Honnêtement, on ne savait pas trop à quoi s’attendre face à une adaptation de La couleur tombée du ciel de Lovecraft avec Nicolas Cage, qui ne nous a pas vraiment gratifié de bons films depuis fort longtemps (des voix s’élèvent au fond de la salle pour citer Mandy, dont les producteurs sont d’ailleurs les même que Color Out of Space. Alors certes Mandy est une expérience visuelle et symbolique intéressante, mais qu’est-ce que c’est ch@&*$!).

Bref, c’est avec un œil quasiment vierge et sans a priori (et un très très vague souvenir de la nouvelle d’origine que l’on traitera dans un prochain article) que nous avons commencé ce film. Et il faut bien avouer que Color Out of Space est une bonne surprise !

Après un générique contemplatif sur fond de voix off et une scène d’exposition présentant Lavinia Gardner (Madeleine Arthur) et Ward Phillips (Elliot Knight), hydrologue venu faire des relevés dans la vallée pour le compte d’une société, nous découvrons la famille Gardner, composée des parents Nathan (Nicolas Cage) et Theresa (Joely Richardson), ainsi que des enfants Lavinia, Benny (Brendan Meyer) et Jack (Julian Hilliard), vivant dans une ferme isolée.

L’origine de tous les maux

Mais leur petite vie de famille tranquille et sans histoire va vite se retrouver chamboulée par l’arrivée d’une météorite qui s’écrase dans leur propriété.

Dès-lors, le film va instaurer une ambiance assez anxiogène, de part sa musique stressante et soignée, mais aussi et surtout par ces petits éléments angoissants « à l’ancienne » qui vont lentement mais sûrement perturber les Gardner, jusqu’à un point de non-retour.

Quelque chose siffle du puit

Evidemment, on échappe pas aux moments de folie de Nicolas Cage, mais le contexte se prête parfaitement à ceux-ci, d’autant plus que le film va assez loin dans son délire organique.

Nick Cage en mode calme avant la tempête !

On sent d’ailleurs clairement l’influence de films comme The Thing, de John Carpenter, ce qui ne peut qu’être une bonne chose, et l’influence de Mandy pour ses couleurs psychédélique est aussi présente, ce qui donne un cocktail particulièrement incroyable et se révèle assez malsain pour surprendre.

Conclusions

Color Out of Space est une expérience assez fascinante et intéressante, bien mis en scène et profitant d’une ambiance vraiment réussie. On vous le conseille vivement, les bons films avec Nicolas Cage n’étant pas si nombreux que ça !

L’article Color Out of Space – Une famille en Cage ! est apparu en premier sur Le Mont des Rêves.

En effet, avec un 1er novembre qui tombe un vendredi, le festival a fait le plein. On a jamais vu une telle foule aux conférences, à la librairie ou pour les projections ciné.

C’est évidemment d’un côté une bonne chose pour les Utopiales 2019, mais de l’autre il devenait souvent difficile de circuler librement, et au vu du nombre comme toujours impressionnant de choix d’activités, il s’est révélé beaucoup plus ardu de pouvoir assister à tout ce que l’on voulait.

Cette année, le thème choisi était Coder / Décoder.

Voici donc un compte-rendu concis de ce que l’on a pu voir, avec quelques photos comme d’habitude.

Longs-métrages

Nous avons pu assister à la projection de 4 films totalement différents les uns des autres.

Dans Proxima d’Alice Winocour, Eva Green interprète Sarah, astronaute française qui se prépare à une longue mission dans l’espace. On suit son quotidien à entraînement, ses relations avec ses collègues (que des hommes) et sa séparation avec sa fille de 8 ans. On pourrait penser à un mélodrame vu et revu maintes fois, mais Proxima profite d’un traitement suffisamment fin pour éviter ces écueils. On assiste aux entrainements dans des conditions réelles des astronautes, les personnages sont vraiment attachants et convaincants (Eva Green et sa fille en tête), et le film n’en devient que plus touchant.

Signal 100 de Lisa Takeba, projeté le 1er novembre au soir, est une adaptation du manga du même nom, où un groupe d’élèves dans une école japonaise se retrouve littéralement hypnotisées par leur professeur, victimes d’une vague de suicides s’ils ne respectent pas certaines règles bien précises. Malheureusement, on a pas du tout accroché au film, qui respecte peut-être le manga (que nous n’avons pas lu), mais qui se révèle comme souvent dans ce genre d’adaptation inutilement long, lourd et très cliché, à l’image d’Assassination Classroom l’année dernière…

The Room de Christian Volckman nous montre une famille qui emménage dans une nouvelle maison isolée. En faisant des travaux, ils découvrent une pièce cachée étrange qui exhausse n’importe quel vœu matériel, mais à quel prix ? Ce film est une très bonne surprise, qui va très loin dans son délire, et malgré quelques petites maladresses, est plutôt réussi et a beaucoup d’idées bien exploitées.

On termine les long-métrages avec Selfie, un film français diffusé en avant-première, regroupant 5 réalisateurs pour 5 récits entremêlés sur le thème de la relation entre les gens et la technologie. Pour être honnête, on aurait pas misé un kopeck sur ce film, mais il faut reconnaître qu’il sort de l’ordinaire des comédies françaises habituelles (en vrac, une des nombreuses questions que ces réalisateurs s’étaient posées avant la production du film : « Est-il possible de faire une comédie française sans Christian Clavier ? », applaudi par la salle). Pas parfait, mais Selfie fait mouche assez souvent, et cela fait plaisir de voir le cinéma français se remettre un peu en question dans sa manière d’aborder la narration !

Nous voulions aller voir la 1ère du film d’animation Weathering with you de Makoto Shinkaï (réalisateur de Your Name), mais les demandes étant trop nombreuses nous n’avons malheureusement pas pu y assister.

Courts-métrages

Du côté des courts-métrages, nous avons vu 3 des 4 sessions proposées, assez qualitatives même si comme d’habitude on retrouve toujours un court-métrage expérimental étrange qui traîne (oui c’est à toi que je pense « La Mer des Sargasses n°21/164 – L’invention de la mer », totalement conseillé aux personnes épileptiques…).

Par ordre des sessions, on retiendra Widdershins de Simon Biggs, – qui a remporté le Prix du Public cette année – animation stylisée en noir et blanc où un gentilhomme part à la recherche d’une femme rebelle, assez drôle et bien réalisé.

Snowflakes de Faye Jackson, ou 2 migrantes qui doivent être expulsées de Grande-Bretagne vers la Jamaïque assistent à la disparition des gardes qui les retiennent dans un grand nuage de poussière, un fléau qui ne touche que les blancs…

CC des Spears sisters, avec une nounou androide qui prend son travail un peu trop au sérieux.

Flotando de Frankie de Leonardis, dans lequel un cosmonaute se réveille dans une station spatiale endommagée, bien réalisé et assez drôle dans sa manière d’aborder le sujet.

La Noria de Carlos Baena, très beau court-métrage d’animation en 3D à la technique impressionnante, sur la mort d’un père perçue par son petit garçon. L’un de nos coups de coeur !

The Third Hand de Yonatan Weisberg, où un employé de bureau lamba découvre une pièce cachée dans la cafeteria, révélant une photocopieuse très particulière…

Storm de Will Kindrick (qui a reçu le Prix Canal +), où dans une société qui régit les couples par compatibilité imposée, un célibataire va tout faire pour retrouver celle qui lui correspond malgré l’interdiction. Bourré de bonnes idées et vraiment bien réalisé.

Enfin, Slice of life de Luka Hrgovic & Dino Julius, avec son ambiance à la Blade Runner (et qui tient la route artistiquement et techniquement, chose suffisamment rare pour un court-métrage pour être soulignée) où un trafiquant de drogue tente de réunir les 100 0000 crédits pour quitter la ville décadente dans laquelle il vit, mais c’était sans compter sur un flic corrompu…

Conférences

Aux Utopiales 2019, le nombre de conférences était comme à l’accoutumée impressionnant !
Ayant plutôt privilégié les projections, nous n’avons malheureusement assisté qu’à un très petit nombre d’entre elles.
La plupart sont cependant enregistrées et retransmises sur le site d’ActuSF (voir en bas d’article). Merci à eux !

Animée par Esther, hackeuse et chercheuse indépendante de l’association Exodus Privacy, Sur la piste des mouchards numériques était une conférence très intéressante sur ce que nos portables disent de nous, à notre insu bien sûr !

De manière claire et accessible, elle a fait participer les spectateurs en les invitant à se connecter aux Wifi du festival, pour nous montrer, par intermédiaire d’un PiRogue – un petit terminal informatique basé sur un Raspberry Pi – ce qu’une simple connexion pouvait révéler de notre téléphone, le tout en temps réel. Implacable et très instructif !

Michael Roch, auteur agréable, dynamique et drôle, nous a concocté une conférence très intéressante sur l’Afrofuturisme, des origines à nos jours, tout en laissant une part importante de son temps au public. Lors de sa conférence, Michael Roch a gentiment, mais pas subtilement, lancé le sujet de l’appropriation culturelle et sur le fait, pour les Blancs, d’écrire de l’afrofuturisme. Sa réponse est claire : non. Mais le débat est lancé…

Petit point sur le prix BD et le palmarès

Concernant le palmarès cette année, le grand prix du jury va cette année à Little Joe (sorti en salle le 13 novembre), de Jessica Hausner, avec Emily Beecham et Ben Wishaw. Un film que nous avons pu voir le dimanche lors de la rediffusion du grand prix. Personnellement, on a préféré The Room. Mais Little Joe reste un film agréable, soigné esthétiquement parlant. Et, concernant les courts-métrages, c’est l’Eau, de Andrea Dargeni, qui remporte le prix.

Pour la bande-dessinée, c’est Un Gentil Orc Sauvage qui remporte la mise. Un livre drôle traitant de thématiques actuelles, notamment sur le sujet des migrants et de la migration actuelle qui s’étend un peu partout dans le monde.

Et le prix littéraire est attribué à Christian Léourier pour sa novella, Helstrid.

Expos

Illustrateur de l’affiche des Utopiales cette année, Mathieu Bablet était à l’honneur avec une belle expo qui lui était consacrée.

Malheureusement, avec tout ce que l’on a pu voir durant cette édition, nous avons totalement oublié de prendre des photos de cette expo…on vous invite donc tout simplement à visiter son compte Twitter pour suivre son actualité et admirer ses oeuvres !

Assortie d’une grande pyramide inversée, l’expo Le Dernier Pharaon nous faisait découvrir des illustrations et planches de l’artiste Laurent Durieux pour le nouvel album hors série de Blake et Mortimer sorti en mai dernier, réunissant les talents de François Schuiten, du cinéaste Jaco Van Dormael, du romancier Thomas Gunzig et de Laurent Durieux.

Le dernier Pharaon – pyramide

Intitulée Le Vaisseau Amiral, une expo était consacrée à Jean-Claude Mézières (qui avait créé l’affiche des Utopiales en 2002) sur son travail pour Valérian et Laureline, ainsi que pour le film de Luc Besson Le 5ᵉ Elément.

Décryptages était quant à lui « un laboratoire futuriste imaginé et mis en scène par les élèves de l’Ecole d’Architecture de Nantes », en association avec la Bibliothèque municipale, le Chronographe, la Labo des Savoirs, le Musée Jules Verne, le Muséum d’Histoire Naturelle et le Planétarium (rien que ça !). Au programme, langage codés, modification de l’ADN et décodage des rayures du zèbre !

Du côté des jeux vidéo, quelques illustrations étaient présentées aussi pour Haven, un jeu vidéo du studio montpelliérain The Game Breakers prévu pour 2020, dont un panneau assez impressionnant.

Une librairie très fréquentée cette année !

On termine ce compte-rendu des Utopiales 2019 en faisant un petit tour du côté de la librairie, où nous avons croisé Pierre Léauté qui s’apprêtait à rejoindre les dédicaces d’ici quelques minutes. Nous avons aussi eu l’occasion de retrouver Jean-Laurent Del Socorro et Bertrand Campeis (l’anthologie Dimension Uchronie volume 1). Cindy Canévet était aussi présente, mais nous n’avons malheureusement pas eu l’occasion de lui parler (vous pouvez retrouver néanmoins son interview durant le festival imaJn’ères ici).

On connaît déjà la date de la prochaine édition des Utopiales : Rendez-vous du 29 octobre au 2 novembre 2020 !

Et un grand Merci à Estelle Lacaud et à toute l’équipe organisatrice des Utopiales 2019 !

Pour décoder les Utopiales 2019 :

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À la suite de la chute d’un vaisseau d’origine inconnue a proximité de sa mission, le Capitaine McKenna (Boyd Holbrook, le soldat au bras robotisé qui poursuivait Hugh Jackman dans Logan) se retrouve en proie à l’attaque d’une créature extraterrestre. Mais une organisation gouvernementale est elle aussi sur le coup. La chasse est lancée…

Après la douche tiède de Predators en 2010, certaines personnes espéraient de The Predator LE grand retour du charismatique chasseur extraterrestre / rasta dans un film digne de ce nom.
Malheureusement, la température de l’eau a encore baissée, tant ce film trébuche dans tous les domaines, à commencer par l’orientation outrancière du scénario et des dialogues…

Les Loonies, l’équipe de bras cassés du film

C’est très simple, il n’y a quasiment aucune introduction des protagonistes digne de ce nom (et ce n’est pas la scène de présentation de la troupe dans le bus qui va aider…), et quasiment pas de constance dans les personnages, tel celui incarné par Olivia Munn, censée être une biologiste spécialisée dans l’évolution, et qui se met à prendre les armes au bout de 5 min, court partout, saute sur un Predator pour l’attaquer, bref c’est du grand n’importe quoi.

Olivia Munn, une biologiste devenue militaire en 5 min

On ne parle même pas de l’équipe qui va traquer malgré elle le bestiau, constituée des pires clichés possibles, et dont les caractéristiques (Tourette, dynamiteur, fou de dieu, etc.) ne servent même pas dans le film. Enchaînant les situations cousues de fil blanc, The Predator privilégie le divertissement popcorn au détriment de la cohérence.

Parmi ce gloubiboulga, on peut tout de même trouver 2 ou 3 bricoles amusantes, et quelques idées et chorégraphies bien trouvées. Mais le film est tellement plombé par ses situations stupides, ses personnages clichés et son humour plus que douteux (que c’est lourd !), qu’il ne parvient pas à être réellement qualitatif.
On se retrouve donc avec un festival de scènes d’action gores qui partent dans tous les sens, et de dialogues inutilement vulgaires, parce qu’il fallait faire du Rated-R.

On comprend dès lors qu’Arnold Schwarzenegger ait refusé la proposition de la production pour reprendre son rôle culte le temps d’une apparition en conclusion de film !
Comme dit Quinn McKenna à son fils à la fin du film, « Tous ces soldats, personne ne se souviendra d’eux. », il ne croyait probablement pas si bien dire !
La scène finale confirme définitivement le côté nanar de The Predator, et l’on ne serait pas surpris d’apprendre un jour la sortie d’une suite en DTV !

Le Predator aime bien lancer des trucs !

D’un point de vue visuel, le film oscille entre très bon (le design des Predators et toujours aussi classe), et vraiment pas terrible (les chiens de garde qui sont vraiment moches). Les décors sont peu originaux mais sont corrects, et les quelques plans dans l’espace sont plutôt jolis. Les musiques reprennent le thème iconique de la saga mais manquent clairement d’ampleur.

Revoir le personnage du Predator est toujours sympathique, mais ce serait un euphémisme de dire qu’on espérait quand même bien mieux.
À l’instar de la saga Alien, gangrénée par le petit dernier Alien Covenant, il serait peut-être temps pour Predator d’arrêter les frais ! Dans le genre film fun a l’action débridée, on lui préfère 1000 fois le King Kong sorti en 2017 !

Conclusion

Mal écrit, avec ses personnages stupides et ses situations toutes aussi débiles, The Predator rate à peu près tout ce qu’il entreprend, y compris quelques idées intéressantes, noyées dans la boue. Mais que s’est-il passé ? Le Predator original, avec Schwarzy, a encore de beaux jours devant lui !

Pour ramasser plus de trophées

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Les Expos

Beb-deum, illustrateur et auteur de BD français (Métal Hurlant, Bürocratika et bien d’autres) a eu l’honneur d’illustrer l’affiche de cette 19ᵉ édition des Utopiales. Il était donc logique qu’une expo lui soit consacrée au sein du festival, ainsi qu’une rencontre et une master class.

Mondiale tm – Fugu kiss

Basée sur le « livre d’art fictionné » du même nom, avec le texte d’Alain Damasio, l’expo Mondiale de Beb-deum nous questionnait sur la posthumanité. Peintures numériques de portraits multi-métissés, agrémentés de séquences vidéos, on découvrait un monde étrange mais assez fascinant !

Dans un autre registre, Exoplanètes s’attachait, en se basant le plus possible sur des données scientifiques, à tenter une représentation artistique de planètes extrasolaires existantes, mais jamais visitées. Peintes par Manchu, avec des textes de David Fossé, l’expo nous faisait voyager dans l’univers gigantesque qu’il reste encore à explorer…

Voyage au centre de la galaxie, proposé par le CEA – Le Commissariat à l’Énergie atomique et aux Énergies alternatives – nous permettait de parcourir les différentes étapes de l’évolution des étoiles, et ainsi découvrir la diversité des astres. L’expo était accompagnée de 2 activités annexes, un jeu nommé Le prisonnier quantique, et une démonstration de la chambre à brouillard, pour mieux comprendre une expérience de physique nucléaire.

Conçu comme un long couloir divisé en 3 pièces, C’est arrivé demain était une exposition itinérante qui proposait 3 expériences en collaboration avec 3 auteurs. Dans la première pièce, Shangri-La, de Mathieu Bablet, une tablette nous permettait de se déplacer dans un monde virtuel, et découvrir de nombreux lieux inspirés de la BD éponyme.

C’est arrivé demain

Avec son décor de la station spatiale internationale, Dans la combi de Thomas Pesquet de Marion Montaigne proposait une vidéo d’une visite guidée par Thomas Pesquet dans l’ISS, avec sur un 2ème écran une reconstitution virtuelle des lieux.
Enfin, place au casque VR avec Universal War I, de Denis Bajram (qui avait bénéficié d’une belle expo aux Utopiales 2016, voir notre article ici), qui nous plongeait dans le cockpit d’un vaisseau spatial durant quelques minutes.

Cabinet de curiosités, mis en scène par les étudiants de l’Ecole d’architecture de Nantes et proposé par la Bibliothèque municipale de Nantes, exposait différents animaux et créatures réelles ou imaginaires.

Le petit bestiaire fantastique, de Thomas Olivri et Mister Hope, regroupait de nombreuses illustrations de monstres issus de la pop culture. Sur ces tableaux, on pouvait autant croiser King Kong que le Yéti (et même Cthulhu !), avec un style graphique très agréable !

L’imaginaire de l’Orient, proposé par la Science & Fantasy Growth Foundation, donnait un premier aperçu de la science-fiction chinoise, l’occasion d’observer le travail de 4 artistes, dont 2 lauréats du prix « Morning Star », seul concours public de SF en Chine.

Jeux vidéos et pôle ludique

Du côté vidéoludique, on retrouvait Homo Machina, une co-production ARTE / Darjeeling (les développeurs du très bon Californium, dont on avait parlé ici), un jeu de réflexion sur le fonctionnement du corps humain, à la manière d’une usine des années 20, et inspiré par les illustrations médicales de Fritz Kahn.

Homo Machina (Darjeeling)

A long way down jouait la carte du RPG et jeu de cartes au tour par tour, tandis que Sigma Theory voyait ses magnifiques portraits illustrés par Benjamin Carré exposés en grand format. Enfin, Greedfall avait lui aussi droit à de superbes peintures !

Le pôle ludique mettait à disposition de nombreux jeux de figurines, de rôle et de société, dont Nome 2.0, jeu en cours de développement créé par Frédéric Langlois et Bruno Ligier, où vous tenterez de découvrir les réels desseins de l’A.S.T.R.E., une agence scientifique qui a mis sous quarantaine une zone sinistrée par l’impact d’une météorite à Nome, en Alaska (plus d’infos ici). Le célèbre jeu Les Loups-Garous de Thiercelieux était aussi de la partie.
Une nuit ludique était même organisée, avec notamment Battlestar Galactica ou Star Wars Destiny, mais nous n’avons malheureusement pas eu le temps d’y aller.

Notez enfin que nous ferons prochainement la chronique de la Bande-dessinée Ces jours qui disparaissent, de Thimoté Le Boucher, qui a remporté le Prix Utopiales Bande-dessinée.

Ne reste plus qu’à attendre la prochaine édition des Utopiales, qui se déroulera du 30 octobre au 4 novembre 2019 ! Mais avant cela, rendez-vous aux 15ᵉ Rencontres de l’Imaginaire de Sèvres le 24 novembre, dont l’invité cette année sera Peter F.Hamilton !

Merci à Estelle Lacaud, ainsi qu’à tous les organisateurs(trices) des Utopiales qui chaque année nous proposent un événement aussi riche et varié !

Pour mieux découvrir le corps

L’article Utopiales 2018 – Expos et pôle ludique est apparu en premier sur Le Mont des Rêves.

Le Mont des Rêves a fait un petit tour aux Utopiales 2018, le festival international de science-fiction de Nantes, qui a eu lieu du 31 octobre au 5 novembre, et accueilli pour sa 19ᵉ édition plus de 90 000 visiteurs cette année. Et comme d’habitude, il y a tellement de contenu qu’il y en a pour tous les goûts !

Le festival des Utopiales propose conférences et rencontres, expos, projections de films et courts-métrages en compétition internationale, ainsi qu’un pôle ludique, bande dessinée, jeux vidéo, manga et même un dîner de l’imaginaire avec « Science-Festin » ! Cette année, « le corps » était à l’honneur !

Comportant une trentaine de conférences par jour, il serait trop long d’en parler, mais n’hésitez-pas à y jeter un œil (ou une oreille) car certaines étaient très intéressantes. Vous pouvez en visionner la plupart sur le site ActuSF, ainsi que sur la chaîne Youtube de Laurence Honnorat. Merci à eux !

Courts et long métrages

On commence dans la salle Dune, avec la 5ᵉ session de courts-métrages en compétition internationale (la seule que nous ayons pu voir), particulièrement variée et riche en créativité.

Parmi les plus intéressants, Rust in peace, de Wim Welles – qui a reçu la Mention spéciale du jury – nous présente un robot au look très années 50, qui se réveille dans une décharge, et repart chercher son créateur qui ne veut plus vraiment de lui. Le côté collant du robot envers son maître est assez drôle et l’ensemble fonctionne plutôt bien.
72 %, de Lluis Quilez, expose sa population au manque d’eau. Symbolisé par quelques personnes au milieu d’un désert, qui attendent patiemment chaque jour qu’une bouteille sale se remplisse d’eau depuis une source inconnue venue du ciel, le court-métrage est exagérément long. La fin vaut le coup, mais il n’était clairement pas nécessaire d’attendre aussi longtemps…
Réalisé par Shinya Sugai, Walking Meat redynamisait la session avec ses personnages qui luttent pour survivre dans une usine de zombie, les morts vivants étant devenus une source de nourriture tendance. Dans le plus pur style japonais, cet anime est bien rythmé, drôle et gore.
Toujours du côté des zombies, mais plus sérieux, Riley was here, de Jon Rhoads et Mike Marrero, nous présente un accro aux drogues taper à la porte d’une femme, afin d’explorer un besoin très particulier. Très réussi, Riley was here est sans contexte l’un des meilleurs courts-métrages de cette session !
Session qui se terminait par Lo Siento Mi Amor, d’Eduardo Casanova, dont on ne vous dira quasiment rien pour ne pas révéler la chute, si ce n’est que l’idée est excellente, et le tout bien réalisé. Complètement délirant mais bien trouvé !

Plutôt que de regarder Assassination Nation (qui a finalement reçu le Grand Prix du Jury), nous nous sommes engouffrés dans la salle Solaris, où était projeté Violence Voyager, en présence de son jeune réalisateur originaire de Kyoto, nommé Ujicha, et dont c’est le 2ᵉ long métrage. Il utilise la technique « Gekimation » (littéralement « drame animation »), de petites figurines peintes sur du papier ou du carton, puis animées a la main et filmées en direct, sans oublier des effets spéciaux (fumée, vapeur, liquides divers) pour dynamiser le tout. Proche du principe de motion comics, en plus rudimentaire, on n’imagine pas le temps qu’il faut pour réaliser un film d’animation d’1h20. Violence Voyager est donc une expérience particulière, tant les personnages, sans animation labiale, paraissent pourtant dotés de vie, Ujicha utilisant en plus abondamment les procédés cinématographiques en changeant régulièrement la mise au point d’un personnage à l’autre. Le film raconte la découverte par 2 enfants, Bobby et Akkun, d’un parc d’attraction caché, Violence Voyager, qui cache une triste réalité. Inspiré notamment de films d’horreurs occidentaux, l’univers est assez glauque et fait la part belle aux mutations, dans un style typiquement japonais. Une belle découverte donc, à ne pas mettre toutefois entre toutes les mains, par son contexte très mature.

Ujicha et son interprète juste avant la projection

Après la projection, Ujicha nous a gentiment accordé une photo et nous a même offert un livret de présentation (tout en japonais, et dont il n’avait qu’une dizaine d’exemplaires) de The Burning Buddah Man, son premier long métrage, que nous avons d’ailleurs aussi vu au passage.

Précédé du court métrage Tempura, The Burning Buddah Man est moins abouti et surtout beaucoup plus complexe que Violence Voyager, mais faisait déjà preuve de beaucoup de créativité et d’un style visuel original.

Le lendemain, retour à la salle Dune pour voir Office uprising, de Lin Oeding, une comédie assez délire ou les employés de la société d’armement Ammutech deviennent complètement tarés et agressifs à cause de Zolt, une boisson énergisante. On y suit une poignée de personnages (notamment Jane Levy, vue dans le remake d’Evil Dead et dans Don’t Breathe) qui tentent de survivre dans leur entreprise en proie aux massacres collectifs. Gros délire gore et drôle, Office Uprising, sans être un grand film, est une très bonne surprise bien fun, légère, bien interprétée et bien réalisée !

Mandy, réalisé par Panos Cosmatos et projeté en séance spéciale, était une toute autre histoire. Au début des années 80, un couple subit l’attaque du gourou d’un culte démoniaque et de ses motards venus des enfers. Sa femme ayant été kidnappée, Red (Nicolas Cage) décide de partir en croisade pour la récupérer.
Autant le dire clairement, on n’a pas accroché au concept très « arty » et à la mise en scène boursouflée. C’est une histoire de vengeance classique dans le fond, mais originale dans la forme, dont l’esthétique renvoie aux années 70/80. Grain prononcé, couleur baveuses, ambiance hallucinogène, références à de nombreux films, Nicolas Cage qui pète un câble, etc. De ce côté-là c’est plutôt réussi, mais que c’est long et ennuyeux, pour en fin de compte pas grand-chose !

Côté rétro, ça a commencé assez fort avec deux films de David Cronenberg. La Mouche, mercredi matin pour fêter le début des Utopiales 2018, et Vidéodrome en fin de journée.

Sorti en 1986, la Mouche est toujours agréable à regarder. Un classique pour les amateurs de science-fiction. Enfin, je ne sais pas si agréable est le mot juste. Avec Chris Walas aux manettes des effets spéciaux, certains passages sont assez impressionnants et horrifiants. Et le film n’a pas pris une ride. De bons effets spéciaux combinés aux bonnes prestations de Jeff Goldblum et Geena Davis en font donc un film culte. Précisons juste que c’est un remake de La Mouche noire, film réalisé par Kurt Neumann en 1958, qui s’est lui-même inspiré de la nouvelle de l’écrivain George Langelaan. La Mouche est une fable tragique, un film poignant, où l’amour se mêle au désespoir d’une fin inéluctable.

Ambiance radicalement différente avec Vidéodrome, sorti en 1983. Max, joué par James Woods, dirige une petite chaîne de télé, plutôt branché sur l’érotique, le pornographique et la violence. Une nuit, il capte, avec l’un de ses employés, une émission brésilienne, Vidéodrome, chaîne malsaine qui diffuse tortures et sévices sexuels. Véritables enregistrements ? Reconstitutions ? Difficile pour Max de cerner le réel du fantastique. Petit à petit, la fiction prend peut-être le pas sur la réalité. Ou son imagination. Max se retrouve pris dans un engrenage malsain, plongé à la fois dans une réalité contemporaine et un univers télévisuel qui se mélangent à l’intérieur de sa tête sous formes d’hallucinations de plus en plus fréquentes. Une aliénation mentale progressive qui démontre l’emprise des images et de la télévision sur notre cerveau. On y voit la puissance du pouvoir cathodique. Je vous laisse d’ailleurs découvrir pour ceux qui ne l’ont pas vu notre cher ‘“secours cathodique”’ vu par Cronenberg. Encore un film, pas trop suranné, qui fait date. Vidéodrome n’a pas trop marché à sa sortie mais reste aujourd’hui un film apprécié dans la filmographie cronenbergienne. Notons pour ces deux films la musique réussie d’Howard Shore, sombre, sobre, oppressante (surtout pour Vidéodrome).

Jeudi matin, nous sommes allés voir The Thing, du maître John Carpenter, film que l’on apprécie beaucoup au Mont des Rêves ! Le film était rediffusé dans la salle Solaris, comme les deux Cronenberg d’ailleurs. Point besoin ici de résumer l’histoire. Sorti en 1982, The Thing est un film culte, un classique de l’épouvante/horreur SF. Le film a été diffusé dans sa version restaurée, et il est magnifique ! L’image, les couleurs, le son, les effets spéciaux de Rob Bottin, un film parfait pour les yeux et les oreilles.
Petite anecdote : le film a déjà été présenté aux Utopiales il y a quelques années, et un réalisateur – laissons-le anonyme – l’ayant visionné, décida de réaliser un préquel afin de voir ce qui s’était passé pour l’équipe norvégienne, dont on aperçoit les deux derniers survivants au début du film. Il présenta un scénario aux grands studios qui refusèrent poliment. Quelques années plus tard, le préquel se retrouva sur le grand écran, plus précisément en 2011, dirigé par un autre (obscur et peu prolifique) réalisateur, Matthijs van Heijning. Un film qui rentre dans la catégorie, aussitôt vu, aussitôt oublié…Quant à l’original, il rentre plutôt dans la catégorie inoubliable.

Les contes merveilleux de Ray Harryhausen

Plutôt que de voir le palmarès ciné final (décidément, nous ne verrons jamais Assassination Nation…), nous avons préféré revenir en enfance le temps d’une projection, avec Les Contes merveilleux de Ray Harryhausen, qui regroupe en un peu plus de 50 minutes 5 courts-métrages réalisés à la fin des années 40 et début 50. On y trouvait Le Petit chaperon rouge, Hansel et Gretel, Raiponce, Le roi Midas et Le lièvre et la tortue. Ces courts-métrages sont évidemment très édulcorés et assez enfantins par rapport aux contes d’origine, mais l’ensemble était très plaisant et l’animation impressionnante !

Pour finir avec le ciné, sachez que même si nous n’avons pas vu les revoir durant ces Utopiales 2018, étaient projetés Frankenstein, La fiancée de Frankenstein, Frankenstein Junior ainsi que Frankenweenie, à l’occasion des 200 ans de Frankenstein ou le Prométhée moderne (1818-2018)

Plus d’infos : https://www.utopiales.org/edition-2018/

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Michael Myers fait partie, avec Freddy Krueger (Freddy) et Jason Vorhees (Vendredi 13) des croque-mitaines immortels des années 80. Initiée par John Carpenter, le “Master of horror”, la série des Halloween n’a jamais brillé par ses scénarios. Mais elle continue de vivre bon an mal an, notamment relancée grâce au reboot de Rob Zombie il y a déjà 11 ans.
Ce nouvel Halloween se veut être une suite directe du premier film de 1978, réalisé par John Carpenter, et qui a initié la saga, sans se préoccuper des autres épisodes. Le film célèbre aussi le grand retour de Carpenter lui-même, en tant que producteur exécutif et compositeur de la musique. Alors que s’est-il passé depuis 40 ans ?

Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) se fait attaquer !

Jamie Lee Curtis reprend le rôle de Laurie Strode (et adopte de nouveau les cheveux longs de son personnage comme dans l’original). Elle est devenue une grand-mère marginale et vit recluse dans une maison ultra sécurisée, éloignée de sa famille. Traumatisée suite aux évènements du 1er, elle attend le jour du transfert de Michael Myers vers une prison encore plus sécurisée pour tenter de le tuer. Mais les choses ne vont évidemment pas se passer comme prévu…

Chérie, ça va couper ! (Nick Castle)

Comme d’habitude, Michael Myers – interprété par Nick Castle, qui reprend le rôle 40 ans après l’original – est un adepte du coup de couteau, marteau, etc. (il aurait fait un excellent cuisinier ou bricoleur, dommage qu’il ait choisi une autre voie !). Les personnages lambda ne vont pas y échapper, puisque le film rempli son cahier des charges de tout bon slasher qui se respecte. N’importe quel(le) fan de films d’horreur pourra facilement prévoir 5 min à l’avance ce qui va se passer, mais se fera aussi parfois surprendre, car certains personnages sont tellement stupides qu’ils en deviennent imprévisibles ! De ce côté-là, la mission est remplie, mais cela n’encourage vraiment pas à s’attacher à eux. Halloween se laisse donc regarder, mais demeure frustrant tant les situations sont souvent grotesques. Heureusement, la réalisation est très correcte, tout comme la photo, et la musique reprend le thème principal iconique de John Carpenter, tout en apportant des variantes bienvenues et qui participent bien à l’ambiance angoissante du long-métrage. On apprécie de voir revivre cet univers, mais un scénario plus recherché aurait tout de même été le bienvenu pour renouveler une franchise qui en est aujourd’hui à son 11ᵉ film !

Conclusion

Après un reboot de la saga par Rob Zombie en 2007, ce nouveau Halloween remplit son cahier des charges du film d’horreur en tant que suite directe du premier film de Carpenter de 1978. Même s’il se laisse regarder, le film semble donc rester dans les années 80, avec ce qu’il faut de clichés, personnages aux réactions totalement improbables et situations souvent assez stupides. Cela peut avoir son charme…ou pas.

Halloween (2018) – Réal : David Gordon Green – Durée : 1h46min – Sorti le 24 octobre 2018

Pour piétiner la citrouille

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La création du personnage de Venom dans les comics est étroitement liée à Spiderman. Mais puisque Sony a temporairement cédé les droits d’exploitation de l’homme araignée à Marvel (on l’a vu entre temps dans Captain America Civil War, Spiderman Homecoming, puis Avengers Infinity War), il était impossible de le voir dans ce film. Alors pourquoi Sony a malgré tout fini par produire un film Venom, alors qu’il fallait amputer une grosse partie de ses origines ? Tout simplement parce que la firme a encore les droits pour Venom, et compte bien les exploiter à tout prix !

On découvre donc Eddie Brock (Tom Hardy), reporter polémique, spécialiste des enquêtes chocs, qui dynamite une interview avec Carlton Drake (Riz Ahmed), PDG de Life Foundation, qu’il accuse de faire des expériences scientifiques sur des cobayes humains. Il est donc viré de son journal (et fait aussi virer indirectement sa petite amie Anne Weying (Michelle Williams), qui travaille aussi pour Life Foundation. Suite a une piste pour découvrir la vérité sur ces expériences, il se retrouve contaminé par un parasite, symbiote qui prend possession de son corps, pour le meilleur et pour le pire…

Difficile de décoller Venom ! (Tom Hardy)

Autant le dire tout de suite, Venom reste très classique, très hollywoodien dans son déroulement, et on est en fin de compte peu surpris par son scénario, qui accumule tous les clichés du genre. Mais cela ne le rend pas mauvais pour autant. La relation entre Venom et son hôte Eddie Brock amène de bons ressorts comiques, Tom Hardy a l’air de bien s’être amusé dans le rôle. Le reste du cast est très correct, même si les personnages ne semblent pas assez horrifiés par l’apparence de Venom, et le « méchant » n’est pas non plus très méchant en fin de compte. Tout est un peu trop léger.

Carlton Drake (Riz Ahmed) joue avec le symbiote…

Malheureusement les combats sont très brouillons, à cause d’un cadrage ultra serré, et un montage beaucoup trop cut. C’est d’autant plus dommage, car les chorégraphies des combats ont l’air plutôt bonnes. Mais rien d’étonnant, puisque c’est devenu un choix artistique maintenant…
Les effets visuels sont dans l’ensemble assez réussis. Le design de Venom – particulièrement sa carrure – correspondent mieux au comics que lors de son apparition dans le Spiderman 3 de Sam Raimi (ou Eddie Brock était interprété par Topher Grace). Même si ce dernier se voulait en fin de compte plus fidèle au matériau d’origine, puisque le background avec Spiderman était présent.
Bon point par contre pour la durée correcte d’environ 1h50, assez rare de nos jours avec des films de super-héros dont la moyenne dépasse largement les 2 h (voire beaucoup plus…)

Anne Weying (Michelle Williams) est inquiète. Nous aussi…

En dehors des poncifs habituels que l’on aurait pu éviter, on peut évidemment reprocher au film l’absence de Spiderman dans la genèse de Venom (dont l’explication a été évoquée plus haut) ainsi que la classification PG-13, privant au passage le personnage d’une ambiance plus sombre et horrifique, qui conviendrait bien mieux au personnage. Il faudra d’autant plus qu’il se libère de cette classification, au vu du final (prévisible) qui nous prépare pour une suite.

Conclusion

Venom reste un film certes divertissant et regardable, avec un casting très correct, mais trop classique et hollywoodien pour vraiment se démarquer. Surtout que dans l’ombre de celui-ci, les fans espéraient une autre version, plus sombre et horrifique, que l’on ne verra probablement jamais…Correct, sans plus !

Si le symbiote vous colle à la peau

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3 ans après les évènements de Jurassic World, Claire Dearing a changé de vie et se consacre désormais à la cause animale. Lorsque les dinosaures d’Isla Nublar, où se trouvait le parc et abandonnés depuis, sont menacés par l’éruption d’un volcan, Claire, avec l’aide financière et matérielle de Benjamin Lockwood, ancien compère et collaborateur de John Hammond, tente de monter une équipe pour aller sauver quelques spécimens. C’était sans compter sur d’autres personnes peu scrupuleuses…

Après une intro présentant la nouvelle vie de Claire suite au fiasco de Jurassic World (Elle a au passage complètement changé de personnalité, passant de directrice du parc sans empathie à défenseuse de la cause des dinosaures…), l’équipe mandatée par Lockwood, et composée notamment d’Owen, Claire, Franklin – analyste – et Zia – paléovétérinaire – arrive sur Isla Nublar pour sauver des dinosaures, et particulièrement Blue, le raptor domestiqué d’Owen.

Owen, Franklin, Claire et Zia s’occupent de Blue

Cette partie sur l’île que l’on voit dans le trailer ne correspond en fait qu’a la première demi-heure du film. Dommage, car ce premier acte est tout simplement le meilleur de Jurassic World Fallen Kingdom, avec des scènes prenantes et intenses. Le reste du film se déroule la plupart du temps dans des lieux en huis-clos. On pense dès lors plus à Resident Evil (les jeux, pas les films évidemment), avec le manoir et ses expérimentations en laboratoire à l’abri de tout soupçon…

Jurassic World Fallen Kingdom est plutôt bien réalisé et efficace. La mise en scène est meilleure et il y a plus de recherche visuelle (jeux d’ombres et de lumière, caméra plus libre, etc.) que dans le film précédent. On sent donc un peu la patte du réalisateur de l’Orphelinat et Quelques minutes après minuit (A Monster Calls). De nouvelles espèces de dinosaures font leur apparition, pour le plus grand plaisir des fans. D’autant plus qu’ils sont très présents à l’écran, et plus réussis, avec le grand retour des dinosaures en animatronique !
Mais « l’habillage » ne fait pas le moine, et on s’aperçoit assez vite que le film souffre de gros problèmes de scénario.

Un des multiples clins d’oeil à Jurassic Park

Car même si Jurassic World Fallen Kingdom fait de nombreuses références aux opus précédents de la franchise, il s’attache beaucoup trop à calquer ses événements sur ceux-ci. Reprenant le schéma de Jurassic Park 2 Le Monde Perdu (jusqu’à la présence furtive de Jeff Goldblum en Ian Malcolm, en mode « Je vous l’avais dit !), avec sa mission de sauvetage doublée par une équipe de mercenaires sans scrupule, le film ne surprend vraiment qu’à de rares occasions, avec de bonnes idées très souvent mal amenées. Prises séparément, les scènes d’action du film sont plutôt bonnes, mais leur enchaînement est bancal, avec des personnages aux réactions souvent stupides (la scène de la cage, vraiment ?) ou des personnages et dinosaures qui débarquent au dernier moment pour sauver la situation. Il est quand même incroyable de voir encore en 2018 ce genre de solution de facilité / paresse qui enlève toute crédibilité à ses personnages. La musique de Michael Giacchino est quant à elle sympathique, mais aucun thème ne ressort du lot, contrairement à celle de Jurassic World.

Blue vs Owen, Fight !

Et vu comme se termine le film, on s’attend à ce que le prochain Jurassic World – qui sortira en 2021 – soit tout simplement un authentique nanar ! (On croise les doigts pour se tromper évidemment, car ça serait vraiment triste !)

Conclusion

Jurassic World Fallen Kingdom a une belle peau mais souffre d’un squelette fragile. Le scénario paresseux reprend une grande partie de la structure de Jurassic Park 2, associée à quelques solutions de facilité franchement discutables. Dommage, car la réalisation est bonne et donne lieu à quelques scènes bien ficelées. Mais on est franchement déçu et inquiet par la tournure que prend la franchise.

Jurassic World : Fallen Kingdom – Réal : J.A. Bayona – Durée : 2h08min – sorti le 6 juin 2018

Pour entrer à Jurassic World

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Sept ans après la disparition de son père durant une expédition, Lara Croft, une jeune britannique de 21 ans, refuse toujours son héritage, et travaille comme coursier à Londres. Mais elle découvre bientôt une piste qui l’amènera sur la légendaire île de Yamatai, au sud du Japon, dernière destination de son père…

Faire table rase du passé pour repartir sur de nouvelles bases. Tel est le credo de Tomb Raider, 3ème film de la franchise mais aussi 1er reboot. Une stratégie similaire a celle des jeux vidéos, et qui s’était avérée payante, puisqu’après 9 jeux présentant le style de Lara Croft tel qu’il avait été créé par Toby Gard en 1996, Tomb Raider est relancé en 2013 avec pour but de proposer une autre approche des origines du personnage. Cette 3ème adaptation ciné s’inspire donc fortement de la nouvelle version de Lara Croft, aux proportions plus réalistes et a la mise en scène plus…hollywoodienne. La boucle est donc bouclée.

Lara part à l’aventure…

Cependant, le scénario a le mérite de proposer une version alternative plus réaliste (comprenez par là « moins surnaturelle ») que la version vidéoludique, ne constituant donc pas un simple copié / collé mais plutôt un mélange de l’intrigue du reboot de 2013 (l’île de Yamatai et la Reine Himiko) et de son excellente suite Rise of the Tomb Raider (la quête de son père face a la société occulte Trinity). Il se permet aussi de supprimer carrément plusieurs personnages (toute l’équipe de l’Endurance qui faisait une émission TV, dont on ne se plaindra pas vraiment de la disparition…) pour resserrer l’intrigue sur quelques uns, ou encore en modifier certains, comme Mathias, passant de fanatique sans scrupule a mercenaire impitoyable ne croyant pas aux légendes effrayantes sur Himiko.
Tous ces changements ne sont pas vraiment gênants, et évitent à l’histoire de trop s’éparpiller. On retrouve évidemment de nombreuses scènes clés du jeu de 2013 (l’utilisation de l’arc et du piolet, la scène du parachute etc.), mais aussi des clins d’œil à « l’ancienne » Lara Croft, notamment à la fin du film. Mais l’absence de certaines idées intéressantes du jeu, sans être indispensables, sont malgré tout à déplorer.

…tombe sur Mathias dans la jungle…

La mise en scène du réalisateur norvégien Roar Uthaug (Fritt Vilt, Flukt, et plus récemment The Wave) est correcte, les scènes d’action sont globalement dynamiques et bien réalisées, mais il y a tout de même un côté lisse ‎dans toute cette histoire, pétrie de bons sentiments familiaux entre Lara et son père. Et on n’échappe évidemment pas aux facilités de scénario habituelles, notamment sur les compétences de Lara, ou autres incohérences assez étranges. Cela n’enlève pas à Tomb Raider son statut de bon divertissement, mais l’empêche d’atteindre celui d’un bon film d’aventure à la Indiana Jones par exemple. Les effets spéciaux et visuels sont très corrects mais parfois visibles, et la musique de Tom Holkenborg (alias Junkie XL) est efficace.

On doutait un peu de la capacité d’Alicia Vikander au vu du trailer du film, mais force est de constater qu’elle se débrouille plutôt bien dans le rôle. Tout comme Angelina Jolie représentait bien la Lara Croft de son temps, cette nouvelle Lara correspond a l’image du personnage tel qu’il a été relancé en 2013. Plus jeune, pas encore assurée ni totalement expérimentée, ce sont les origines de l’aventurière qui nous sont contées. Walton Goggins est comme à son habitude convaincant dans le rôle de Mathias, n’hésitant pas à tuer si nécessaire, et Dominic West est crédible dans le rôle du père de Lara.

…et résout des énigmes (faciles) !

Conclusion

Tomb Raider est un bon divertissement, mais qui reste tout de même assez poli (comparé au jeu tout du moins). Alicia Vikander est crédible dans le rôle de la nouvelle Lara Croft, et on passe un bon moment grâce au dynamisme des scènes d’action.

Tomb Raider – réal : Roar Uthaug – durée : 1h58min – sorti le 14 mars 2018

Pour tomber raide (elle était facile…) :

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Dans le pays d’Amestris, Edward et Alphonse Elric, deux frères alchimistes, échouent à ramener à la vie leur mère décédée, en enfreignant la loi interdisant la transmutation humaine. En conséquence, Alphonse perd son corps, et Edward sa jambe gauche. Il accepte de sacrifier aussi son bras droit pour sauver de justesse l’âme de son frère, qu’il parvient à relier à une armure de métal. Devenu plus tard Alchimiste d’acier (Fullmetal Alchemist) et travaillant pour l’état, Edward part avec son frère en quête de la légendaire pierre philosophale, qui serait capable de réunir le corps et l’âme d’Alphonse…

Le personnage d’Alphonse en CGI est très réussi !

Première adaptation live (avec de vrais acteurs) du célèbre manga du même nom d’Hiromu Arakawa, Fullmetal Alchemist était attendu depuis bien longtemps. En effet, le manga a été publié entre 2001 et 2010, et les 2 séries animées (Fullmetal Alchemist en 2003-2004, et Fullmetal Alchemist Brotherhood en 2009-2010, plus fidèle au manga), ayant chacune un film servant de conclusion (Fullmetal Alchemist: Conqueror of Shamballa en 2005, et Fullmetal Alchemist : L’Étoile sacrée de Milos en 2011), sont déjà passées par là depuis quelque temps. Cette nouvelle adaptation arrive donc un peu tard, mais mieux vaut tard que jamais…ou presque…

Reprenant les grandes lignes du manga, ce premier film en adapte environ un tiers, tout en prenant des libertés par rapport au matériau original. Il est donc fort probable que deux autres films fassent leur apparition prochainement pour conclure l’histoire. Jusque-là, rien de bien original, puisque la plupart des adaptations du même genre sont souvent découpées en plusieurs films.
Malheureusement l’ensemble se révèle assez brouillon pour qui ne connaît pas du tout l’univers du manga, et les libertés prises ne sont pas forcément bonnes. D’autant plus que l’on a l’exemple de la première série animée, qui avait prouvé que l’on peut proposer une excellente histoire tout en se démarquant de celle d’origine.
En allant trop vite pour brasser le plus de choses possibles, Fullmetal Alchemist souffre paradoxalement de problèmes de rythme, avec de gros passages a vide. On s’ennuie poliment assez rapidement (et ça dure 2H15…), et ce, malgré quelques scènes pourtant assez réussies.

Edward Elric, avec sa belle perruque blonde.

On a donc un peu de mal à accrocher au film, la mise en scène assez fade, les perruques et le jeu très inégal et souvent forcé des acteurs n’aident pas vraiment non plus. Adapter un manga est déjà une difficulté en soi, mais la position adoptée ici est un entre deux très bancal.
On a parfois plus l’impression d’assister a un spectacle de Cosplay qu’à de véritables personnages.
Les effets visuels sont eux aussi inégaux, certains assez réussis (l’armure d’Alphonse), et d’autres complètement ratés (Glutonny). C’est d’autant plus dommage que les décors et costumes sont très corrects.

Conclusion

Trop long et inégal, Fullmetal Alchemist ne marque pas les esprits. Mis à part quelques scènes très correctes, la mise en scène est trop fade et le rythme trop faible, ne rendant pas le film mémorable.

Hagane no renkinjutsushi – 2017 – Réal : Fumihiko Sori – Distrib : Netflix – 135 min

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