouvelle planète, vous comprenez que vous avez loupé l’arrivée de Jésus Christ de quelques jours?) et « Les boules de feu ». Sans oublier qu’il faut se méfier des enfants sur « La brousse » ou « L’heure H » (Sérieusement, ne laissez pas vos mômes jouer avec n’importe qui…. ou n’importe quoi !). Il y aura aussi des invasions de toutes sortes et de tous points de vues avec « La Bétonneuse » (On est avec les martiens qui débarquent sur Terre pour s’apercevoir qu’en fait, face au capitalisme américain, ça ne sert pas finalement à grand chose d’annexer toute la planète ! On sent clairement derrière l’humour doux-amer de la nouvelle une critique bien cinglante de la société et de ses travers) et « La ville ». Et d’autres petits bijoux où se révèlent toute la verve humaniste de leur auteur comme « La fusée » (souvent reprise dans plusieurs anthologies diverses), « L’homme de l’espace » ou « La nuit dernière » (aussi nommée « La dernière nuit du monde » dans les éditions plus récentes… Où l’on suit tout simplement la dernière soirée d’un couple alors que le monde va disparaître).

Bref pour finir sur un adage gastronomique, « Tout est bon dans le Bradbury » !

L’homme illustré (The illustrated Man) – Auteur : Ray Bradbury – Editeur : Gallimard, collection Folio SF – 352 pages – paru en 2005

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Qu’est-ce qui est vert, pèse 120 000 tonnes, pue la vase, n’a pas vu le ciel bleu depuis quarante siècles et s’apprête à dévaster le monde ? Ingrid n’en a aucune idée. Et elle s’en fout. Autant dire que lorsque des hurluberlus lui annoncent qu’elle est le Centre du pentacle et que la résurrection de Cthulhu est proche, ça la laisse de marbre. Jusqu’à ce que les entités cosmiques frappent à sa porte…

« À Cthulhu, qui en a fait baver plus d’un »…La petite phrase d’intro du livre nous prépare à ce qui suit. Karim Berrouka n’est évidemment pas le seul à s’être inspiré de l’univers issu de l’esprit de H.P. Lovecraft (voir aussi la nouvelle uchronique H.P.L, l’homme qui bave et qui glougloute, de Roland Wagner, ou encore l’anthologie Sur les traces de Lovecraft volume 1) mais il réussit à créer un récit drôle, léger, et très agréable à lire.

Ici, les grands anciens sont réels, et les écrits de Lovecraft ne seraient donc que des découvertes et hypothèses de leur existence.
On suit Ingrid Planck, qui va se retrouver malgré elle au milieu d’un conflit entre différentes confréries, chacune vénérant un grand ancien. Tandis que certaines souhaitent la résurrection de Cthulhu, d’autres veulent sa destruction. Et elle, Ingrid, qualifiée de Centre du Pentacle, serait la pièce maîtresse qui pourrait tout faire basculer… Avec son caractère bien trempé, elle fait des rencontres toutes plus farfelues les unes que les autres.

Berrouka n’hésite pas à tourner en dérision les mythes lovecraftiens (les adorateurs de Dagon se cachent derrière l’« American Dagon Scuba Diving society », une société écran basée à deux pas de la Seine…), et ça fonctionne !
Celle qui n’avait pas peur de Cthulhu fourmille de références qui feront sourire les fans de Lovecraft, et malgré l’ambiance absurde du roman, l’auteur livre une histoire assez réussie et solide, avec ce qu’il faut d’intrigues et de rebondissements.

Conclusion

Karim Berrouka a son style bien à lui, et il le démontre une nouvelle fois avec Celle qui n’avait pas peur de Cthulhu ! S’appropriant l’univers de H.P. Lovecraft, il réussit à créer un récit drôle, léger, et très agréable à lire. Une manière aussi, pour les néophytes de Cthulhu, de piquer leur curiosité et de leur donner envie de découvrir les livres et nouvelles du maître de Providence.

Celle qui n’avait pas peur de Cthulhu – par Karim Berrouka – Ed : Actusf – 344p – mars 2018

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Le Mont des rêves : Au risque de faire cliché, commençons par le commencement : D’où t’es venu le goût de la SF ou plutôt plus globalement, de la littérature de l’imaginaire (celle lue puis ensuite, celle écrite par toi-même) ?

Marie-Lorna Vaconsin : Je n’ai aucun problème avec les clichés au contraire…

Mon goût pour la littérature de l’imaginaire a commencé avec la lecture de Narnia. En découvrant la façon dont les enfants basculaient dans le monde imaginaire, j’ai  voulu devenir romancière pour écrire des histoires du même genre. Lorsque, quelques années plus tard, j’ai lu A la croisée des mondes de Pullman, mon envie d’aller dans cette direction s’est confirmée et j’ai commencé à écrire de petites histoires qui se passaient dans le monde parallèle qu’explorent actuellement Pythagore et Louise. Les personnages n’étaient pas les mêmes, ni l’intrigue, mais j’ai commencé à faire vivre l’univers.

Le MDR : Avant d’écrire, je remarque que tu as également été comédienne et restauratrice. Dans le second cas, il me semble que tu le sois encore.  En revanche, comédienne, es-ce encore « au menu » (pardon) ? Peux-tu nous parler un peu de ces deux expériences très différentes ?

Marie-Lorna Vaconsin : J’ai adoré être comédienne parce que c’est une façon d’entrer dans un monde parallèle là aussi… de visiter des univers, des vies, des émotions. J’adore être dépossédée de moi-même, me plonger dans des histoires improbables. Ce que j’ai moins aimé, c’est tout ce qui va autour du métier de comédienne – les castings, l’obsession du physique, la dépendance aux projets des autres… On est paradoxalement contraint à une forme de passivité quand on est acteur, parce qu’on doit être choisi pour travailler.

Le métier de restauratrice au contraire ne dépend que de soi, de sa volonté, de son énergie. C’est ça qui m’a plu avant tout. Construire moi-même sans dépendre de personne. J’aime aussi le métier de service parce qu’on apporte du bonheur au gens. J’aime tout faire pour que les gens passent une bonne soirée. Enfin, si la restauration est un métier très concret, très ancré dans la réalité, je l’envisage aussi comme une façon de construire un monde parallèle dans lequel le public s’abandonne quelques heures. Je l’imagine comme un petit univers en soi – un décor, une émotion dans le gout, dans le service, des musiques, une mise en scène de la réalité. On touche à tous les sens.

Le MDR : Je t’avais remarqué pour ma part dans les courts-métrages d’Antonin Peretjako (j’avais même montré French kiss, enthousiaste, à des amis ! (*)) ainsi que son premier long, La fille du 14 juillet (2013) mais tu as aussi joué dans Le crime est notre affaire (2008) et La fête des voisins (2010). Quel souvenirs as-tu de ces tournages ?

Marie-Lorna Vaconsin : French Kiss, c’était génial !  petite équipe, petit tournage, c’était ludique, tout ce que j’aime dans le métier de comédienne. Le crime est notre affaire était une grosse production pour moi ! J’ai adoré travailler avec un réalisateur chevronné, avec de grands acteurs, de beaux costumes, une grande équipe…. et puis aussi, un confort hallucinant de chambre d’hôtel.

La fille du 14 juillet s’est déroulé sur deux ans (deux été successifs) ça a été assez dur, j’avais réservé mes vacances de restauratrice pour tourner le film… autant dire que je n’ai pas arrêté de travailler pendant deux ans… et le soir et le matin tôt j’essayais d’écrire… c’est là que je me suis dit que je ne pouvais pas tout faire, qu’il fallait choisir…

Dans tous les cas, ce que j’ai aimé dans ces tournages, c’est le fait d’être déracinée de chez moi, de vivre une autre vie. Le moment du jeu, bien sûr, mais aussi quand on ne tournait pas, me retrouver seule, découvrir des villes où je ne connaissais personne, m’inventer une autre vie le temps d’une scène où d’une après-midi.

Le MDR : A t’entendre (te lire), il semble que le métier de comédienne est bel et bien fini. Tu avais sorti en 2013 un premier roman, Le monde des possibles avec une héroïne évoluant dans ce milieu au passage. Est-ce que d’une certaine manière ce ne serait pas un peu autobiographique ? Peux-tu nous en parler ?

Marie-Lorna Vaconsin : Le Monde des Possibles parle d’un parcours initiatique ; c’est une sorte de roadtrip à travers le monde : une fille qui découvre qu’elle peut exister par elle-même au lieu de subir les étiquettes qui lui sont tombées dessus.

L’histoire est, a priori, plus réaliste que le Projet Starpoint, mais elle n’est pas pour autant autobiographique. Disons que j’utilise des petits bouts de choses vues, vécues ou racontées, je les découpe et je les retricotte pour former de nouveaux personnages et de nouvelles vies. A la limite, on peut dire que c’est « microbiographique »

Le MDR : Le Projet Starpoint est donc sorti cette année, et c’est le début d’une trilogie.

As-tu déjà planifié l’ensemble des trois tomes ou alors disposes-tu d’un fil rouge te permettant de faire quelques « pas de côtés » pour la saga ? Par fil rouge par exemple, je pense au dessinateur Andreas qui, alors qu’il se lançait dans les 18 tomes de sa série « ARQ » en 1997 (éditions Delcourt) n’avait pas forcément tous les éléments en mains mais une ligne narrative d’emblée, à même de le faire retomber sur ses pattes.

Marie-Lorna Vaconsin : J’ai le fil rouge – c’est à dire la révélation de ce qu’est l’autre monde et comment il s’articule autour du nôtre – mais je n’ai pas toutes les étapes, tous les rebondissements, loin de là ! Je les découvre à force de couches d’écriture successives, je me laisse surprendre. C’est peut-être aussi pour ça que je suis très lente.

Le MDR : D’ailleurs quelle est la génèse du projet ?

Marie-Lorna Vaconsin : J’ai commencé à vouloir écrire ce livre à l’adolescence, quand j’ai cessé de jouer aux jeux de rôles que nous nous étions inventées avec ma soeur. Je voulais continuer de faire vivre les personnages par écrit. Au début, Pythagore était très jeune, il avait huit ans, puis dix, puis douze, puis quinze… J’ai écrit des tas de versions différentes, de tas de bouts d’histoires au travers desquels Pythagore, Louise et Foresta ont grandi avec moi.

Le MDR : Dans le roman, il est intéressant de voir planer la figure trouble de Gilles de Retz (ou Gilles de Rais) et l’on sent que tu gardes probablement des révélations en réserve pour la suite. D’où t’es venue l’idée de placer ici le Baron de Retz ?

Marie-Lorna Vaconsin : On le surnommait le Barbe Bleue nantais. Il est au croisement de l’horreur et de la légende, de la vie et de la fiction, des faits et du mystère. Il est au centre d’un spectaculaire renversement : il commence sa vie en héros et la finit en monstre sanguinaire… Cette énigme m’a toujours hantée et elle sert le propos final du livre.

Le MDR : Avec ces livres, tu t’engages sur une saga « au long cours » comme on dit. A t-il été facile de convaincre un ou plusieurs éditeurs ?

Marie-Lorna Vaconsin : Je n’ai eu à convaincre que mon éditeur. Nous partagions le même gout pour les livres de mondes parallèles et, notamment, une passion pour Philippe Pullman. Nous nous sommes tout de suite très bien entendu pour ce projet. J’ai eu de la chance !

Le MDR : Enfin, as-tu déjà commencé l’écriture du prochain tome ? Si oui, peux-tu nous en dire un peu plus sans spoiler ?

Marie-Lorna Vaconsin : Oui, l’écriture est bien entamée, elle devrait même être finie, mais je suis un peu en retard. J’imagine que ça arrive à tous les auteurs…

Dans le tome 2, l’action va être « dézoomée » et nos héros vont voyager… Ils en sauront un peu plus sur la nature scientifique de l’autre monde. Voilà… je n’en dis pas plus…

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(*) Pour les plus curieux, French Kiss est visible sur Youtube en deux parties ici et là.

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En 1969, dans la ville de Brantford, New Hampshire, Alan Parrish, jeune garçon craintif et victime de brimades de la part d’autres enfants, est attiré par un bruit de tambour. Sur un chantier, en face de l’usine de chaussures de son père, Il découvre et déterre Jumanji, un jeu de société mystérieux. En commençant une partie avec Sarah, une copine de classe, il est littéralement aspiré dans le jeu. 26 ans plus tard, une nouvelle famille emménage dans la maison. Les enfants tombent sur le jeu et font revenir par hasard Alan dans le monde réel…

On ne va pas se mentir, revoir Jumanji après tant d’années est un réel plaisir. Et revoir Robin Williams après sa mort en 2014, procure un sentiment étrange, et donne un tout autre ton au film. D’autant plus que le personnage qu’il incarne, Alan Parrish, était complètement absent de l’oeuvre originale, le roman pour enfant de Chris Van Allsburg.

Alan est de retour ! (Robin Williams)

Alan, de retour 26 ans après sa disparition dans le monde de Jumanji (alors que des rumeurs allaient bon train quant à son meurtre par son propre père) se retrouve perdu dans une nouvelle « jungle », où les créatures du jeu entrent dans le monde réel au fur et à mesure que l’on joue la partie.
Le film entretien de nombreux liens avec Peter Pan, dans sa structure mais aussi par ses interprètes. Robin Williams a joué notamment dans Hook, le film de Steven Spielberg, ou il est Peter Pan, devenu adulte et ayant perdu son âme d’enfant. Les personnages de Van Pelt et Sam Parrish sont interprétés par le même acteur, selon le même schéma que Mr. Darling et le Capitaine Crochet dans la plupart des adaptations de Peter Pan etc.
Et c’est aussi l’occasion de revoir une Kirsten Dunst toute jeune, un an à peine après nous avoir marqué dans Entretien avec un vampire.

Une petite Kirsten Dunst (avec Bradley Pierce)

Réalisé par Joe Johnston (Chérie j’ai rétréci les gosses, Rocketeer, Jurassic Park III), Jumanji est un bon vieux trip nostalgique, bien construit, avec une musique impeccable de James Horner, et qui encore aujourd’hui n’a pas à rougir de son âge face aux films pour enfants de maintenant.

À défaut d’avoir droit à une suite (tout du moins à l’époque, puisqu’un nouveau Jumanji, sorte de suite modernisée avec Dwane Johnson, vient de sortir il y a quelques jours), une série animée à été produite entre 1996 et 1999. Avec son design graphique assez particulier, elle prolonge et même enrichit grandement l’univers du film.

il faut continuer le jeu jusqu’à la fin…

Voilà maintenant près de 3 ans et demi que Robin Williams a été de nouveau aspiré par Jumanji.
Et si l’on retrouvait le jeu un jour, notre seul souhait serait de tirer aux dés un 5 ou un 8 pour le faire revenir…

Conclusion

Grand classique des années 90, adapté d’un roman pour enfants, ce Jumanji version cinéma est un spectacle familial très plaisant, avec un Robin Williams tendre et amusant, des effets spéciaux et visuels réussis. Mais c’est aussi un film très nostalgique sur nos regrets d’enfance. Parfait pour passer une belle journée de Noël au chaud, près du sapin, malgré ce temps maussade !

Jumanji – Réal : Joe Johnston – durée : 104 min – sorti en février 1996 en France

Pour jouer à Jumanji

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Après une rupture amoureuse, Gloria (Anne Hathaway), jeune femme un peu trop fêtarde, décide de quitter New-York pour retrouver sa ville natale. Là-bas, elle retrouve Oscar (Jason Sudeikis), un ami d’enfance. Alors qu’elle commence à travailler dans le bar d’Oscar, un monstre géant fait son apparition à Seoul, en Corée du Sud.

Dans un square, le groupe d’amis regarde Gloria bouger…

Débarrassé de son contenu fantastique, Colossal, le nouveau film de Nacho Vigalondo (réalisateurs de TimeCrimes) ne serait qu’une simple comédie romantique de plus. Mais ce parti-pris d’introduire un lien direct avec une sorte de Kaiju (monstres géants japonais, comme Godzilla) lui permet de trouver une fraîcheur inattendue. Un fragment d’existence de quelques personnes dans une petite ville perdue aux Etats-Unis devient visible aux yeux du monde entier, ce qui donne lieu à des situations cocasses (ridiculisant au passage le principe des monstres géants, perçus d’ordinaire comme impressionnants et destructeurs), mais aussi traumatisantes ! Les états d’âme des personnages, aux enjeux insignifiants à la base, prennent ici une dimension colossale, puisque leurs répercussions sont catastrophiques pour les habitants de Seoul.
Comme dirait l’oncle Ben, « Un grand pouvoir implique de grandes responsabilités », ce qui permet au personnage de Gloria d’évoluer grâce à cette prise de conscience.

…et pendant ce temps, à Seoul, c’est la catastrophe !

Anne Hathaway est parfaite en femme complètement larguée (dans tous les sens du terme), et son acolyte Jason Sudeikis lui tient bien tête.
Malgré un changement de comportement assez mal amené d’un des personnages en milieu de course, car trop abrupt, le film surprend suffisamment, et la conclusion est spectaculaire et bien pensée, tout en gardant la légèreté des codes de la comédie romantique. Cela donne donc un ofni (objet filmique non identifié) qui vaut le coup ! C’est donc d’autant plus dommage qu’il n’ait pas eu droit à une sortie cinéma en France, mais seulement en VOD…

Gloria (Anne Hathaway) est dépassée par les évènements.

Conclusion

Avec Colossal, Nacho Vigalondo sort un film au concept original excellent, inattendu et bien réalisé. Projetant les états d’âme des personnages à grande échelle, le film est très plaisant, jusqu’à son final étonnant et intéressant !

Colossal – Réal : Nacho Vigalondo – disponible en VOD depuis le 27 juillet 2017

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Light Yagami, lycéen surdoué et consciencieux est ce qu’on pourrait appeler l’élève modèle type. Premier de la classe, doté d’un Q.I exceptionnel, il est le lycéen parfait et on ne lui connaît même aucun défaut. Tellement parfait qu’il y a de quoi s’inquiéter d’une vie si carrée et trop propre. Évidemment le jour où il met la main sur un mystérieux carnet noir, le Death Note, tout va voler en éclats.

Le principe du carnet est simple, mais son application dans le manga ouvre des possibilités presque infinies au scénario. Quiconque inscrit un nom dans le Death Note voit alors la personne mentionnée s’effondrer d’une crise cardiaque, 60 secondes après. Celui qui se sert du carnet en devient donc son nouveau propriétaire. Ce qui n’empêche pas les propriétaires légitimes, les dieux de la mort (shinigami), d’être du coup vus par celui qui utilise le carnet (et pouvoir même être touchés). Light utilisant le carnet de Ryuk, ce dernier l’accompagnera tout le long et ne sera vu que par le lycéen, mais ne prendra jamais parti.

Comme notre bonhomme a un gros problème d’ego et que son cerveau commençait déjà difficilement à passer les portes, il se dit que ce serait formidable du coup d’instaurer un nouvel ordre au monde où seuls les méchants (tueurs en séries, criminels divers, pédophiles, on en passe et des meilleures (ou pires plutôt)) seraient tués par une divinité à même de rendre la justice sans aucune entrave humaine ou morale : Kira (en fait la prononciation japonaise de killer).

Eh oui, voilà ce que c’est que d’avoir un papa policier et d’avoir comme lui un sens très aigu de la justice. Si en plus vous êtes fans de Dirty Harry et des méthodes expéditives on en sort plus…

Il n’en faut pas plus pour que très vite Light se heurte à un antagoniste de choix en la personne de « L », super détective représentant la justice des hommes, et tentant de coffrer ce super-méchant qui se permet de punir plus ou moins à sa guise. Parce que sous prétexte de faire régner la justice, on peut effectivement se poser la question de savoir si moralement Kira ne se trompe pas parfois et ne tue pas un innocent par erreur. Et surtout, a t-il bien le droit d’agir comme ça en toute impunité ?

Pourtant la série n’approfondira jamais vraiment les questions morales posées par cet acte problématique de tuer impunément. Soyons clair et ce sera le défaut principal que l’on va évacuer d’emblée : On ne lit pas Death Note pour y trouver un quelconque précis de philosophie qui nous éclairerait sur le sens de nos vies.

En revanche si l’on cherche une œuvre mixant génialement thriller, policier, fantastique et horreur avec un scénario quasiment en béton, oui là, c’est parfait. On pourra toutefois chipoter sur le fait que l’histoire parfois se complexifie un peu trop toute seule (« ah ah je sais ce que tu penses que je sais mais je penses que tu ne sais pas ce que je pense que…. » On a limite parfois l’impression d’avoir la retranscription d’un sketch des Inconnus ou des Nuls). C’est un peu gênant. Comme l’impression de voir son meilleur ami commencer à parler tout seul dans son coin pendant 30 minutes alors qu’on est en public et que tous les regards se tournent soudain vers lui.

Parce qu’au fond, Death Note c’est ça et tout l’aspect cérébral qu’on a pu lui reprocher vient de là : L’affrontement de deux super-cerveaux. On pourrait même aller plus loin et voir là l’affrontement d’un super-héros contre un super-méchant. L’un aurait un super pouvoir de déduction le rendant aussi incroyable que Sherlock Holmes (3), l’autre le don de tuer à distance selon son humeur ou sa morale. 2 machines performantes. Des autistes même !

Première rencontre entre Light et L…

Et c’est là la faiblesse et la force de Death Note. Parce que d’un côté, impossible de s’attacher à Light ou L. Ils sont à leur manière trop calculateurs et manquent cruellement d’humanité, et même une poignée de porte s’avère plus intéressante qu’eux, c’est dire… Ils n’évolueront pas vraiment d’ailleurs et partagent aussi le point commun d’être aussi manipulateurs l’un que l’autre pour arriver à leur fins. Et ce n’est pas parce que L travaille avec Interpol qu’il n’aura aucun scrupule à tendre un piège à Kira, et placer dès le départ un condamné à mort à sa place lors d’un passage à la télé pour que ce dernier le tue en direct et donc tombe dans le panneau. Comme je l’ai évoqué plus haut, aspect moral, zéro (4).

Mais en même temps donc c’est la force du manga que d’aller directement dans cet affrontement incessant qui va de plus en plus loin dans les coups fourrés en tous genres. Et en cela c’est probablement un choix scénaristique assumé vu qu’on ne prend donc aucunement parti pour l’un et l’autre camp. On a tout aussi envie que L gagne, que Light arrive à ses fins et se débarrasse de lui. Cela en devient donc jouissivement insupportable puisque comme dans n’importe quelle série, on en ressent un état de manque, on en veut toujours plus. Et c’est ce que va faire Tsugumi Ohba en complexifiant de plus en plus l’histoire au point parfois d’y perdre son lecteur. On aura plus un Kira, mais plusieurs. Tout comme plusieurs super-enquêteurs par la suite, plusieurs dieux de la mort, et plusieurs façons de faire mourir quelqu’un en inscrivant son nom dans le carnet…

Heureusement comme écrit plus haut, le manga va à l’essentiel. Death Note se lit non seulement facilement mais a l’avantage de ne faire qu’une dizaine de tomes (13 en format poche, 6 en grand format, la Black edition). Il faut aussi souligner le dessin très stylisé d’Obata qui s’amuse à faire ressortir avec une belle aisance une ambiance noire et poisseuse avec une économie de moyens (5), des cadrages soignés et une mise en page constamment dynamique.

Conclusion

En somme Death Note est non seulement addictif et passionnant. A l’heure où tout va très vite, il n’a pas pris une ride et constitue encore aujourd’hui un manga de choix dont le culte n’est pas usurpé et qu’on peut se relire (redécouvrir) avec un grand plaisir.

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1. Liée au « Whitewashing » Hollywoodien. Où la possibilité de remplacer un casting ethnique ou représentant une certaine minorité uniquement que par des acteurs blancs de peau. Citons comme exemple récent, l’adaptation live de Ghost in the shell, chroniqué d’ailleurs ici au Mont des Rêves.

2. Outre le manga, il y eut 2 romans et 3 films live (voire une comédie musicale !) de Death Note.

3. Bon, cela dit, « L » a moins d’élégance qu’un Benedict Cumberbatch. Oui, on chipote.

4. C’est peut-être un détail mais sociologiquement il a son importance : Le Japon applique encore aujourd’hui la peine de mort (par pendaison). Il ne serait donc pas si étonnant que le scénariste manque de recul là dessus.

5. Quitte à se croire dans un véritable Film Noir (merci les grands aplats à l’encre de chine), le fantastique en plus.

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Certaines propositions ne se refusent pas.

Surtout quand vous avouez en votre for intérieur un certain amour des cétacés et que celui-ci voisine pour le coup avec la science-fiction, comment diantre refuser ? La vieille anglaise et le continent n’est pourtant pas un roman à part entière mais l’une des nombreuses nouvelles de science-fiction qui donne son titre au recueil de Jeanne-A-Débats. Les cinéphiles auront remarqué le titre malicieux qui évoque un certain film de François Truffaut mais l’ambiance n’est guère au romantisme et à la passion.

Car à travers les 9 nouvelles de ce passionnant petit livre, c’est l’humanité dans ses moindres travers qui est disséquée méthodiquement. Les thèmes, toujours d’actualité, foisonnent et gardent une certaine amertume teintée d’ironie et d’humour noir, quand il n’est pas délicieusement décalé. On croisera ainsi la pêche aux baleines, l’extinction des espèces ou le clonage aussi bien dans La vieille anglaise et le continent que Paso Doble. On retrouvera la tyrannie des grandes puissances du passé (le nazisme dans Aria Furiosa !) comme du futur (la dérangeante et fascinante Gilles au bûcher). La surpopulation, la pollution et les épidémies (Stratégie du réenchantement, Privilège insupportable). Voire accessoirement une critique amusée des normes de la société (Saint-Valentin qui navigue en pleine fantasy déglinguée pour épingler à la fois un événement devenu des plus triviaux et… la société française bien embourgeoisée de Paris*).

Evidemment, toutes les nouvelles de La vieille anglaise et le continent ne sont pas forcément du même niveau et subjectivement, certaines vous marqueront plus que d’autres. La première, éponyme, a toutefois reçu le prix Julia Verlanger ainsi que le prix Rosny Aîné et de l’avis de beaucoup, c’est assez mérité. C’est aussi, il faut le noter, la nouvelle la plus « optimiste » de toutes avec Saint-Valentin. Vous voilà prévenus, vous qui entrez ici, abandonnez (presque) toute foi en l’humanité. Surtout si vous êtes fans de poney sauvages et bisounours multicolores.

Cela dit, si vous êtes prêts à en payer le prix et échanger un peu de votre âme avec ces écrits d’ailleurs postfacés par Jean-Claude Dunyach (« L’art du changement d’état » ou une bonne façon de proposer une synthèse de toutes les nouvelles dans un portrait caché de son auteure), nul doute que vous passerez un bon moment. C’est tout le mal que je vous souhaite.

(*) Si Claude Chabrol avait pu lire cette nouvelle de son vivant, nul doute qu’il en aurait volontiers fait un film.

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Le Mont des Rêves : Commençons par le commencement, quelles sont tes influences ?

Le Pixx : Moebius bien sûr pour le premier qui me vient en tête là. Tout l’esprit Metal Hurlant des 80’s. Pas mal de culture comics. Mais pas forcément les mecs en collants hein (souriant et précisant vu que dans l’intervalle je demandais s’il faisait références aux auteurs indépendants). Il faut qu’il y ait autre chose que juste du super-héros.

J’ai vu que tu avais un pied dans le jeu vidéo…

17 ans de journalisme dans la presse papier pour le jeu vidéo (Joystick, Joypad, IG Mag…)… Parce que je n’arrivais pas à me nourrir par le dessin. A forces de choses je suis devenu prof et j’enseigne le dessin et le jeu vidéo, dans deux cours différents (à Sup’info game et 3IS)

Combien de temps passes-tu sur un dessin ?

(arborant un large sourire, goguenard) : …..Toute une vie ?

Mais pour le dessin le plus long que tu ait fait ?

En fait, il ne faut pas regarder sa montre dans ce métier, sinon autant faire autre chose. C’est une passion qui prend forcément du temps.

Tu viens de sortir un (magnifique) carnet de croquis aux éditions Armada, tu connaissais donc Michel Borderie qui dirige la collection ?

Oui, bien sûr, je connais Michel depuis longtemps même. C’est lui qui est venu me voir et m’a demandé si ça ne me dérangeait pas de trouver près de 200 dessins pour le carnet. Il m’en reste encore plein, j’ai de quoi faire. …Pour un second tome ?

Je vois tout un storyboard là… Tu as une BD de prévu ?

Le storyboard est déjà fini et l’encrage est en bonne voie. Tu en as un bon aperçu. Après la difficulté maintenant ce n’est plus la BD mais de trouver des éditeurs… et qui sont prêts à prendre des risques. Et à notre époque, mouais (en arborant une moue)…

Merci pour cette dédicace, elle est géniale !

Mon plaisir.

Et pour vous aussi vous nourrir le regard de magie, n’hésitez pas à visiter le site du Pixx !

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