Honnêtement, on ne savait pas trop à quoi s’attendre face à une adaptation de La couleur tombée du ciel de Lovecraft avec Nicolas Cage, qui ne nous a pas vraiment gratifié de bons films depuis fort longtemps (des voix s’élèvent au fond de la salle pour citer Mandy, dont les producteurs sont d’ailleurs les même que Color Out of Space. Alors certes Mandy est une expérience visuelle et symbolique intéressante, mais qu’est-ce que c’est ch@&*$!).

Bref, c’est avec un œil quasiment vierge et sans a priori (et un très très vague souvenir de la nouvelle d’origine que l’on traitera dans un prochain article) que nous avons commencé ce film. Et il faut bien avouer que Color Out of Space est une bonne surprise !

Après un générique contemplatif sur fond de voix off et une scène d’exposition présentant Lavinia Gardner (Madeleine Arthur) et Ward Phillips (Elliot Knight), hydrologue venu faire des relevés dans la vallée pour le compte d’une société, nous découvrons la famille Gardner, composée des parents Nathan (Nicolas Cage) et Theresa (Joely Richardson), ainsi que des enfants Lavinia, Benny (Brendan Meyer) et Jack (Julian Hilliard), vivant dans une ferme isolée.

L’origine de tous les maux

Mais leur petite vie de famille tranquille et sans histoire va vite se retrouver chamboulée par l’arrivée d’une météorite qui s’écrase dans leur propriété.

Dès-lors, le film va instaurer une ambiance assez anxiogène, de part sa musique stressante et soignée, mais aussi et surtout par ces petits éléments angoissants « à l’ancienne » qui vont lentement mais sûrement perturber les Gardner, jusqu’à un point de non-retour.

Quelque chose siffle du puit

Evidemment, on échappe pas aux moments de folie de Nicolas Cage, mais le contexte se prête parfaitement à ceux-ci, d’autant plus que le film va assez loin dans son délire organique.

Nick Cage en mode calme avant la tempête !

On sent d’ailleurs clairement l’influence de films comme The Thing, de John Carpenter, ce qui ne peut qu’être une bonne chose, et l’influence de Mandy pour ses couleurs psychédélique est aussi présente, ce qui donne un cocktail particulièrement incroyable et se révèle assez malsain pour surprendre.

Conclusions

Color Out of Space est une expérience assez fascinante et intéressante, bien mis en scène et profitant d’une ambiance vraiment réussie. On vous le conseille vivement, les bons films avec Nicolas Cage n’étant pas si nombreux que ça !

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La série débute lors du voyage retour d’une croisière de 8 semaines autour de Saturne à bord du vaisseau Avenue 5, commandité par la société Judd Galaxy.

Pendant un cours de Yoga retransmis quasiment en direct à la télévision, un incident de gravité inattendu va causer une panique générale, et au passage faire légèrement dévier le vaisseau de sa trajectoire, allongeant la durée du voyage retour de 3 ans !

Ryan Clark, le Capitaine du vaisseau (Hugh Laurie) va tenter de sauver la situation avec l’aide de son équipage, composer avec les (nombreux) clients mécontents tous plus stupides les uns que les autres, mais aussi supporter le comportement excentrique du fondateur de la Judd Corporation : Herman Judd (Josh Gad).

Capitaine Ryan (Hugh Laurie) à la rescousse…ou pas !

C’est donc un véritable chemin de croix complètement barré qui l’attend, le ton ironique et sarcastique d’Avenue 5 rejoignant logiquement un peu celui de la série Veep (Armando Iannucci, le créateur d’Avenue 5 étant aussi celui de Veep).

Les personnages sont bien caractérisés et poussés à l’extrême, chacun ayant un rôle bien défini pour créer une galerie très réussie d’êtres humains particulièrement gratinée.

Parfois inutilement vulgaire (un grief que l’on pouvait aussi appliquer à Veep), Avenue 5 réussit néanmoins à trouver son rythme de croisière (autant dans l’humour que dans son scénario) en se révélant plus intéressante que l’on aurait pu le croire au premier abord.

En effet, derrière ses apparats de croisière de luxe potache superficielle (agrémentée d’extraits promotionnels de l’équipages vantant les différents équipement du vaisseau et incitant à la consommation), les surprises concernant la réelle manière dont fonctionne le vaisseau s’avèrent inattendues et font écho au principe de l’acteur, de la mise en scène et des trucages.

L’excentrique magnat Herman Judd (Josh Gad)

C’est aussi évidemment une critique sévère de l’être humain, l’équipage et les touristes du vaisseau Avenue 5 représentant une micro société humaine.

On y découvre la stupidité des réactions en cas de panique (on le voit en ce moment avec la crise sanitaire qui nous concerne tous) et du refuge dans les croyances – qu’elles soient religieuses ou autres – qui peuvent en découler (voir notamment la scène aberrante du sas de l’épisode 8, qui symbolise a elle seule l’impact de la désinformation et l’absence totale de recul).

Le tout se regarde avec plaisir jusqu’à la fin d’une saison assez courte (9 épisodes de 30 minutes en moyenne) mais bien rythmée.

Conclusion

Sans être un chef d’oeuvre, Avenue 5 est une série satyrique assez réussie, et une deuxième saison est d’ores et déjà prévue, le final complètement lunaire de la saison 1 demandant forcément une suite !

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La 1ère saison de Batman The Telltale Series s’était principalement concentrée sur le passé supposé criminel du père de Bruce Wayne, confrontant le jeune milliardaire à des antagonistes connus de l’univers de l’homme chauve-souris, comme Carmine Falcone, Harvey Dent / Double-face, Catwoman, et Oswald Cobblepot / Le Pingouin. Dans cette suite, on retrouve LE méchant emblématique de Batman : Le Joker.

Se déroulant environ un an après les évènements de la première saison, Batman se retrouve – dans une scène d’ouverture rondement menée – face à l’Homme Mystère (Riddler), qui attaque un homme d’affaire douteux dans un casino. S’ensuivent moult rebondissements qui aboutissent à la mort tragique d’un personnage dans la tour Wayne. Pour savoir d’où vient cette nouvelle menace, Bruce Wayne va devoir tenter de s’infiltrer au sein d’un mystérieux groupe de super vilains…

Nouvelle saison oblige, le scénario explore encore un peu plus l’univers de Batman, et on découvre, en plus des personnages familiers, de nouveaux protagonistes ou antagonistes célèbres.

Ainsi, Jim Gordon est désormais commissaire depuis un an. L’homme mystère (Riddler) fait sa première apparition, tout comme Bane, Harley Quinn et Mr. Freeze. Amanda Waller, personnage que l’on aime bien détester, travaille pour l’organisation de sécurité nationale nommée « l’Agence » (le futur « Suicide Squad »).
John Doe, que l’on avait aperçu la saison précédente lorsque Bruce Wayne visitait malgré lui l’asile d’Arkham, est de retour et constitue le socle du scénario. La manière dont vous vous comporterez avec lui influencera même la fin du jeu (2 fins sont disponibles en fonction de vos décisions en cours de partie). L’ensemble se parcourt avec plaisir et est assez bien rythmé, même si on regrette qu’il y ait moins de scènes d’enquête comme l’épisode précédent.

Les choix de dialogues et de décision sont plus fournis qu’avant, toujours aussi soignés, et les références à l’univers de Batman sont nombreuses. Les personnalités complexes de certains vilains, Joker et Mr Freeze en tête, sont très bien gérées, et montrent une fois de plus les compétences des scénaristes de Telltale Games (et la richesse des antagonistes du chevalier masqué!)

D’un point de vue technique, cette 2ᵉ saison s’est grandement améliorée, avec la quasi-disparition des bugs graphiques, sonores et des « freezes » (sans jeu de mots) d’images intempestifs, rendant l’action plus fluide et plus agréable à suivre. Les musiques sont une fois de plus réussies, et les voix toujours aussi investies et convaincantes.

Le seul vrai reproche que l’on pourrait faire en fin de compte, c’est que l’on ne verra certainement jamais de suite. En effet, le studio Telltale Games a fermé assez brutalement en septembre 2018 suite à une situation financière difficile pendant le développement de leur jeu épisodique basé sur The Walking Dead. Les derniers épisodes de cette série ont d’ailleurs été terminés avec l’aide d’un autre studio, Skybound Games.

Conclusion

Dans la continuité du 1er jeu, Batman The Enemy Within est une très bonne suite qui explore d’autres recoins de l’univers de Batman en proposant une histoire intéressante, l’arrivée de nouveaux personnages, et une amélioration technique globale non négligeable !

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Il s’est fait attendre le bougre ! Presque 2 ans après son annonce, et un petit report à début 2019, le 3ᵉ épisode de la saga Metro en jeu vidéo, Metro Exodus, est enfin sur les rails depuis mi-février. Autant dire qu’on s’est jeté dessus !

Avec Metro Exodus, le studio ukrainien 4A Games nous présente la suite directe de Metro 2033 et Metro Last Light, libres adaptations des romans Metro 2033, 2034 et 2035 de Dmitri Glukhovsky.

Metro Exodus amène une légère réorientation de la saga, en introduisant un semi-monde ouvert (le fameux « open world », très a la mode depuis quelques années) dans l’univers des jeux Metro, avec certaines zones spécifiques qui peuvent être explorées librement pour glaner des denrées, munitions, ou remplir des quêtes optionnelles.

La zone de la Volga est en grande partie explorable !

Le nom « Exodus » n’est évidemment pas innocent, puisqu’Artyom et son groupe, menés par Melnik, quittent Moscou en train pour tenter de retrouver le gouvernement prétendu disparu, mais qui serait en fait retranché quelque part et volontairement silencieux. Ce qui permettra aussi d’en savoir plus sur les mystérieux envahisseurs de l’ombre qui ont lancé ces missiles, à l’origine de l’état désastreux dans lequel leur monde se trouve depuis de nombreuses années.

Les lieux explorés dans Metro Exodus sont de ce fait beaucoup plus variés que les précédents opus, puisque la plupart des niveaux du jeu se trouvent désormais à la surface (bâtiments divers, village désertique, étendues inondées et portions de forêt, etc.)

On aura donc ici l’opportunité de voir du pays, ce qui change beaucoup l’ambiance du jeu, moins anxiogène qu’avant, même si quelques séquences stressantes assez réussies (notamment l’exploration d’un bunker souterrain infesté d’araignées mutantes, qui rappelle les conduits d’aération d’Alien !) sont toujours de la partie. L’exploration ouverte donne la part belle aux paysages magnifiques, les graphismes du jeu étant vraiment beaux, même si parfois une texture baveuse débarque d’on ne sait où…La gestion de la météo et le cycle jour / nuit renforce le réalisme, et le mode photo comblera les adeptes des plus beaux screenshots !

Ambiance western à la Caspienne !

Si le contexte des jeux précédents dépeignait les conflits entre les factions souterraines pour survivre, l’intrigue de Metro Exodus s’étoffe, notamment concernant l’influence sectaire (déjà présente dans les livres) et prend le pas sur l’aspect surnaturel, qui a quasiment disparu (les sombres étant totalement absents, tout comme le personnage de Khan par exemple) pour mieux se rapprocher d’un post-apo sous influence Mad Max (mais sans être aussi dynamique).

Grâce aux matériaux que vous allez trouver en fouillant un peu partout, vous pourrez créer des filtres pour votre masque a gaz, des trousses de secours, des munitions pour vos armes, etc. Comme dans les précédents jeux, votre chargeur à dynamo sera indispensable pour utiliser votre lampe torche, lunettes nocturnes, ou simplement pour rétablir l’électricité à certains endroits. Vos armes sont aussi entièrement modifiables lorsque vous aurez accès a un atelier improvisé.

Dans les jeux Metro, le gameplay et la mise en scène sont assez austères, mais contribuent a l’ambiance générale (ajoutez la version en russe sous-titré français, et vous êtes mis en condition !). Metro Exodus ne déroge pas à la règle. Même si la mise en scène est un peu plus présente qu’avant, vous devrez explorer, lire et écouter les messages audio et surtout rester lors des nombreuses discussions entre les personnages, et ce, sans aucune mise en scène pour dynamiser le tout.

On peut ainsi passer littéralement 5 min à écouter les membres de votre groupe discuter entre eux pour en savoir plus sur la situation où simplement mieux connaître les personnages. Le jeu regorge de dialogues complètement facultatifs (sans compter l’écoute des communications radio durant les longs trajets en train). Vous pourrez même jouer un peu de guitare et fumer en écoutant vos coéquipiers.

Le rendu des visages est très réussi.

Mais Metro Exodus n’est évidemment pas sans défauts. À commencer par une gestion des collisions d’un autre âge, ce qui peut être extrêmement frustrant lorsqu’on bute bêtement sur un simple objet à terre, où lorsque l’on se retrouve bloqué par le déplacement d’un PNJ (personnage non joueur) parce qu’on se trouvait au mauvais endroit à ce moment-là.

On peut noter aussi certains textes ou les voix se chevauchent parfois, on ne sait donc plus qui parle et qui dit quoi. Heureusement cela arrive uniquement lorsque l’on se trouve dans une zone avec des personnages lambda, les protagonistes étant relativement épargnés par ce fléau.

Enfin, la mise en scène est un peu austère, mais cela ne choquera pas vraiment les fans de la saga.

Conclusion

Servi par des graphismes parfois impressionnants et un monde semi-ouvert propice à l’exploration, Metro Exodus est une digne suite, au scénario différent des précédents mais suffisamment intéressant et dépaysant pour que l’on parcoure le titre avec plaisir !

Metro Exodus – Dev / Édit : 4A Games / Deep Silver – sorti le 15 février 2019 – 18+

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À la suite de la chute d’un vaisseau d’origine inconnue a proximité de sa mission, le Capitaine McKenna (Boyd Holbrook, le soldat au bras robotisé qui poursuivait Hugh Jackman dans Logan) se retrouve en proie à l’attaque d’une créature extraterrestre. Mais une organisation gouvernementale est elle aussi sur le coup. La chasse est lancée…

Après la douche tiède de Predators en 2010, certaines personnes espéraient de The Predator LE grand retour du charismatique chasseur extraterrestre / rasta dans un film digne de ce nom.
Malheureusement, la température de l’eau a encore baissée, tant ce film trébuche dans tous les domaines, à commencer par l’orientation outrancière du scénario et des dialogues…

Les Loonies, l’équipe de bras cassés du film

C’est très simple, il n’y a quasiment aucune introduction des protagonistes digne de ce nom (et ce n’est pas la scène de présentation de la troupe dans le bus qui va aider…), et quasiment pas de constance dans les personnages, tel celui incarné par Olivia Munn, censée être une biologiste spécialisée dans l’évolution, et qui se met à prendre les armes au bout de 5 min, court partout, saute sur un Predator pour l’attaquer, bref c’est du grand n’importe quoi.

Olivia Munn, une biologiste devenue militaire en 5 min

On ne parle même pas de l’équipe qui va traquer malgré elle le bestiau, constituée des pires clichés possibles, et dont les caractéristiques (Tourette, dynamiteur, fou de dieu, etc.) ne servent même pas dans le film. Enchaînant les situations cousues de fil blanc, The Predator privilégie le divertissement popcorn au détriment de la cohérence.

Parmi ce gloubiboulga, on peut tout de même trouver 2 ou 3 bricoles amusantes, et quelques idées et chorégraphies bien trouvées. Mais le film est tellement plombé par ses situations stupides, ses personnages clichés et son humour plus que douteux (que c’est lourd !), qu’il ne parvient pas à être réellement qualitatif.
On se retrouve donc avec un festival de scènes d’action gores qui partent dans tous les sens, et de dialogues inutilement vulgaires, parce qu’il fallait faire du Rated-R.

On comprend dès lors qu’Arnold Schwarzenegger ait refusé la proposition de la production pour reprendre son rôle culte le temps d’une apparition en conclusion de film !
Comme dit Quinn McKenna à son fils à la fin du film, « Tous ces soldats, personne ne se souviendra d’eux. », il ne croyait probablement pas si bien dire !
La scène finale confirme définitivement le côté nanar de The Predator, et l’on ne serait pas surpris d’apprendre un jour la sortie d’une suite en DTV !

Le Predator aime bien lancer des trucs !

D’un point de vue visuel, le film oscille entre très bon (le design des Predators et toujours aussi classe), et vraiment pas terrible (les chiens de garde qui sont vraiment moches). Les décors sont peu originaux mais sont corrects, et les quelques plans dans l’espace sont plutôt jolis. Les musiques reprennent le thème iconique de la saga mais manquent clairement d’ampleur.

Revoir le personnage du Predator est toujours sympathique, mais ce serait un euphémisme de dire qu’on espérait quand même bien mieux.
À l’instar de la saga Alien, gangrénée par le petit dernier Alien Covenant, il serait peut-être temps pour Predator d’arrêter les frais ! Dans le genre film fun a l’action débridée, on lui préfère 1000 fois le King Kong sorti en 2017 !

Conclusion

Mal écrit, avec ses personnages stupides et ses situations toutes aussi débiles, The Predator rate à peu près tout ce qu’il entreprend, y compris quelques idées intéressantes, noyées dans la boue. Mais que s’est-il passé ? Le Predator original, avec Schwarzy, a encore de beaux jours devant lui !

Pour ramasser plus de trophées

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Habitués des remakes et autres remaster en tout genre, Capcom nous a régulièrement abreuvé de multiples ressorties de ses principaux titres (on pense a Street Fighter avec ses « ‘ turbo EX » et compagnie…qui perdurent encore ces derniers temps avec des « Arcade edition ») pour faire fructifier ses franchises. Resident Evil n’a pas été épargné avec un remake du 1er épisode ressorti en 2002 sur gamecube, puis un remaster de ce même remake sur les nouvelles générations de consoles en 2015. Bref ça n’arrête pas, mais jusqu’à présent, Resident Evil 2 n’avait pas eu droit à son remake.

Le commissariat de Racoon City comme vous ne l’avez jamais vu !

C’est désormais chose faite, et la démo intitulée Resident Evil 2 « 1-shot » demo d’une durée de 30 min non rejouable (oui, au bout de 30 minutes de jeu, la démo s’arrête et vous ne pouvez plus la relancer…pas très sympa ça !) donne vraiment envie de voir la suite.
En tant que fan de l’original sorti en 1998, j’avoue avoir rêvé de ce remake depuis bon nombre d’années, car hormis le regain d’action par rapport au 1er jeu, Resident Evil 2 comportait des scènes assez dingues et impressionnantes pour l’époque, inspirées de films d’action, d’horreur et de science-fiction (Terminator 2, on t’a repéré !) avec son lot de boss dantesques et de mutations génétiques liées au virus G. Sans compter que les décors étaient beaucoup plus variés, tout comme les zombies que l’on pouvait rencontrer.

Le policier que l’on rencontrait au début du jeu a bien changé !

Bref, même si cette démo est courte, on retrouve avec plaisir les décors que l’on connaissait revisités avec la technologie d’aujourd’hui. Certaines pièces ont été remodelées, des énigmes ont été changées et de nouvelles ont été créées. Et la mise en scène a évidemment été adaptée aux standards actuels, avec des cutscenes supplémentaires. Les améliorations des derniers épisodes ont été implémentées, comme ce couteau de secours que l’on peut automatiquement utiliser lorsqu’on se fait attaquer.

Désormais, les zombies peuvent nous suivre !

Conclusion

Après avoir parcouru la démo de ce remake de Resident Evil 2, on ne peut que vouloir faire la suite.
Reste à voir si toutes les promesses seront présentes dans le jeu final, on croise donc les doigts, et on attend sagement le 25 janvier !

La démo est disponible sur PS4, XboxOne et PC (via Steam) jusqu’au 31 janvier 2019 !

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Si vous n’avez jamais entendu parler de Dragon Quest, sachez que parmi les rpg (jeux de rôle) cultes, 2 grandes sagas japonaises perdurent depuis la fin des années 80 : Final Fantasy, développée par Square, et Dragon Quest, par Enix. Même si les 2 sociétés ont fusionné depuis 2003, chaque sortie d’un épisode est considérée comme un évènement. Et malgré les années, chaque saga a gardé son style particulier…

Sous-titré « Les Combattants de la Destinée » (« Echoes of an Elusive Age » en anglais), Dragon Quest XI se veut être un J-Rpg a l’ancienne, mais avec une technique d’aujourd’hui.
Les combats restent au tour par tour, contrairement à la plupart des rpg récents, qui privilégient le combat direct style mmorpg. Le scénario reste très classique lui aussi (l’élu choisi pour combattre le mal).
Tout cela pourrait nuire au jeu, surtout si on le compare à son concurrent direct Final Fantasy XV, sorti fin 2016, beaucoup plus dynamique et moderne dans son approche.

Et pourtant, la sauce fonctionne du tonnerre, dans le fond comme dans la forme !
Les graphismes en cel-shading sont vraiment très beaux, privilégiant un aspect dessin animé du plus bel effet. Les personnages, dont le design a été confié – comme pour tous les épisodes de Dragon Quest – à Akira Toriyama, sont très réussis, charismatiques et attachants. Les décors sont vraiment jolis et chaque lieu et ville possède son identité propre. La traduction française des textes est de grande qualité et conserve l’aspect si attrayant et mignon des noms des ennemis, qui permet d’y jouer à tout âge.

L’équipe (presque) au grand complet !

Le scénario, même s’il reste très classique, réserve son lot de surprises et de poésie. On est souvent étonné de la tournure que prennent les évènements. Les quêtes annexes, assez nombreuses et diverses, sont intéressantes pour les objets qu’elles permettent de récupérer, mais ne sont pas vraiment toutes passionnantes.

Le système de combat est classique mais efficace, et des combinaisons de coups spéciaux avec certains personnages spécifiques peuvent être débloquées avec les points d’expérience acquis. Autre nouveauté très sympathique, on peut améliorer ses armes, armures et accessoires en utilisant une forge. Il faut remplir des jauges pour forger le nouvel objet en utilisant des techniques apprises et un quota de points. Outre la possibilité d’utiliser un cheval pour parcourir plus rapidement les étendues du monde d’Elrea, vous pourrez récupérer d’autres montures temporaires terrestres et volantes en les volant à des ennemis, pour accéder à des coffres inaccessibles jusqu’alors.

Le système de forge est excellent

Au chapitre des choses un peu frustrantes ou désuètes, on peut regretter l’habituel personnage principal complètement muet, stratagème un peu inutile puisqu’on ne peut pas choisir son apparence, et donc le personnaliser totalement. De même que la présence de certains murs invisibles, limites du terrain, qui vous obligent parfois à contourner un muret au lieu de simplement sauter dessus.
Enfin, les musiques ne sont pas toujours très inspirées, et même si certains thèmes sont de grande qualité, notamment dans des scènes mélancoliques, on a en fin compte peu de souvenir des autres, un peu trop fanfaronnantes ou banales. Heureusement, on peut trouver un mod sur PC pour les remplacer par leur version orchestrale, c’est toujours mieux que rien !

Les graphismes sont magnifiques

Ceci dit, cela n’enlève pas le plaisir que l’on a à parcourir ce Dragon Quest XI, qui offre de très beaux moments, et une excellente durée de vie (environ 80 h tranquillement pour l’histoire, et 115 h au total sans avoir fini a 100 % les quêtes) pour parcourir le monde d’Elrea!

Conclusion

J-rpg a l’ancienne, Dragon Quest XI est un retour fracassant de la saga si prisée des Japonais. Classique dans la forme comme dans le fond, le jeu est pourtant très prenant et addictif, grâce à une direction artistique réussie, un scénario très agréable et une durée de vie conséquente. Un classique à ne pas manquer pour tout fan de rpg « old school » !

Dragon Quest XI Echoes of an Elusive Age – Dév : Square Enix – sorti le 4 sept 2018 sur PC, PS4, 3DS et bientôt sur Switch

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Qu’est-ce qui est vert, pèse 120 000 tonnes, pue la vase, n’a pas vu le ciel bleu depuis quarante siècles et s’apprête à dévaster le monde ? Ingrid n’en a aucune idée. Et elle s’en fout. Autant dire que lorsque des hurluberlus lui annoncent qu’elle est le Centre du pentacle et que la résurrection de Cthulhu est proche, ça la laisse de marbre. Jusqu’à ce que les entités cosmiques frappent à sa porte…

« À Cthulhu, qui en a fait baver plus d’un »…La petite phrase d’intro du livre nous prépare à ce qui suit. Karim Berrouka n’est évidemment pas le seul à s’être inspiré de l’univers issu de l’esprit de H.P. Lovecraft (voir aussi la nouvelle uchronique H.P.L, l’homme qui bave et qui glougloute, de Roland Wagner, ou encore l’anthologie Sur les traces de Lovecraft volume 1) mais il réussit à créer un récit drôle, léger, et très agréable à lire.

Ici, les grands anciens sont réels, et les écrits de Lovecraft ne seraient donc que des découvertes et hypothèses de leur existence.
On suit Ingrid Planck, qui va se retrouver malgré elle au milieu d’un conflit entre différentes confréries, chacune vénérant un grand ancien. Tandis que certaines souhaitent la résurrection de Cthulhu, d’autres veulent sa destruction. Et elle, Ingrid, qualifiée de Centre du Pentacle, serait la pièce maîtresse qui pourrait tout faire basculer… Avec son caractère bien trempé, elle fait des rencontres toutes plus farfelues les unes que les autres.

Berrouka n’hésite pas à tourner en dérision les mythes lovecraftiens (les adorateurs de Dagon se cachent derrière l’« American Dagon Scuba Diving society », une société écran basée à deux pas de la Seine…), et ça fonctionne !
Celle qui n’avait pas peur de Cthulhu fourmille de références qui feront sourire les fans de Lovecraft, et malgré l’ambiance absurde du roman, l’auteur livre une histoire assez réussie et solide, avec ce qu’il faut d’intrigues et de rebondissements.

Conclusion

Karim Berrouka a son style bien à lui, et il le démontre une nouvelle fois avec Celle qui n’avait pas peur de Cthulhu ! S’appropriant l’univers de H.P. Lovecraft, il réussit à créer un récit drôle, léger, et très agréable à lire. Une manière aussi, pour les néophytes de Cthulhu, de piquer leur curiosité et de leur donner envie de découvrir les livres et nouvelles du maître de Providence.

Celle qui n’avait pas peur de Cthulhu – par Karim Berrouka – Ed : Actusf – 344p – mars 2018

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Michael Myers fait partie, avec Freddy Krueger (Freddy) et Jason Vorhees (Vendredi 13) des croque-mitaines immortels des années 80. Initiée par John Carpenter, le “Master of horror”, la série des Halloween n’a jamais brillé par ses scénarios. Mais elle continue de vivre bon an mal an, notamment relancée grâce au reboot de Rob Zombie il y a déjà 11 ans.
Ce nouvel Halloween se veut être une suite directe du premier film de 1978, réalisé par John Carpenter, et qui a initié la saga, sans se préoccuper des autres épisodes. Le film célèbre aussi le grand retour de Carpenter lui-même, en tant que producteur exécutif et compositeur de la musique. Alors que s’est-il passé depuis 40 ans ?

Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) se fait attaquer !

Jamie Lee Curtis reprend le rôle de Laurie Strode (et adopte de nouveau les cheveux longs de son personnage comme dans l’original). Elle est devenue une grand-mère marginale et vit recluse dans une maison ultra sécurisée, éloignée de sa famille. Traumatisée suite aux évènements du 1er, elle attend le jour du transfert de Michael Myers vers une prison encore plus sécurisée pour tenter de le tuer. Mais les choses ne vont évidemment pas se passer comme prévu…

Chérie, ça va couper ! (Nick Castle)

Comme d’habitude, Michael Myers – interprété par Nick Castle, qui reprend le rôle 40 ans après l’original – est un adepte du coup de couteau, marteau, etc. (il aurait fait un excellent cuisinier ou bricoleur, dommage qu’il ait choisi une autre voie !). Les personnages lambda ne vont pas y échapper, puisque le film rempli son cahier des charges de tout bon slasher qui se respecte. N’importe quel(le) fan de films d’horreur pourra facilement prévoir 5 min à l’avance ce qui va se passer, mais se fera aussi parfois surprendre, car certains personnages sont tellement stupides qu’ils en deviennent imprévisibles ! De ce côté-là, la mission est remplie, mais cela n’encourage vraiment pas à s’attacher à eux. Halloween se laisse donc regarder, mais demeure frustrant tant les situations sont souvent grotesques. Heureusement, la réalisation est très correcte, tout comme la photo, et la musique reprend le thème principal iconique de John Carpenter, tout en apportant des variantes bienvenues et qui participent bien à l’ambiance angoissante du long-métrage. On apprécie de voir revivre cet univers, mais un scénario plus recherché aurait tout de même été le bienvenu pour renouveler une franchise qui en est aujourd’hui à son 11ᵉ film !

Conclusion

Après un reboot de la saga par Rob Zombie en 2007, ce nouveau Halloween remplit son cahier des charges du film d’horreur en tant que suite directe du premier film de Carpenter de 1978. Même s’il se laisse regarder, le film semble donc rester dans les années 80, avec ce qu’il faut de clichés, personnages aux réactions totalement improbables et situations souvent assez stupides. Cela peut avoir son charme…ou pas.

Halloween (2018) – Réal : David Gordon Green – Durée : 1h46min – Sorti le 24 octobre 2018

Pour piétiner la citrouille

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La création du personnage de Venom dans les comics est étroitement liée à Spiderman. Mais puisque Sony a temporairement cédé les droits d’exploitation de l’homme araignée à Marvel (on l’a vu entre temps dans Captain America Civil War, Spiderman Homecoming, puis Avengers Infinity War), il était impossible de le voir dans ce film. Alors pourquoi Sony a malgré tout fini par produire un film Venom, alors qu’il fallait amputer une grosse partie de ses origines ? Tout simplement parce que la firme a encore les droits pour Venom, et compte bien les exploiter à tout prix !

On découvre donc Eddie Brock (Tom Hardy), reporter polémique, spécialiste des enquêtes chocs, qui dynamite une interview avec Carlton Drake (Riz Ahmed), PDG de Life Foundation, qu’il accuse de faire des expériences scientifiques sur des cobayes humains. Il est donc viré de son journal (et fait aussi virer indirectement sa petite amie Anne Weying (Michelle Williams), qui travaille aussi pour Life Foundation. Suite a une piste pour découvrir la vérité sur ces expériences, il se retrouve contaminé par un parasite, symbiote qui prend possession de son corps, pour le meilleur et pour le pire…

Difficile de décoller Venom ! (Tom Hardy)

Autant le dire tout de suite, Venom reste très classique, très hollywoodien dans son déroulement, et on est en fin de compte peu surpris par son scénario, qui accumule tous les clichés du genre. Mais cela ne le rend pas mauvais pour autant. La relation entre Venom et son hôte Eddie Brock amène de bons ressorts comiques, Tom Hardy a l’air de bien s’être amusé dans le rôle. Le reste du cast est très correct, même si les personnages ne semblent pas assez horrifiés par l’apparence de Venom, et le « méchant » n’est pas non plus très méchant en fin de compte. Tout est un peu trop léger.

Carlton Drake (Riz Ahmed) joue avec le symbiote…

Malheureusement les combats sont très brouillons, à cause d’un cadrage ultra serré, et un montage beaucoup trop cut. C’est d’autant plus dommage, car les chorégraphies des combats ont l’air plutôt bonnes. Mais rien d’étonnant, puisque c’est devenu un choix artistique maintenant…
Les effets visuels sont dans l’ensemble assez réussis. Le design de Venom – particulièrement sa carrure – correspondent mieux au comics que lors de son apparition dans le Spiderman 3 de Sam Raimi (ou Eddie Brock était interprété par Topher Grace). Même si ce dernier se voulait en fin de compte plus fidèle au matériau d’origine, puisque le background avec Spiderman était présent.
Bon point par contre pour la durée correcte d’environ 1h50, assez rare de nos jours avec des films de super-héros dont la moyenne dépasse largement les 2 h (voire beaucoup plus…)

Anne Weying (Michelle Williams) est inquiète. Nous aussi…

En dehors des poncifs habituels que l’on aurait pu éviter, on peut évidemment reprocher au film l’absence de Spiderman dans la genèse de Venom (dont l’explication a été évoquée plus haut) ainsi que la classification PG-13, privant au passage le personnage d’une ambiance plus sombre et horrifique, qui conviendrait bien mieux au personnage. Il faudra d’autant plus qu’il se libère de cette classification, au vu du final (prévisible) qui nous prépare pour une suite.

Conclusion

Venom reste un film certes divertissant et regardable, avec un casting très correct, mais trop classique et hollywoodien pour vraiment se démarquer. Surtout que dans l’ombre de celui-ci, les fans espéraient une autre version, plus sombre et horrifique, que l’on ne verra probablement jamais…Correct, sans plus !

Si le symbiote vous colle à la peau

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