Les Expos

Beb-deum, illustrateur et auteur de BD français (Métal Hurlant, Bürocratika et bien d’autres) a eu l’honneur d’illustrer l’affiche de cette 19ᵉ édition des Utopiales. Il était donc logique qu’une expo lui soit consacrée au sein du festival, ainsi qu’une rencontre et une master class.

Mondiale tm – Fugu kiss

Basée sur le « livre d’art fictionné » du même nom, avec le texte d’Alain Damasio, l’expo Mondiale de Beb-deum nous questionnait sur la posthumanité. Peintures numériques de portraits multi-métissés, agrémentés de séquences vidéos, on découvrait un monde étrange mais assez fascinant !

Dans un autre registre, Exoplanètes s’attachait, en se basant le plus possible sur des données scientifiques, à tenter une représentation artistique de planètes extrasolaires existantes, mais jamais visitées. Peintes par Manchu, avec des textes de David Fossé, l’expo nous faisait voyager dans l’univers gigantesque qu’il reste encore à explorer…

Voyage au centre de la galaxie, proposé par le CEA – Le Commissariat à l’Énergie atomique et aux Énergies alternatives – nous permettait de parcourir les différentes étapes de l’évolution des étoiles, et ainsi découvrir la diversité des astres. L’expo était accompagnée de 2 activités annexes, un jeu nommé Le prisonnier quantique, et une démonstration de la chambre à brouillard, pour mieux comprendre une expérience de physique nucléaire.

Conçu comme un long couloir divisé en 3 pièces, C’est arrivé demain était une exposition itinérante qui proposait 3 expériences en collaboration avec 3 auteurs. Dans la première pièce, Shangri-La, de Mathieu Bablet, une tablette nous permettait de se déplacer dans un monde virtuel, et découvrir de nombreux lieux inspirés de la BD éponyme.

C’est arrivé demain

Avec son décor de la station spatiale internationale, Dans la combi de Thomas Pesquet de Marion Montaigne proposait une vidéo d’une visite guidée par Thomas Pesquet dans l’ISS, avec sur un 2ème écran une reconstitution virtuelle des lieux.
Enfin, place au casque VR avec Universal War I, de Denis Bajram (qui avait bénéficié d’une belle expo aux Utopiales 2016, voir notre article ici), qui nous plongeait dans le cockpit d’un vaisseau spatial durant quelques minutes.

Cabinet de curiosités, mis en scène par les étudiants de l’Ecole d’architecture de Nantes et proposé par la Bibliothèque municipale de Nantes, exposait différents animaux et créatures réelles ou imaginaires.

Le petit bestiaire fantastique, de Thomas Olivri et Mister Hope, regroupait de nombreuses illustrations de monstres issus de la pop culture. Sur ces tableaux, on pouvait autant croiser King Kong que le Yéti (et même Cthulhu !), avec un style graphique très agréable !

L’imaginaire de l’Orient, proposé par la Science & Fantasy Growth Foundation, donnait un premier aperçu de la science-fiction chinoise, l’occasion d’observer le travail de 4 artistes, dont 2 lauréats du prix « Morning Star », seul concours public de SF en Chine.

Jeux vidéos et pôle ludique

Du côté vidéoludique, on retrouvait Homo Machina, une co-production ARTE / Darjeeling (les développeurs du très bon Californium, dont on avait parlé ici), un jeu de réflexion sur le fonctionnement du corps humain, à la manière d’une usine des années 20, et inspiré par les illustrations médicales de Fritz Kahn.

Homo Machina (Darjeeling)

A long way down jouait la carte du RPG et jeu de cartes au tour par tour, tandis que Sigma Theory voyait ses magnifiques portraits illustrés par Benjamin Carré exposés en grand format. Enfin, Greedfall avait lui aussi droit à de superbes peintures !

Le pôle ludique mettait à disposition de nombreux jeux de figurines, de rôle et de société, dont Nome 2.0, jeu en cours de développement créé par Frédéric Langlois et Bruno Ligier, où vous tenterez de découvrir les réels desseins de l’A.S.T.R.E., une agence scientifique qui a mis sous quarantaine une zone sinistrée par l’impact d’une météorite à Nome, en Alaska (plus d’infos ici). Le célèbre jeu Les Loups-Garous de Thiercelieux était aussi de la partie.
Une nuit ludique était même organisée, avec notamment Battlestar Galactica ou Star Wars Destiny, mais nous n’avons malheureusement pas eu le temps d’y aller.

Notez enfin que nous ferons prochainement la chronique de la Bande-dessinée Ces jours qui disparaissent, de Thimoté Le Boucher, qui a remporté le Prix Utopiales Bande-dessinée.

Ne reste plus qu’à attendre la prochaine édition des Utopiales, qui se déroulera du 30 octobre au 4 novembre 2019 ! Mais avant cela, rendez-vous aux 15ᵉ Rencontres de l’Imaginaire de Sèvres le 24 novembre, dont l’invité cette année sera Peter F.Hamilton !

Merci à Estelle Lacaud, ainsi qu’à tous les organisateurs(trices) des Utopiales qui chaque année nous proposent un événement aussi riche et varié !

Pour mieux découvrir le corps

L’article Utopiales 2018 – Expos et pôle ludique est apparu en premier sur Le Mont des Rêves.

Le Mont des Rêves a fait un petit tour aux Utopiales 2018, le festival international de science-fiction de Nantes, qui a eu lieu du 31 octobre au 5 novembre, et accueilli pour sa 19ᵉ édition plus de 90 000 visiteurs cette année. Et comme d’habitude, il y a tellement de contenu qu’il y en a pour tous les goûts !

Le festival des Utopiales propose conférences et rencontres, expos, projections de films et courts-métrages en compétition internationale, ainsi qu’un pôle ludique, bande dessinée, jeux vidéo, manga et même un dîner de l’imaginaire avec « Science-Festin » ! Cette année, « le corps » était à l’honneur !

Comportant une trentaine de conférences par jour, il serait trop long d’en parler, mais n’hésitez-pas à y jeter un œil (ou une oreille) car certaines étaient très intéressantes. Vous pouvez en visionner la plupart sur le site ActuSF, ainsi que sur la chaîne Youtube de Laurence Honnorat. Merci à eux !

Courts et long métrages

On commence dans la salle Dune, avec la 5ᵉ session de courts-métrages en compétition internationale (la seule que nous ayons pu voir), particulièrement variée et riche en créativité.

Parmi les plus intéressants, Rust in peace, de Wim Welles – qui a reçu la Mention spéciale du jury – nous présente un robot au look très années 50, qui se réveille dans une décharge, et repart chercher son créateur qui ne veut plus vraiment de lui. Le côté collant du robot envers son maître est assez drôle et l’ensemble fonctionne plutôt bien.
72 %, de Lluis Quilez, expose sa population au manque d’eau. Symbolisé par quelques personnes au milieu d’un désert, qui attendent patiemment chaque jour qu’une bouteille sale se remplisse d’eau depuis une source inconnue venue du ciel, le court-métrage est exagérément long. La fin vaut le coup, mais il n’était clairement pas nécessaire d’attendre aussi longtemps…
Réalisé par Shinya Sugai, Walking Meat redynamisait la session avec ses personnages qui luttent pour survivre dans une usine de zombie, les morts vivants étant devenus une source de nourriture tendance. Dans le plus pur style japonais, cet anime est bien rythmé, drôle et gore.
Toujours du côté des zombies, mais plus sérieux, Riley was here, de Jon Rhoads et Mike Marrero, nous présente un accro aux drogues taper à la porte d’une femme, afin d’explorer un besoin très particulier. Très réussi, Riley was here est sans contexte l’un des meilleurs courts-métrages de cette session !
Session qui se terminait par Lo Siento Mi Amor, d’Eduardo Casanova, dont on ne vous dira quasiment rien pour ne pas révéler la chute, si ce n’est que l’idée est excellente, et le tout bien réalisé. Complètement délirant mais bien trouvé !

Plutôt que de regarder Assassination Nation (qui a finalement reçu le Grand Prix du Jury), nous nous sommes engouffrés dans la salle Solaris, où était projeté Violence Voyager, en présence de son jeune réalisateur originaire de Kyoto, nommé Ujicha, et dont c’est le 2ᵉ long métrage. Il utilise la technique « Gekimation » (littéralement « drame animation »), de petites figurines peintes sur du papier ou du carton, puis animées a la main et filmées en direct, sans oublier des effets spéciaux (fumée, vapeur, liquides divers) pour dynamiser le tout. Proche du principe de motion comics, en plus rudimentaire, on n’imagine pas le temps qu’il faut pour réaliser un film d’animation d’1h20. Violence Voyager est donc une expérience particulière, tant les personnages, sans animation labiale, paraissent pourtant dotés de vie, Ujicha utilisant en plus abondamment les procédés cinématographiques en changeant régulièrement la mise au point d’un personnage à l’autre. Le film raconte la découverte par 2 enfants, Bobby et Akkun, d’un parc d’attraction caché, Violence Voyager, qui cache une triste réalité. Inspiré notamment de films d’horreurs occidentaux, l’univers est assez glauque et fait la part belle aux mutations, dans un style typiquement japonais. Une belle découverte donc, à ne pas mettre toutefois entre toutes les mains, par son contexte très mature.

Ujicha et son interprète juste avant la projection

Après la projection, Ujicha nous a gentiment accordé une photo et nous a même offert un livret de présentation (tout en japonais, et dont il n’avait qu’une dizaine d’exemplaires) de The Burning Buddah Man, son premier long métrage, que nous avons d’ailleurs aussi vu au passage.

Précédé du court métrage Tempura, The Burning Buddah Man est moins abouti et surtout beaucoup plus complexe que Violence Voyager, mais faisait déjà preuve de beaucoup de créativité et d’un style visuel original.

Le lendemain, retour à la salle Dune pour voir Office uprising, de Lin Oeding, une comédie assez délire ou les employés de la société d’armement Ammutech deviennent complètement tarés et agressifs à cause de Zolt, une boisson énergisante. On y suit une poignée de personnages (notamment Jane Levy, vue dans le remake d’Evil Dead et dans Don’t Breathe) qui tentent de survivre dans leur entreprise en proie aux massacres collectifs. Gros délire gore et drôle, Office Uprising, sans être un grand film, est une très bonne surprise bien fun, légère, bien interprétée et bien réalisée !

Mandy, réalisé par Panos Cosmatos et projeté en séance spéciale, était une toute autre histoire. Au début des années 80, un couple subit l’attaque du gourou d’un culte démoniaque et de ses motards venus des enfers. Sa femme ayant été kidnappée, Red (Nicolas Cage) décide de partir en croisade pour la récupérer.
Autant le dire clairement, on n’a pas accroché au concept très « arty » et à la mise en scène boursouflée. C’est une histoire de vengeance classique dans le fond, mais originale dans la forme, dont l’esthétique renvoie aux années 70/80. Grain prononcé, couleur baveuses, ambiance hallucinogène, références à de nombreux films, Nicolas Cage qui pète un câble, etc. De ce côté-là c’est plutôt réussi, mais que c’est long et ennuyeux, pour en fin de compte pas grand-chose !

Côté rétro, ça a commencé assez fort avec deux films de David Cronenberg. La Mouche, mercredi matin pour fêter le début des Utopiales 2018, et Vidéodrome en fin de journée.

Sorti en 1986, la Mouche est toujours agréable à regarder. Un classique pour les amateurs de science-fiction. Enfin, je ne sais pas si agréable est le mot juste. Avec Chris Walas aux manettes des effets spéciaux, certains passages sont assez impressionnants et horrifiants. Et le film n’a pas pris une ride. De bons effets spéciaux combinés aux bonnes prestations de Jeff Goldblum et Geena Davis en font donc un film culte. Précisons juste que c’est un remake de La Mouche noire, film réalisé par Kurt Neumann en 1958, qui s’est lui-même inspiré de la nouvelle de l’écrivain George Langelaan. La Mouche est une fable tragique, un film poignant, où l’amour se mêle au désespoir d’une fin inéluctable.

Ambiance radicalement différente avec Vidéodrome, sorti en 1983. Max, joué par James Woods, dirige une petite chaîne de télé, plutôt branché sur l’érotique, le pornographique et la violence. Une nuit, il capte, avec l’un de ses employés, une émission brésilienne, Vidéodrome, chaîne malsaine qui diffuse tortures et sévices sexuels. Véritables enregistrements ? Reconstitutions ? Difficile pour Max de cerner le réel du fantastique. Petit à petit, la fiction prend peut-être le pas sur la réalité. Ou son imagination. Max se retrouve pris dans un engrenage malsain, plongé à la fois dans une réalité contemporaine et un univers télévisuel qui se mélangent à l’intérieur de sa tête sous formes d’hallucinations de plus en plus fréquentes. Une aliénation mentale progressive qui démontre l’emprise des images et de la télévision sur notre cerveau. On y voit la puissance du pouvoir cathodique. Je vous laisse d’ailleurs découvrir pour ceux qui ne l’ont pas vu notre cher ‘“secours cathodique”’ vu par Cronenberg. Encore un film, pas trop suranné, qui fait date. Vidéodrome n’a pas trop marché à sa sortie mais reste aujourd’hui un film apprécié dans la filmographie cronenbergienne. Notons pour ces deux films la musique réussie d’Howard Shore, sombre, sobre, oppressante (surtout pour Vidéodrome).

Jeudi matin, nous sommes allés voir The Thing, du maître John Carpenter, film que l’on apprécie beaucoup au Mont des Rêves ! Le film était rediffusé dans la salle Solaris, comme les deux Cronenberg d’ailleurs. Point besoin ici de résumer l’histoire. Sorti en 1982, The Thing est un film culte, un classique de l’épouvante/horreur SF. Le film a été diffusé dans sa version restaurée, et il est magnifique ! L’image, les couleurs, le son, les effets spéciaux de Rob Bottin, un film parfait pour les yeux et les oreilles.
Petite anecdote : le film a déjà été présenté aux Utopiales il y a quelques années, et un réalisateur – laissons-le anonyme – l’ayant visionné, décida de réaliser un préquel afin de voir ce qui s’était passé pour l’équipe norvégienne, dont on aperçoit les deux derniers survivants au début du film. Il présenta un scénario aux grands studios qui refusèrent poliment. Quelques années plus tard, le préquel se retrouva sur le grand écran, plus précisément en 2011, dirigé par un autre (obscur et peu prolifique) réalisateur, Matthijs van Heijning. Un film qui rentre dans la catégorie, aussitôt vu, aussitôt oublié…Quant à l’original, il rentre plutôt dans la catégorie inoubliable.

Les contes merveilleux de Ray Harryhausen

Plutôt que de voir le palmarès ciné final (décidément, nous ne verrons jamais Assassination Nation…), nous avons préféré revenir en enfance le temps d’une projection, avec Les Contes merveilleux de Ray Harryhausen, qui regroupe en un peu plus de 50 minutes 5 courts-métrages réalisés à la fin des années 40 et début 50. On y trouvait Le Petit chaperon rouge, Hansel et Gretel, Raiponce, Le roi Midas et Le lièvre et la tortue. Ces courts-métrages sont évidemment très édulcorés et assez enfantins par rapport aux contes d’origine, mais l’ensemble était très plaisant et l’animation impressionnante !

Pour finir avec le ciné, sachez que même si nous n’avons pas vu les revoir durant ces Utopiales 2018, étaient projetés Frankenstein, La fiancée de Frankenstein, Frankenstein Junior ainsi que Frankenweenie, à l’occasion des 200 ans de Frankenstein ou le Prométhée moderne (1818-2018)

Plus d’infos : https://www.utopiales.org/edition-2018/

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Après avoir volé un orbe mystérieux pour le compte du Courtier, Peter Quill (Chris Pratt), mercenaire terrien, se retrouve poursuivi par les sbires de Ronan l’accusateur (Lee Pace). Ce dernier voit en cet orbe une source de pouvoir infinie. Quill, qui pense être connu sous le nom de « Star-lord », va malgré lui s’allier à Gamora (Zoe Saldana), la fille adoptive de Thanos, Drax le destructeur (Dave Bautista), Groot (Vin Diesel), un arbre humanoïde, et Rocket Raccoon (Bradley Cooper), un chasseur de prime. Ensemble, ils s’improvisent gardiens de la galaxie…

L’équipe presque au complet, ne manque que…

Même si les différents films du MCU avaient déjà plus ou moins abordé l’univers galactique de Marvel, notamment avec Thor, les Avengers, et les liens avec Thanos et sa recherche des pierres de l’infinité, on y entre de plein fouet avec Les Gardiens de la Galaxie.
Thanos, les Nova Corp, Ronan l’accusateur et les Kree font partie intégrante du scénario. On y voit aussi d’autres planètes (notamment Xandar), ainsi que « Nulle-Part » (Knowhere), une station spatiale construite à partir de la tête d’un être Céleste (et qui devient la base des gardiens de la galaxie dans le comics).

Rocket, plus furieux que jamais !

Le scénario est intéressant, et on a droit pour personnages principaux à des antihéros que rien ne prédestinait a s’allier. Le casting est crédible et l’alchimie entre les personnages fonctionne très bien. L’humour fait mouche, basé sur le comique de situation et les références volontairement à côté de la plaque, et accentué par un montage malin et bien rythmé. C’est un des gros atouts du film.

L’aspect visuel, très coloré, est l’autre point fort. Au-delà des décors et des maquillages soignés, les paysages spatiaux sont très réussis, et les effets visuels impeccables. L’ensemble possède une identité propre, et le tout est accompagné par des musiques très 70’s et 80’s, musique qui est primordiale dans le film puisqu’elle provient de la compilation sur le Walkman de Quill.

La mise en scène est très correcte, les combats sont bien filmés et sans shakycam (alléluia !). Il est cependant dommage que le montage de ces séquences soit trop rythmé et haché, ne permettant pas de profiter pleinement des chorégraphies.

Ronan l’accusateur, à la solde de Thanos

On sent évidemment parfois l’influence de Star Wars, comme la séquence où l’on voit Ronan face au représentant de Thanos, tel Darth Vader face à l’Empereur. Les combats spatiaux montraient aussi un avant-goût de ce que pouvait donner Star Wars épisode VII plus d’1 an avant sa sortie.

Conclusion

James Gunn, réalisateur du film Super, qui abordait déjà le côté super-héros de biais, réussit avec Les Gardiens de la Galaxie un film plaisant et drôle, visuellement irréprochable, et qui ne se prend jamais totalement au sérieux. Rythmé par des musiques des années 70 / 80, le film est dynamique et coloré, et reste encore aujourd’hui un bon divertissement !

Guardians of the Galaxy – Réal : James Gunn – Durée : 2H – Sorti le 13 août 2014

Pour aller vers Nulle-Part

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Daniel « Danny » Rand, présumé mort il y a 15 ans avec ses parents à la suite un crash dans l’Himalaya, réapparaît du jour au lendemain à New York pour récupérer la société de son père milliardaire Wendell Rand. Pour combattre l’ordre criminel de « la Main », qui s’est infiltré chez Rand, Danny a un atout : Il est Iron Fist, technique acquise après de nombreuses années d’entraînement dans la cité de K’un L’un.

Créé en 1974 par Roy Thomas et Gil Kane, et surfant sur la vague des arts martiaux avec les films de Bruce Lee et les séries comme Kung Fu (avec David Carradine), Iron Fist a la particularité de pouvoir canaliser son Chi (énergie vitale) dans son poing, le rendant aussi dur que le fer, ce qui améliore par la même occasion sa vitesse, endurance, etc.

Retrouvailles après 15 ans d’absence

Dans les comics, Iron Fist est un des premiers à faire partie de la fameuse équipe des Defenders (dont la série arrive ce vendredi 18 août, regroupant les héros des 4 séries précédentes), reformée de multiples fois avec différents membres comme les comics savent si bien le faire depuis des décennies !
Mais avant d’en arriver là, Danny était avant tout un enfant recueilli par des moines dans l’Himalaya, à la suite du meurtre de son père par son propre associé. Entraîné dans la cité cachée de K’un L’un, se situant dans une autre dimension, il a remporté toutes les épreuves initiées par son maître Lei Kung, afin de devenir le protecteur de K’un L’un, Iron Fist.

Regarde, je fais de la lumière !

La série suit les grandes lignes du comics, empruntant des éléments à différentes périodes, tout en en ajoutant ou modifiant d’autres selon le même principe que les séries précédentes de Marvel. Le rythme des 13 épisodes de cette première saison est cependant plus lent que ses camarades. La première partie d’Iron Fist prend son temps pour amener les enjeux. Danny Rand est montré au début comme un homme un peu étrange, déconnecté du monde d’aujourd’hui (ce qu’il est en effet). C’est cette exposition qui rend le personnage attachant. Comme un bon samaritain qui véhicule le bien autour de lui, un homme simple qui tente de réparer les injustices, tant au sein de Rand qu’à plus large échelle contre « la Main ».
On sent que Finn Jones (vu dans Games of Thrones) s’est investi dans le rôle de Danny, tout comme la plupart des interprètes du casting. Parmi les personnages récurrents, on retrouve Claire Temple (Rosario Dawson), seul personnage faisant le lien avec les 3 autres séries Marvel / Netflix, et Jeri Hogarth (Carrie-Anne Moss), ainsi que de nombreuses références aux autres personnages (sauf Jessica Jones bizarrement).
L’ensemble tient la route, malgré quelques incohérences et facilités qui auraient pu être évitées.
L’intrigue centrée sur les problèmes d’addiction du personnage de Ward (Tom Pelphrey) est assez maladroite et pas vraiment utile en fin de compte. De plus, l’acteur, au visage peu expressif, livre une interprétation assez inégale. On note aussi l’obsession qu’ont les producteurs pour les combats dans des couloirs à la Oldboy, déjà vus dans Daredevil notamment. Cela démontre un petit manque d’originalité.

Tu peux me dépanner, j’ai une dent à enlever…

La critique n’a cependant pas été tendre avec Iron Fist, considéré au mieux comme plus que moyen, au pire comme un ratage. On ne partage clairement pas cette opinion. Certes, comparé à ses frères et sœurs que sont Daredevil, Jessica Jones et Luke Cage, Iron Fist est moins marquant. Même si le scénario général pouvait être amélioré, ça n’en fait pas pour autant une mauvaise série. Car on ne vous cache pas que, malgré tous ces défauts, l’ambiance globale, plutôt zen de cette 1ère saison, est tout à fait en adéquation avec les principes de son personnage. La reconnaissance de son identité, puis l’intrigue avec « la Main », déjà abordée dans la deuxième saison de Daredevil et explorée différemment ici, est assez intéressante. Les combats semblent aussi plus lisibles que ceux de Daredevil par exemple, subissant moins de shakycam, et les chorégraphies sont assez bonnes.
Ajoutez la polémique stérile à propos du fait que Danny Rand, qui maîtrise le kung-fu, soit blond aux yeux bleus, et non pas asiatique (alors que ce choix a été fait car dans le comics, Danny Rand est…blond aux yeux bleus…), remuez, et vous avez la série mal-aimée, le vilain petit canard rejeté parce qu’il n’est pas du même niveau que les autres ! Un peu comme la situation de Danny Rand en fin de compte…

Conclusion

Iron Fist, malgré certains défauts qui la placent en deçà des autres séries Marvel / Netflix, est une série divertissante, au rythme plus zen, mais au scénario intéressant, avec des personnages attachants. Maintenant que les 4 héros sont introduits, nous sommes curieux de voir l’équipe réunie dans Defenders !

Iron Fist – Marvel / Netflix – 1ère saison dispo depuis mars 2017

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Un bleu très prégnant.

L’histoire débute avec la biologiste marine Lee Archer, recrutée par le gouvernement pour une expédition secrète en plein Arctique. Une étrange créature a été capturée dans les fonds sous-marins. Lee Archer, spécialiste de la faune sous-marine, découvre avec stupeur une réelle chimère marine. Sirène impressionnante, imposante, rapide, et pour le moins, agressive. L’équipe de recherche est constituée d’un professeur de folklore et mythologie, d’un mercenaire, d’un agent du gouvernement et d’un autre professeur des fonds marins. La base, située sous la mer et accessible par un petit submersible, est un hommage certain aux deux films cultes, The Abyss et The Thing.

La base secrète.

D’ailleurs, la première partie est un huis-clos stressant, nerveux et oppressant, servi par une histoire rythmée, intéressante, dans laquelle se mêlent des mythes et légendes chers à Scott Snyder. Quelle est cette chimère ? D’où vient-elle ? Que recherche-t-elle ? Beaucoup de questions, et des réponses qui viendront ingénieusement dans la deuxième partie. Il faut également noter l’originalité de certaines idées : la base sous-marine, un catamaran sous-marin de combat et d’autres surprises… A souligner aussi l’effet hallucinogène du poison émis par la créature marine qui instille en nous nos propres peurs et souvenirs. La chimère s’infiltre dans notre esprit. Sonde notre âme. L’abysse s’analyse ici comme métaphore de notre inconscient qui ressurgit par une descente en profondeur. Une première partie abyssale, sombre et glaçante.

Le ton jaune-orange.

La deuxième partie de The Wake change assez radicalement. Les couleurs sont plus chaudes, on y observe un ton jaune orange qui accompagne très bien l’univers post-apocalyptique que l’on découvre dès les premières pages. Notons encore une fois l’excellent travail de Matt Hollingsworth qui a d’ailleurs colorisé toute la bande-dessinée en une seule fois. Pour ce travail, il s’est inspiré du fameux peintre d’estampe sur bois japonais, Hiroshi Yoshida.

L’histoire n’est plus confinée, l’action se passe géographiquement sur plusieurs fronts et s’élargit vers d’autres horizons insoupçonnés. Pour converger vers une fin habile, surprenante et maîtrisée. Les idées et théories proposés par Scott Snyder ne sont ni hasardeuses, ni à mettre au placard. Elles nous poussent même à réfléchir aux questions métaphysiques qui traversent notre esprit et ont traversé l’esprit de bons nombres de nos ancêtres. Qui sommes-nous ? D’où vient-on ? Où allons-nous ?

Conclusion

Pari réussi pour The Wake qui revisite magistralement les origines de l’espèce humaine et l’évolution de l’humanité, tout en nous emmenant dans les tréfonds des abysses pour exorciser nos propres démons.

Vous trouverez cette belle intégrale chez Urban Comics.

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Non. Il s’agit tout bonnement d’Invincible. Jeune super-héros dont le corps est à ce moment-là plus projeté contre des buildings que volant de son plein gré dans une scène faisant furieusement penser à celles qui parsèment le final dantesque du film Man of Steel de Zack Snyder (1).

Et l’on ne serait pas étonné qu’en retour le film de Snyder se soit enrichi de scènes qu’on jurerait reprises de ce jeune comics ayant fait sienne la modernité apparue entre autres avec des auteurs tels que Alan Moore et Frank Miller, voire encore plus récemment dans des problématiques toutes aussi adultes mais plus violentes par un Millar avec qui Kirkman semble parfois partager le goût des scènes limites un peu gores.

Portrait d’une jeunesse en collants

La série naît en 2002 sous la plume de Robert Kirkman (scénario) et  le crayon de Cory Walker (dessin). A l’époque Kirkman n’a pas encore connu le succès mondial que l’on sait sur The walking dead qu’il développera l’année d’après. Il travaille alors dans une boutique de comics, sa principale passion d’ailleurs, et souhaite se rapprocher de cet univers (2). Sa rencontre avec Cory Walker va faire des étincelles même si c’est évidemment sa série sur les zombies qui va dans un premier temps avoir un succès grandissant puis international… Au point de voir ensuite comme on le sait tous, le développement d’une série live en 2010 sur la chaîne AMC sous le parrainage du cinéaste Frank Darabont.

Dans la foulée, le comics Invincible, lui, change très vite de dessinateur (le surdoué Ryan Ottley prend la relève mais Walker reste dans le coin, revenant régulièrement pour le design de nouveaux personnages) tandis que la Paramount elle-même achète les droits d’adaptation cinématographique en 2005 sans que rien ne soit encore paru à ce jour.

Il y a pourtant de quoi faire depuis 2002 quand on y pense.

Reprendre les codes de Civil War ? Easy !

Que raconte Invincible ? Principalement l’histoire d’un jeune homme, Mark Grayson, plongé dans un monde de super-héros et dont le père n’est autre qu’Omni-man, sorte de Superman ayant aussi une majeure partie des mêmes pouvoirs que son aîné de DC comics, la vision laser et l’aversion à la kryptonite en moins. C’est également l’homme le plus fort de ce monde. Quand à Mark, jeune étudiant tout ce qu’il y a de plus banal à première vue, il attend d’avoir des pouvoirs hérités de papa Nolan à la puberté. C’est ce qui arrive dès le premier tome (3), d’une manière tellement banale qu’elle en est immédiatement drôle. Mais dans un monde où le super-héroïsme est constamment de rigueur, comment pourrait-il en être autrement ?

Ce jour là, Mark faisant un petit boulot dans un fast-food, notre héros sort les poubelles, les balance dans le vide ordure. Mais c’est pour les voir disparaître de la stratosphère dans la même case. Juste après, étonnement du jeune héros et unique commentaire : « Ah ben c’est pas trop tôt. » Deux pages plus loin, repas de famille et quand Debbie sa mère l’interroge : « Bon… et ta journée, Mark ? », ce dernier de répondre : « Cool. Je crois que ça y est, j’ai des supers pouvoirs ». Et sa mère continuant de regarder son assiette : « C’est très bien. Passe-moi les patates, veux-tu ? »

Et c’est juste la page 9 du premier tome.

L’une des grandes forces du comics, c’est de jouer constamment sur l’humour et le sérieux, non pas en balançant des punchlines de dérision comme chez Marvel, mais en créant un décalage constant et fin sur l’univers des super-héros tel que nous le connaissons généralement face à ce que nous définissons comme l’humanité basique.

Décalage dès lors des plus savoureux puisque nous suivons un adolescent entrant dans l’âge adulte et connaissant des problèmes d’adultes avec en toile de fond les superpouvoirs et la question de comment les gérer. Une relecture de Superman en somme mais fusionnée directement aux références du genre « teen » (4) d’une part, de la science-fiction d’autre part.

Teen, parce qu’il est pile dans l’âge adolescent. Et comme n’importe quel jeune homme, Mark a des problèmes qui le concernent directement : comment faire avec les profs ? Les potes ? Les filles ? D’ailleurs faut-il dès lors cacher son identité de super-héros comme papa vis-à-vis de ses potes (et donc feindre la comédie) ou avouer la vérité ? Et les filles ne préfèrent-elles pas les humains « améliorés » au fond ou bien n’est-ce pas plus compliqué ?

Science-fiction, parce que la série ne se fixe aucune limite, quitte à emmener son héros ensuite bien loin de la Terre et s’apercevoir qu’elle n’est qu’une goutte d’eau dans l’océan.

Le cocktail est donc d’autant plus explosif que les meilleurs moments se focalisent souvent sur la psychologie des personnages, débarrassés presque de l’imagerie des pouvoirs. Les petits détails donc, insérés dans les grands rouages de l’action.

A ce propos, notons d’ailleurs que l’humour est comme séparé des scènes d’action, voire des scènes graves. Il y a bien sûr quelques punchlines pour la forme mais comme cela a été signalé précédemment, elles n’interviennent en fait pas aussi constamment que dans des œuvres du Marvelverse (5). Kirkman et Ottley connaissent leurs super-héros sur le bout des doigts et clament leur amour en prolongeant les bases connues non pas dans la simple parodie mais dans une oeuvre sincère et passionnée. Et évidemment, quand c’est drôle, on rit. Bon. Mais quand c’est sérieux, là, autant dire qu’on ne moufte plus. Plus loin dans le comics, le sang coulera, et Kirkman n’aura aucun état d’âme à faire disparaître certains personnages auxquels on a pu s’attacher.

Influences de la série

Toute la force d’un comics qui sait être addictif est dans sa manière de se renouveler à long terme et savoir surprendre son lecteur constamment. A ce jeu, Kirkman est très bon. Faire disparaître des personnages, tout comme en inclure d’autres, n’est en soi pas nouveau dans les comics. Une fois qu’on a un nombre suffisant de ces derniers, après il n’y a plus qu’à assurer d’une certaine manière le roulement, non ? Oui mais non, c’est une logique en soi trop simpliste.

On le sait depuis la fin des années 80 avec par exemple la parution du légendaire La mort de Superman en 1992, que même les plus grandes légendes peuvent vaciller. Et n’oublions pas déjà en 1986, The dark Knight où Frank Miller introduit un Bruce Wayne plus âgé, grinçant et cynique face à un monde ultraviolent et en voie de déshumanisation. L’époque n’est plus forcément à la bienveillance, elle s’est endurcie. Les justiciers en cape et collant ont fait avec. Car qui mieux qu’eux peuvent témoigner de l’état de la société américaine à travers les différentes crises qu’elle a pu connaître ?

Or Invincible est un pur produit de l’état d’esprit post-11 septembre 2001. Ce qui traduit donc une douleur interne et externe qui se répercute presque d’une manière politique à travers les grands enjeux de l’œuvre. Dans un premier temps, Kirkman va judicieusement nous attacher à ses héros mais aussi à ses méchants pour dépasser le simple manichéisme et nous plonger vers le fait que « chacun a ses raisons ».

Et ces raisons, Kirkman nous les montre toujours, afin de témoigner une nouvelle fois qu’entre le bien et le mal, la frontière est ténue. Personne n’a tort ou raison. Et quand un héros ou un méchant tombe, ça fait mal. Oui, oui, même pour le méchant… qu’on avait presque fini par considérer comme un proche. Et ces raisons, quelles qu’elles soient, servent constamment la notion d’un état-nation à remodeler, à sauver, voire reconstruire dans les deux camps. Aux dépens des individus.

Il n’y a plus juste ici de conquête du monde uniquement pour le prestige chez le Bad Guy. Si un méchant souhaite conquérir le monde, il ne regarde plus le héros qui l’a interrogé en bredouillant une vaine idée de prestige mais évoque profondément l’après-conquête. Pour l’un, affaiblir les défenses terriennes pour préparer à quelque chose de plus grand et innommable. Pour un autre, un but éminemment écologique en tête où l’humain est cité comme un virus, presque amené à disparaître façon Matrix. Ou alors sauver son peuple sur un autre monde. Et pour un dernier, juste le moyen d’accomplir cyniquement ses buts scientifiques et… financiers. Qu’il est loin le temps des méchants qui se pavanaient à essayer de prendre possession du monde en raison d’un ego surdimensionné !

Je vous avais prévenu que ça pouvait être légèrement sanglant hein !

Le tout enrobé de fortes connotations métas comme seule l’époque peut en produire. Invincible d’ailleurs ne cache nullement ses références et en joue avec amusement parfois. Une manière, en sorte, de participer au renouvellement de la série.

Ainsi Nolan Grayson, le père d’Invincible est, à l’instar de Superman, le super-héros le plus fort de cet univers. Il est aussi d’une certaine manière un exilé de Krypton, qui est parti de sa planète, Viltrum. Sauf que l’empire Viltrumite n’a subi aucune menace catastrophique à même de faire fuir ses membres. Ce qu’il raconte dans un premier temps à son fils, c’est que les viltrumites ont pensé partager leurs connaissances avec d’autres populations extraterrestres si celles-ci avaient atteint le niveau de connaissances nécessaires. Des aliens humanoïdes puissants mais pacifiques voulant partager leur savoir, quitte à se fondre dans la population discrètement. Mais ce n’est en fait pas aussi simple comme on s’en doute.

Le nom Grayson fait lui-même référence au nom de Robin, le jeune allié de Batman, Richard Grayson, alias Dick Grayson. La ligue des Gardiens du globe dans le comics fait aussi bien écho à la Justice League of America de DC Comics que les Avengers de chez Marvel. On peut d’ailleurs curieusement observer au tome 2 un super-héros qui fait référence à Batman, une héroïne dont la ressemblance avec Wonder-woman est frappante, un homme poisson à la Namor sans oublier une sorte de Flash… russe.

Plus tard, Invincible s’envolera joyeusement vers le Space-opera en quittant la Terre à bord d’un vaisseau pour aller vers d’autres univers inexplorés par un terrien. Ahhh, Talescria, gigantesque planète qui fait écho à Coruscant de Star Wars… Il sera même amené à changer de dimensions contre son gré pour basculer dans des mondes parallèles… Et par là, faire des clins d’œil à un certain tisseur comme à un justicier chauve-souris le temps d’une case (tome 6). De quoi donner un certain vertige à la longue.

Clin d’oeil.

Vers l’infini et au delà

Plus l’on progresse dans tous les tomes, plus il nous en faut toujours plus. Au risque évident de décrocher de la série quand la tension retombe trop. Sur des œuvres-fleuves au long cours c’est souvent inévitable mais ça a le mérite de proposer à ce moment-là du neuf pour mieux repartir.

Globalement, on peut distinguer différents arcs au sein de ce qui est devenu une grande saga (un chapitre par mois aux U.S, une parution tous les 4 – 5 mois en France de gros recueils regroupant généralement 6 à 8 chapitres avec pas mal de croquis en bonus).

• Citons du coup les deux premiers tomes, essentiels et posant les bases de tout ce que l’on va trouver dans la série. Si, après avoir lu ces deux premiers albums, vous n’êtes pas captivés à fond, autant abandonner du coup (mais ce serait dommage).
• Les tomes 4 à 6 où l’on aborde déjà une nouvelle planète, une autre espèce. L’occasion de prolonger l’histoire vers un lyrisme assez épatant.
• Les tomes 12 à 14 qui abordent une guerre intersidérale et débouche sur un constat bien surprenant mais qui ne fait que souligner la richesse et la dimension adulte de la série au fond.
• Les tomes 16 à 18 où notre héros se lie d’intérêts (d’amitié ?) avec ce qui est un super-méchant. Mais où les motivations sont en fait plus bénéfiques qu’on peut le penser. Du coup, est-ce mal au fond d’être un méchant ? N’est-on pas un mauvais parce que tout simplement c’est le monde qui est contre nous, plutôt que nous contre lui ?…

Pour toutes ces qualités et la richesse de ce qui est évoqué, Invincible est assurément un comics à lire. D’ailleurs, comment ne pas être charmé par les couleurs chatoyantes qui se déploient tout au long de la lecture (leurre trompeur au vu de certains épisodes assez durs mais qui ont le mérite de se démarquer d’univers trop gris et trop vus ces dernières années dans l’imaginaire des super-héros) ? Comment ne pas s’attacher à notre jeune héros pragmatique et sympathique ? Comment ne pas être accro à une oeuvre qui déjoue les clichés pour emmener son lecteur vers l’inattendu ?

Une autre preuve que cette oeuvre se situe à part, plus proche des comics indépendants que des gros univers aux multiples personnages qui perdurent : La fin annoncée de la série qui se rapproche à grand pas pour fin 2017 selon son scénariste. Avec la volonté de livrer une conclusion finale à la mesure de tout ce qui a pu être développé, sans que d’autres créateurs ne reprennent tout avec de multiples cycles, nouveaux personnages, reboots et autres arcs comme on peut le voir chez Marvel ou DC. Invincible est le bébé de Kirkman, Walker et Ottley. Ils l’ont fait grandir, devenu adulte et comme toutes les bonnes choses qui ont une existence sur ce monde, il aura donc sa fin. C’est triste mais c’est comme ça. Et c’est encore assez loin heureusement.

Cela nous laisse encore un peu de temps pour tout savourer, tout relire, voire tout découvrir… (6)

En attendant un éventuel film qui ne vient toujours pas. Il y a pourtant de quoi faire depuis 2002 quand on y pense, oui.

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Le comics Doctor Strange a été crée en 1963 par Stan Lee et Steve Ditko. Il raconte les aventures du docteur Stephen Strange, un brillant chirurgien, égocentrique et cynique, dont la carrière va être stoppée par un accident. Ne pouvant plus exercer, il décide d’aller dans l’Himalaya à la recherche d’un mystérieux gourou guérisseur.

Si le film débute par une course poursuite spectaculaire, il épouse ensuite assez fidèlement les origines du héros en présentant le docteur exerçant sa profession avec mépris pour ses collègues, imbu de lui-même. Comme trop souvent dans ce type de film les lecteurs du comics sont donc en terrain connu et patientent jusqu’au moment où le héros obtient ses pouvoirs. Mais il faut bien avouer que les scénaristes et le réalisateur ont su bien gérer ses origines dans la première partie du film. En grande partie grâce aux talents de Benedict Cumberbatch, parfaitement détestable de suffisance et qui va devoir apprendre l’humilité. Les dialogues à l’humour bien dosé, les visuels et décors superbes, agrémentés d’effets spéciaux percutants (pour une fois la 3D s’impose) captent l’attention et réussissent à intéresser les connaisseurs et les néophytes.

Scott Derrickson réalise du bon travail à la mise en scène, secondé par une armada d’effets spéciaux comme il se doit dans une adaptation de comics Marvel. Doctor Strange évoluant dans une dimension régie par la magie et l’ésotérisme, il fallait donc autre chose à proposer que des sur-hommes qui se cognent dessus… la magie est donc utilisée ici, comme on peut le voir dans la bande annonce, en déstructurant le réel. Effets saisissants (vus en partie dans Inception) où les protagonistes évoluent difficilement dans un environnement en perpétuel mouvement, se poursuivant dans des décors surréalistes qui évoquent les œuvres de M.c. Escher.

Benedict Cumberbatch, alias Doctor Stephen Strange

L’intérêt du film est qu’il ne se repose pas que sur ses effets spéciaux, sous peine de passer à côté de ce qu’est le Doctor Strange. C’est un intellectuel, un scientifique qui ne jure que par la science, et qui va devoir évoluer dans un nouvel univers invisible à nos yeux mais qui recèle sa part de danger. Derrickson soigne bien l’interactivité entre les différents personnages et n’en sacrifie aucun. Même les fans des comics seront surpris par le personnage de Mordo (interprété par Chiwetel Ejiofor) au rôle important dans le film, mais pas celui prévu… je n’en dis pas plus.

Au final, et malgré une belle maîtrise, Doctor Strange est un peu long, sans doute dû au fait que les origines de Strange occupent un place importante… quand on rentre dans le vif de l’intrigue, amorcée tout au début du film, c’est donc un autre film qui commence et l’action, bien que spectaculaire devient lassante.

On peut regretter aussi que la musique de Michael Giacchino soit ici simplement illustrative comme dans la plupart des films Marvel, exception faite de la BO de Thor composée par Patrick Doyle et Christopher Young. Mais c’est hélas le cas dans la majorité des blockbusters américains maintenant donc faisons avec…

Conclusion

Si vous avez vu la majorité ou certains des films Marvel, Doctor Strange fait partie du meilleur donc n’hésitez pas à le découvrir en salle ! Quand à l’intégration de Strange dans la continuité des films Marvel, aucun souci, Strange a très souvent interagi dans les comics en aidant bon nombre de super-héros, où ses connaissances occultes sont indispensables. Je vous invite comme toujours à rester dans votre fauteuil jusqu’à la fin intégrale du générique (et pas seulement sa première partie…)

Réalisateur : Scott Derrickson
Scénario : Scott Derrickson, Jon Spaihts, C. Robert Cargill
Acteurs : Benedict Cumberbatch, Tilda Swinton, Mads Mikkelsen, Rachel McAdams, Chiwetel Ejiofor.
Musique : Michael Giacchino
Nationalité : Américain
Production : Marvel Studio
Distribution : The Walt Disney Company
Durée : 1h 55mn
Sortie : 26 octobre 2016

Pour changer de dimension :

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Le film débute donc par une histoire originale d’une demi-heure, narrée par Barbara Gordon / Batgirl sur une musique sombre et dramatique. L’histoire est une chasse aux mafieux, prétexte à explorer les relations entre Batgirl, tête brulée et amoureuse, et Batman, plus autoritaire que jamais. Relations conflictuelles qui nous emmènent vers une scène pour le moins inattendue entre nos deux héros, sur un toit de Gotham !

En présentant comme personnage central Barbara Gordon / Batgirl, Azzarello nous prépare donc au pire… tous les lecteurs de The Killing Joke savent de quoi je parle… et quand commence l’adaptation du comics, tout est près pour le drame à venir ! Les évènements concernant Barbara seront d’autant plus durs à encaisser pour Batman et pour le spectateur !

Barbara Gordon / Batgirl

On rentre donc dans le vif du sujet, l’adaptation de The Killing Joke qui s’avère très fidèle au scénario d’Alan Moore. Sam Liu et Azzarello se permettant juste d’ajouter des scènes nous montrant un Batman hors de lui « enquêtant » auprès des truands, affrontant les freaks du cirque, ainsi qu’une brève discussion intéressante avec Gordon sur la fin. Ces scènes ne nuisent pas au fond de l’histoire et je dirai même qu’elles sont nécessaires dans le film qui sinon aurait été trop bavard et trop court. Et puis, elles restent dans la logique de ce que fait Batman dans ses enquêtes, surtout quand ses proches sont victimisés.

Concernant la réalisation et le character design, comme pour The Dark Knight Returns, c’est une adaptation qui reste dans l’esprit du comics d’origine sans le reproduire, donc ne vous attendez pas à retrouver le trait de Brian Bolland. C’est avant tout dans les cadrages, les situations et les dialogues, les décors soignés et la lumière que le film est fidèle au comics. Du coté de l’animation de Sam Liu, c’est du très bon travail si ce n’est dans quelques scènes où Batman marche, simplement, qui reste souvent le point faible de pas mal de films d’animation. Le travail de Sam Liu avec Laurent Montgomery sur Batman Year One en 2011 était plus réussi de ce coté là.

En grand admirateur du comics, j’ai beaucoup apprécié cette adaptation qui se permet une digression des plus intéressantes avec ce beau portrait de Barbara Gordon / Batgirl. Un film que tout fan de Batman qui se respecte doit voir !

Batman : The Killing Joke

Réalisation : Sam Liu

Scénario :  Brian Azzarello (d’après la BD de Alan Moore et Brian Bolland – DC -1988)

Producteurs : Bruce Timm et Sam Register

Sociétés de production : Warner Bros animation et DC Entertainment

Direct DVD/Blu-ray – 2016

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C’était une rencontre très sympathique que nous a proposé le cinéma Les Fauvettes ce samedi 6 août. En plus d’un cycle « été Marvel », avec la projection de pas moins de 19 adaptations des personnages

Mark Millar

de la firme aux idées, une master class avec Mark Millar était organisée, animée par Philippe Guedj, journaliste et co-auteur des documentaires « Marvel Rennaissance » et « Marvel Univers ».
Mark Millar, accompagné d’un verre de vin blanc de la cuvée de Pierre Richard (paraît-il), est revenu sur son entrée chez Marvel, ses collaborations, les adaptations de ses comics etc.

A défaut de pouvoir vous faire ici un résumé entier de la rencontre (nous ne manquerons d’ailleurs pas de partager une vidéo de la Master Class lorsqu’elle sera disponible en intégralité), voici malgré tout quelques infos et anecdotes que nous avons glané de Mark Millar durant cette séance :

Cette master class fut suivie d’une séance de dédicaces. On a d’ailleurs réussi à en avoir une particulière, Mark Millar ayant pris le temps de dessiner un gâteau d’anniversaire et un Captain America en fête sur le premier tome de Civil War.

En dernière partie de soirée fut projeté la libre adaptation de ce comics, le film Captain America Civil War, sorti cette année.

Cinéma Les Fauvettes
58, avenue des Gobelins, 75013 Paris
http://www.cinemalesfauvettes.com/cycle/l-ete-marvel.html

Pour aller plus loin avec cet article :

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Après la disparition de Superman, qui constituait une menace selon le gouvernement des Etats-Unis, qui pourrait protéger la population si un autre méta-humain faisait son apparition ? Amanda Waller (Viola Davis), à la tête d’une organisation secrète gouvernementale, propose de rassembler un groupe constitués des pires criminels, la Task Force X, ou Suicide Squad comme on l’appelle. S’ils réussissent leur mission, il auront une (petite) remise de peine, dans le cas contraire…

Après une intro présentant les personnages importants à tout berzingue, la Task Force X se constitue et se rend en mission pour lutter contre…on ne sait pas trop quoi en fait… Et c’est le principal problème du film, faire tout à la va-vite, sans développer quoi que ce soit. Avec un habillage graphique très tape-à-l’oeil, et un montage qui se veut dynamique, Suicide Squad n’empêche paradoxalement pas de ressentir un ennui poli, car en fin de compte le film ne raconte pas grand-chose.
Dans Batman V Superman, il y avait au moins un fond, une thématique, les desseins de Lex Luthor, la volonté de vengeance de Bruce Wayne et les remises en question de Clark Kent sur l’utilité de Superman. Ici, on se retrouve avec un gloubiboulga coloré, avec des personnages tarés et dangereux qui ne le sont pas tant que ça, sans aucun enjeu.

Deadshot et Harley Quinn

Parmi les membres du Suicide Squad, Deadshot (Will Smith) et Harley Quinn (Margot Robbie) sont clairement mis en avant, les autres étant plus ou moins relégués au second plan. Mention spéciale à ce pauvre Killer Croc (Adewale Akinnuoye-Agbaje), pratiquement inexploité malgré son maquillage pratique très bien fait, et Slipknot (Adam Beach) qui ne sert strictement à rien.

Qui dit Harley Quinn, dit Joker (et Batman). Bien qu’ayant en partie monopolisé la campagne marketing du film, le Joker (Jared Leto) apparaît très peu, car Suicide Squad n’est pas centré sur lui. D’ailleurs il aurait très bien pu ne pas apparaître du tout, ça n’aurait pas changé grand-chose, même si la performance de l’acteur n’est pas en cause. Idem pour Batman (Ben Affleck), ces deux apparitions ne sont pas vraiment utiles pour le film, qui aurait mieux fait à la place de s’attarder sur l’histoire de ses personnages principaux, que l’ont suit sans vraiment savoir pourquoi.
Les membres du Suicide Squad ne sont d’ailleurs pas si méchant que ça, et les ennemis contre lesquels ils se battent ne sont ni charismatiques (on peut même dire sans honte qu’ils sont tout simplement moches) ni même intéressants. Le côté subversif que l’on attendait (relayé par la campagne marketing du film mais aussi par les médias qui s’empressaient de faire gonfler les choses) n’est tout simplement pas présent.
Certains ont beau avoir critiqué Batman V Superman pour son côté trop sérieux, mais on se dit que Suicide Squad aurait peut être mieux fait d’avoir été traité de cette manière là aussi (même si Margot Robbie se débrouille très bien en Harley Quinn, et hérite des meilleures répliques)…

Marvel est rodé depuis des années avec son modèle efficace, cocktail d’action et d’humour, mais leurs scénarios ne sont pas délaissés pour autant (il n’y a qu’à regarder le dernier Captain America Civil War, avec son méchant à mille lieues du Supervillain invincible, pour s’en convaincre). Warner et DC veulent rattraper le temps perdu – selon eux – en copiant plus ou moins ce modèle (les scènes post-crédits, les caméos). Mais à force de courir après Marvel, ils finissent par aller trop vite jusqu’à s’en brûler les ailes, tout simplement.

Thérapie de couple…

Suicide Squad se laisse malgré tout regarder. Le film reste (un peu) divertissant, il y a des répliques sympa mais l’ensemble reste creux, car les enjeux dramatiques ne sont pas là…Soyez prévenus ! Il faudra probablement espérer une version Director’s Cut, un montage du film plus « sombre » existerait, mais aurait été amputé et remonté, donnant la version que l’on peut voir actuellement au cinéma. D’ici à ce que l’on ait une autre Ultimate Edition pour rattraper le coup…

Conclusion

Tape-à-l’oeil, mais pas très passionnant. C’est ce que l’on pourrait retenir après avoir vu le film. Handicapé par des problèmes de production et l’échec critique de Batman V Superman, vendu comme un film de méchants irrévérencieux notamment par une campagne promo assommante, Suicide Squad se retrouve coincé à cause d’une promesse qu’il ne pouvait clairement pas tenir. Malgré son casting sympa mais inégal, on peine à s’attacher à des personnages caricaturaux ou quasi inexistants, la faute à l’absence totale d’un véritable enjeu. Avec son scénario faible et son rythme assez inégal, il se laisse regarder, sans plus.

Prochaine étape pour le DCEU, Wonder Woman, en juin 2017.

Suicide Squad trailer 3 vostfr

Pour aller plus loin avec Suicide Squad :

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