Est-il besoin de noter ici la pertinence de remodeler l’Histoire ?  Oui, toujours et encore. Si l’on aborde, par exemple, la fin d’une civilisation et que l’on transforme sa chute en un nouveau départ. Penser une fin qui n’a jamais eu lieu nous plonge dans un travail de recherche et de compréhension : compréhension dans les causes de l’effondrement et de la civilisation elle-même. Rentrer dans ses mécanismes intérieurs, travailler l’altérité pour imaginer l’autre et rentrer dans son intime. C’est comme si nous examinions les rouages d’un automate pour en comprendre le fonctionnement. L’Uchronie nous permet de travailler la matière, de réfléchir à un autre possible et d’imaginer de merveilleuses utopies, ou d’effrayantes dystopies. Mais soyons positifs en cette période difficile.

Les trois recueils qui composent cette Dimension Uchronie ont eu le mérite de donner la plume à des autrices et auteurs qui apprécie le jeu de l’uchronie, qu’ils soient débutants ou confirmés. Alors, n’en déplaise aux jeteurs de sorts, c’est un choix assumé par les anthologistes et qu’ils soient ici remerciés de tout le travail fourni et de toutes ces nouvelles qui raviront les amateurs d’une Histoire revisitée. Et le tome 3 conclut cette aventure avec réussite, ce recueil nous parlant d’espoir, de lutte pour la liberté, de rêves, de féminisme, d’un monde meilleur, d’un autre futur, parsemé d’étoiles, d’espoir et d’espérance. Espérance dans l’humanité et la transformation de la société. Ils nous font réfléchir au fait que le monde dans lequel on vit ne doit jamais être pris pour acquis. Et qu’il suffit d’une goutte d’eau, d’un battement d’ailes et d’infimes variations dans la toile de l’Histoire pour tout changer et tout transformer (merci professeur Malcom). J’espère que vous me pardonnerez cette brève incursion dans la théorie du chaos.

Des vikings à la civilisation aztèque, de la Bretagne aux USA, en passant par le Canada, et même Mars ou Madagascar, chaque autrice, auteur, avec son style, son audace, nous apporte sa vision du monde et partageant en cela, un peu de leur intime. Et si l’on pouvait revenir en arrière pour éliminer un dictateur ? Si l’on faisait perdurer le régime soviétique ? Et si les esclaves à la Nouvelle-Orléans, entourés de magie vaudou et s’inspirant des révoltes haïtiennes, se révoltaient avec succès ? Je vous laisse découvrir toutes ces plumes et vous conseille vivement Dimension Uchronie 3. Quinze nouvelles qui nous séduisent donc par la richesse de leurs thèmes, la diversité de leur propos. On saluera également ici les anthologistes cités plus haut, ayant passé de nombreuses heures à lire, relire et annoter, pour améliorer la qualité des nouvelles que ce recueil vous propose ; ainsi que Tiffanie Uldry, l’illustratrice des trois couvertures.

Il ne me reste plus qu’à vous souhaiter une bonne lecture !

Anthologie de nouvelles présentées par Bertrand Campeis & Hermine Hémon.

TABLE DES MATIERES:

Traductions de Hermine Hémon & Erwan Devos.

Illustration de Tiffanie Uldry.

https://www.riviereblanche.com/fusee-f85-dimension-uchronie-3.html

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Ce premier tome nous offre une belle et sulfureuse héroïne : Milady de Winter, comtesse de la Fère, alias Charlotte Backson. On connaît le personnage grâce à Alexandre Dumas et à ses trois célèbres mousquetaires. Et on connaît aussi la triste fin de Milady – une scène poignante, d’ailleurs, dans le film de 1948. Et un rôle magnifiquement interprété par la belle Lana Turner.

Mais ici, dans Rouge Vertical, point de final dramatique pour Backson, mais une vie qui continue lorsque, pendue par le comte de la Fère, elle naît à nouveau et se rend compte de son immortalité. Une bénédiction ? Ou un fardeau ? Parfois l’un, parfois l’autre. Pour Milady, les cartes sont à nouveau sur la table. Et plus d’illusions et de chimères. Elle se réveille à l’aube, dans la brume, et l’impensable s’est passé. Elle vivra, et jamais ne mourra. Elle doit faire avec. Elle ne le sait pas encore, mais elle va rencontrer un monde nouveau, vivre une nouvelle existence où ses points de repères, ses attaches, se sont noyés dans sa vie précédente. Elle rencontrera d’autres immortel.elle.s, la mystérieuse Abby Fierce, et intégrera l’étrange compagnie de l’Horloge, traversera la vie comme la trajectoire d’un tourbillon.

Les phrases de Pierre Léauté sont vivantes. On avance dans l’ouvrage avec délectation, et celui-ci révèle tout du long une narration trépidante, sans vraiment de temps mort, avec quelques rebondissements bien placés. C’est un récit bien ciselé et chaque détail compte. Travail difficile dans le cadre d’une trilogie. D’une époque à une autre, l’auteur distille sa connaissance de l’Histoire et nous montre qu’il aime jouer avec les siècles passés. Pour le plus grand bien des lecteurs.

Ici est abordé avec fraîcheur le voyage dans le temps. Notons que l’uchronie est multiple et change du classique point de divergence. L’auteur amène subtilement le lecteur à une réflexion autour de l’Histoire et ses périodes favorites. De la période antique à l’histoire contemporaine, en faisant un petit tour en plein cœur de la Révolution française, Charlotte Backson entame un long voyage semé d’embûches.

Sa vision du monde remise en question, il faut repartir de zéro. Il faut aussi oublier ses propres certitudes, ébranlées par sa destinée inattendue. Milady de Winter n’a pas eu une vie facile jusqu’à sa « première » mort et son retour du néant. Son penchant pour la duperie, les meurtres et le mensonge ne m’a pas empêché d’éprouver au final une certaine empathie envers Charlotte Backson, qui, jusqu’à la fin et bouleversée par ce destin qu’elle n’a pas choisi, se pose des questions, se demandant parfois si elle n’est pas maudite.

Conclusion

Rouge Vertical est donc un très bon roman, audacieux, qui allie réflexion, aventure et divertissement. La jolie plume de l’auteur nous plonge facilement dans un récit où le souffle romanesque et épique tourne les pages naturellement. Rendez-vous donc avec le tome 2.

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Bonjour Pierre, tout d’abord, merci de nous consacrer un peu de temps. Peux-tu pour commencer te présenter ?

Pierre Léauté : Bonjour, pour la jouer courte, je jongle entre l’enseignement et l’écriture, et ce depuis quelques années maintenant.

Tu es l’auteur d’une trilogie, Les Temps Assassins, sorti chez Mü, qui allie uchronie et Histoire. Parles-nous de ce projet, comment en es-tu arrivé aux trois tomes aujourd’hui ?

Cette trilogie a été entamée en 2009 et s’est achevée dix ans plus tard ! Il s’agit de livres dont l’intrigue n’est pas linéaire à strictement parler. Chacun des tomes, fort d’un narrateur différent, s’emboîte à l’intérieur du suivant comme un puzzle diabolique ! Cette année, « Parmi les Vestiges » clôt l’aventure, je l’espère en beauté. 

Estimes-tu que l’on peut parler de l’Histoire par la science-fiction, et plus précisément l’uchronie ?

La science-fiction est une porte d’entrée aussi honorable que les autres ! En fait, tout est prétexte pour aborder l’Histoire, grande ou petite. L’uchronie est une branche merveilleuse de l’arbre de l’imaginaire, et j’aime à croire que chaque roman étend les possibles.

Laisses-tu une part importante à la fiction et au divertissement, face à la rigueur historique ?

Une fois le cadre de la vraisemblance posé, je laisse libre court à la folie ! Cette rigueur peut à la fois agir comme un carcan, mais aussi plaire à des lecteurs en mal de détails. Mais je ne me sens pas historien lorsque j’écris.

De manière plus générale, qu’est-ce qui t’a amené à l’écriture, notamment dans le domaine de la fiction ?

Le besoin de retenir les choses, de s’en souvenir. L’envie de partager n’est venue que plus tard.

De quelle manière écris-tu un roman ? Quelles sont tes étapes ?

Cela dépend de l’ouvrage. Pour le roman rural que je viens d’achever et qui constitue une suite (tardive) à un autre livre plus ancien, j’ai créé le chapitrage entier à l’avance pour la maison d’édition. J’ai réalisé avec ce septième livre l’importance de travailler plus en amont le background des personnages, presque la nécessité d’imaginer un livre entier avant de poser la moindre phrase.

Mon écriture est quasi-quotidienne, nocturne, agrémentée d’un chat (bientôt deux!).

Et  la recherche documentaire ? Lis-tu beaucoup d’ouvrages universitaires ?

Internet est une mine de renseignements, que je complète par des lectures plus scientifiques. Ainsi, pour la nouvelle « La grande brisure », j’ai pas mal lu sur le sujet des corsaires de Saint-Malo !

Il me semble que tu apprécies aussi le format de la nouvelle justement ? Que penses-tu de ce format court ? Et comment procèdes-tu ?

Oui, j’aime beaucoup l’exercice de la nouvelle et les contraintes que cela suppose. Je suis d’ailleurs heureux d’avoir contribué à chacun des tomes de Dimension Uchronie de Bertrand Campeis. Pour chacune de mes nouvelles, j’ai envisagé la création du texte comme s’il s’agissait d’un roman.

Et juste avant de terminer, as-tu des projets en cours ?

Toujours ! Je travaille à présent sur une intégrale des Aventures d’Augustin Petit avec un illustrateur, toujours sous la houlette des Editions Mü. Ensuite, dans un mois ou deux, je reprends un roman laissé en plan. Quelque chose de méchant ^^

Et si on te laissait le mot – ou la phrase – de fin ?

Le temps est précieux.

Un grand merci au Professeur P.L. 

Plus d’infos sur le site officiel de Pierre Léauté

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Cindy Canévet et Pierre Léauté

Lors du festival ImaJnère 2019, nous avons rencontré la pétillante et talentueuse illustratrice Cindy Canévet. On en a profité pour lui poser quelques questions sur son métier.

Bonjour Cindy Canévet, peux-tu te présenter et nous brosser un rapide aperçu de ton parcours ?

Oui, tout à fait. Je suis illustratrice et graphiste free-lance depuis deux ans. J’ai eu mon diplôme en 2017 à l’ENAAI (enseignement aux arts appliqués et à l’image). Depuis, j’ai créé mon statut d’auto-entrepreneuse à mi-temps au début et depuis janvier, je suis à temps plein car j’ai de belles opportunités  dans le métier et j’ai envie de mener beaucoup de projets.

S.T Joshi – Lovecraft Je suis Providence

J’ai commencé principalement avec des couvertures de livres sachant que j’ai réalisé mon dernier stage d’étude chez ActuSF. Le stage est arrivé pendant la période où ils allaient lancer la campagne de crowdfunding sur la biographie de Lovecraft et ils cherchaient des visuels temporaires. J’ai donc réalisé le portrait de Lovecraft selon les précisions de l’éditeur. Et comme l’image a plu et qu’elle fonctionnait bien, ils ont décidé de l’utiliser. C’est de cette façon que j’ai mis les pieds dans le monde de l’édition des littératures de l’imaginaire.

Puis ça c’est professionnalisé tout de suite à la sortie de mon  stage. J’ai ensuite rencontré d’autres éditeurs, été sur différents salons. Toutes ces rencontres m’ont permis de réaliser des couvertures de romans chez ActuSF, Mnémos, Mü et chez Homoromance, un éditeur québécois.

Sabrina Calvo – Délius : Une chanson d’été

Et avant d’en arriver là ? Depuis combien de temps dessines-tu ?

J’ai toujours dessiné ! Au départ, c’était une passion. J’ai envisagé très très tard d’en faire mon métier. En fait, j’étais prise au piège du cliché que ce n’était pas un métier très sérieux.  J’ai été plutôt éduquée pour m’orienter vers les filières scientifiques, choisir une solution rassurante, mais arrivée après le bac, je me suis rendu compte que j’avais vraiment envie de faire un métier visuel.

Au départ, j’ai fait design d’espace et en même temps une mise à niveau en arts appliqués. Et dans toute cette polyvalence, c’est vraiment l’illustration qui m’a  plu. Du coup j’ai fait un revirement d’orientation, abandonnant le design d’espace pour l’illustration et le graphisme. Je me suis dit,  à ce moment-là, qu’il y avait quelque chose pour moi qui m’attendait en  empruntant ce chemin.

Dans ta création, quels sont tes sujets de prédilection ?

Je suis très attachée aux univers de l’imaginaire, car c’est la majorité de mes lectures et une bonne partie de mon inspiration. Tomber sur ActuSF pour le stage, c’était un super coup de pouce, puis de pouvoir rester en contact avec des éditeurs qui font de la littérature « adult » et aussi « young adult ». Mais plus tard, ce n’est pas exclu que je fasse de la littérature jeunesse. Mais pour l’instant, je suis plutôt orienté fantasy et science-fiction. Et aussi fantastique.

Pierre Léauté – Les Temps Assassins

Quel est ton mode de fonctionnement pour réaliser une couverture ?

C’est assez particulier, car j’ai un fonctionnement différent selon les éditeurs. Je fonctionne avec un pitch, c’est assez rare que je lise le roman en entier, voire même un extrait. C’est arrivé sur des nouvelles, mais comme le format est plus court, c’est plus facile de lire le texte en entier.

Le pitch est généralement très détaillé. Je propose toujours trois roughs à peu près. J’avance sur celui qui a été choisi. En milieu de création, on jette un œil dessus, un petit coup de contrôle. Puis la réalisation jusqu’à la fin, avec quelques éventuelles retouches. Il y a un dialogue permanent avec l’éditeur.

Obsydian de Céline Walkowiak

Qu’est-ce que tu aimes dans le dessin ?

Ha la question piège ! (Rires) C’est une question de sensibilité sur laquelle j’ai beaucoup de mal à mettre de mots dessus. Depuis que je suis toute petite, c’est un moyen d’expression et d’évacuation. Le jour où j’ai décidé de le professionnaliser, j’ai trouvé ça intéressant de travailler avec d’autres personnes, de créer une fusion entre l’éditeur, l’illustrateur et l’écrivain.

Quand je réalise des choses plus individuelles, c’est créer une réaction chez les gens, les faire rêver et voyager. C’est un boulot très varié, enrichissant. A chaque projet, c’est comme un nouveau défi, une nouvelle façon d’aborder l’illustration.

Quelles sont tes méthodes d’illustration ?

J’aime beaucoup l’encrage, à travailler, avec le dynamisme que l’on peut trouver au pinceau, même à la plume parfois, mais un peu moins quand même. J’ai été très influencée par les comics ou certains illustrateurs en noir et blanc. Ma technique de prédilection, c’est quand même ça. Mais ça m’arrive aussi de faire d’autres techniques, l’acrylique, l’aquarelle. Parfois, je dois rendre une illustration couleur en numérique. Et parfois si je peux allier les deux, je le fais, comme pour la couverture de l’Hypothèse du Lézard. Là il y a eu encrage et ensuite les couleurs. J’aime bien quand c’est mixte en fait.

Alan Moore – L’hypothèse du Lézard

As-tu des illustrateurs qui t’ont marqué ?

Il y a une liste interminable !! (rires) Mais pour en citer quelques-uns : Sean Murphy, trait dynamique, équilibre entre le blanc et noir ; question bd, Matthieu Laufray, super travail à l’encrage ; et François Baranger, dans l’univers de Lovecraft.

A la fin de mes études, je me suis aussi renseigné sur le concept-art et j’ai rencontré pas mal d’illustrateurs de cet univers, notamment un polonais, Jakub Rozalski. Il crée des univers uchronique, c’est très impressionnant !  Et magnifique !

Et bien, merci Cindy Canévet, et bonne continuation !

Merci à vous également, et bonne fin de festival !

Un grand Merci à Cindy Canévet pour sa sympathie !

Entretien réalisé le 8 juin 2019 durant le festival imaJn’ère 2019 à Angers

Plus d’infos sur le WordPress de Cindy Canévet

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Bradbury, tout le monde le connaît plus ou moins implicitement de long en large.

N’importe quel lecteur de Science-fiction connaît le legs qu’il a laissé à la littérature avec les deux chef d’œuvres que sont Chroniques Martiennes (1950) et Fahrenheit 451 (1953). On connaît un peu moins ses nouvelles, même si à l’instar des deux œuvres citées, elles connurent de nombreuses adaptations diverses, que ce soit en comics (si, si et croyez-moi c’était au top) ou en films. Dans cette dernière catégorie on dénombre deux adaptations de Fahrenheit (l’une en 1966 signée François Truffaut, une autre en 2018 de Ramin Bahrani), une des Chroniques Martiennes en 1980 (plus ou moins une mini série de téléfilms au budget limité avec un Rock Hudson vieillissant) et même une de L’Homme Illustré qui nous intéresse ici-même sous le titre de « L’Homme tatoué » en 1969.

Le Maître et son chat

On imagine assez bien la difficulté dans ce dernier cas : que choisir comme histoires dans un recueil de nouvelles pour adapter le tout dans un seul film d’une heure quarante avec Rod Steiger ? Car oui, L’Homme Illustré est donc en amont un recueil de nouvelles que l’ami Ray publie en 1951 (paru chez nous en 1954). Et, il contient parmi les meilleures et plus connues de ses nouvelles par ailleurs.

Et même si l’on y retrouve pas forcément un fameux « Coup de tonnerre » (nouvelle tellement culte que Les Simpsons la parodièrent en hommage dans l’un de leurs Horror Show (épisode 6 de la 6ème saison)), on ne pourra que se délecter du reste, tellement riche et audacieux encore aujourd’hui.

On y côtoie sans mal la dénonciation du racisme (n’oublions pas qu’en 1950 la ségrégation raciale a encore cours aux États-Unis) avec « Comme on se retrouve » (géniale proposition qui inverse le rapport de forces entre Blancs et Noirs à la suite d’une nouvelle guerre nucléaire). On évoquera la religion, la liberté de culte ou l’altérité sur « L’Homme » (Que feriez-vous si, à peine débarqué sur une nouvelle planète, vous comprenez que vous avez loupé l’arrivée de Jésus Christ de quelques jours?) et « Les boules de feu ». Sans oublier qu’il faut se méfier des enfants sur « La brousse » ou « L’heure H » (Sérieusement, ne laissez pas vos mômes jouer avec n’importe qui…. ou n’importe quoi !). Il y aura aussi des invasions de toutes sortes et de tous points de vues avec « La Bétonneuse » (On est avec les martiens qui débarquent sur Terre pour s’apercevoir qu’en fait, face au capitalisme américain, ça ne sert pas finalement à grand chose d’annexer toute la planète ! On sent clairement derrière l’humour doux-amer de la nouvelle une critique bien cinglante de la société et de ses travers) et « La ville ». Et d’autres petits bijoux où se révèlent toute la verve humaniste de leur auteur comme « La fusée » (souvent reprise dans plusieurs anthologies diverses), « L’homme de l’espace » ou « La nuit dernière » (aussi nommée « La dernière nuit du monde » dans les éditions plus récentes… Où l’on suit tout simplement la dernière soirée d’un couple alors que le monde va disparaître).

Bref pour finir sur un adage gastronomique, « Tout est bon dans le Bradbury » !

L’homme illustré (The illustrated Man) – Auteur : Ray Bradbury – Editeur : Gallimard, collection Folio SF – 352 pages – paru en 2005

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Il s’est fait attendre le bougre ! Presque 2 ans après son annonce, et un petit report à début 2019, le 3ᵉ épisode de la saga Metro en jeu vidéo, Metro Exodus, est enfin sur les rails depuis mi-février. Autant dire qu’on s’est jeté dessus !

Avec Metro Exodus, le studio ukrainien 4A Games nous présente la suite directe de Metro 2033 et Metro Last Light, libres adaptations des romans Metro 2033, 2034 et 2035 de Dmitri Glukhovsky.

Metro Exodus amène une légère réorientation de la saga, en introduisant un semi-monde ouvert (le fameux « open world », très a la mode depuis quelques années) dans l’univers des jeux Metro, avec certaines zones spécifiques qui peuvent être explorées librement pour glaner des denrées, munitions, ou remplir des quêtes optionnelles.

La zone de la Volga est en grande partie explorable !

Le nom « Exodus » n’est évidemment pas innocent, puisqu’Artyom et son groupe, menés par Melnik, quittent Moscou en train pour tenter de retrouver le gouvernement prétendu disparu, mais qui serait en fait retranché quelque part et volontairement silencieux. Ce qui permettra aussi d’en savoir plus sur les mystérieux envahisseurs de l’ombre qui ont lancé ces missiles, à l’origine de l’état désastreux dans lequel leur monde se trouve depuis de nombreuses années.

Les lieux explorés dans Metro Exodus sont de ce fait beaucoup plus variés que les précédents opus, puisque la plupart des niveaux du jeu se trouvent désormais à la surface (bâtiments divers, village désertique, étendues inondées et portions de forêt, etc.)

On aura donc ici l’opportunité de voir du pays, ce qui change beaucoup l’ambiance du jeu, moins anxiogène qu’avant, même si quelques séquences stressantes assez réussies (notamment l’exploration d’un bunker souterrain infesté d’araignées mutantes, qui rappelle les conduits d’aération d’Alien !) sont toujours de la partie. L’exploration ouverte donne la part belle aux paysages magnifiques, les graphismes du jeu étant vraiment beaux, même si parfois une texture baveuse débarque d’on ne sait où…La gestion de la météo et le cycle jour / nuit renforce le réalisme, et le mode photo comblera les adeptes des plus beaux screenshots !

Ambiance western à la Caspienne !

Si le contexte des jeux précédents dépeignait les conflits entre les factions souterraines pour survivre, l’intrigue de Metro Exodus s’étoffe, notamment concernant l’influence sectaire (déjà présente dans les livres) et prend le pas sur l’aspect surnaturel, qui a quasiment disparu (les sombres étant totalement absents, tout comme le personnage de Khan par exemple) pour mieux se rapprocher d’un post-apo sous influence Mad Max (mais sans être aussi dynamique).

Grâce aux matériaux que vous allez trouver en fouillant un peu partout, vous pourrez créer des filtres pour votre masque a gaz, des trousses de secours, des munitions pour vos armes, etc. Comme dans les précédents jeux, votre chargeur à dynamo sera indispensable pour utiliser votre lampe torche, lunettes nocturnes, ou simplement pour rétablir l’électricité à certains endroits. Vos armes sont aussi entièrement modifiables lorsque vous aurez accès a un atelier improvisé.

Dans les jeux Metro, le gameplay et la mise en scène sont assez austères, mais contribuent a l’ambiance générale (ajoutez la version en russe sous-titré français, et vous êtes mis en condition !). Metro Exodus ne déroge pas à la règle. Même si la mise en scène est un peu plus présente qu’avant, vous devrez explorer, lire et écouter les messages audio et surtout rester lors des nombreuses discussions entre les personnages, et ce, sans aucune mise en scène pour dynamiser le tout.

On peut ainsi passer littéralement 5 min à écouter les membres de votre groupe discuter entre eux pour en savoir plus sur la situation où simplement mieux connaître les personnages. Le jeu regorge de dialogues complètement facultatifs (sans compter l’écoute des communications radio durant les longs trajets en train). Vous pourrez même jouer un peu de guitare et fumer en écoutant vos coéquipiers.

Le rendu des visages est très réussi.

Mais Metro Exodus n’est évidemment pas sans défauts. À commencer par une gestion des collisions d’un autre âge, ce qui peut être extrêmement frustrant lorsqu’on bute bêtement sur un simple objet à terre, où lorsque l’on se retrouve bloqué par le déplacement d’un PNJ (personnage non joueur) parce qu’on se trouvait au mauvais endroit à ce moment-là.

On peut noter aussi certains textes ou les voix se chevauchent parfois, on ne sait donc plus qui parle et qui dit quoi. Heureusement cela arrive uniquement lorsque l’on se trouve dans une zone avec des personnages lambda, les protagonistes étant relativement épargnés par ce fléau.

Enfin, la mise en scène est un peu austère, mais cela ne choquera pas vraiment les fans de la saga.

Conclusion

Servi par des graphismes parfois impressionnants et un monde semi-ouvert propice à l’exploration, Metro Exodus est une digne suite, au scénario différent des précédents mais suffisamment intéressant et dépaysant pour que l’on parcoure le titre avec plaisir !

Metro Exodus – Dev / Édit : 4A Games / Deep Silver – sorti le 15 février 2019 – 18+

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Effectivement, ce féru d’Uchronie a encore frappé. Et rajoute une contribution uchronique sur son cv. Vient de sortir récemment, chez Rivière Blanche, l’anthologie Dimension Uchronie volume 1.
On y retrouve quinze nouvelles, dont une nouvelle américaine de Jerry Oltion, traduite par Hermine Hémon et Erwan Devos. L’ensemble est surprenant et permet de voir le travail et la richesse que l’on peut puiser dans cette ressource infinie nommée Uchronie.

Je vous laisse le soin de les découvrir mais vous ne serez pas déçu par le menu. Vous plongerez dans un futur lointain avec Nouvelle-Sparte, d’Emilie Chevallier Moreux, texte court et humoristique qui entame le recueil de très bonne manière. Pour l’honneur de Rome, de Jean-Claude Renault, nous emmène au temps des Romains, avec quelques subtilités historiques. On y retrouve un certain hommage à l’écrivain Robert Silverberg. Petit apparté, l’auteur a sorti récemment aux Editions Nestiveqnen, l’Héritage du docteur Moreau, en deux volumes. Qui aime le steampunk, l’Uchronie, Jules Vernes et compagnie, y trouvera son bonheur. Nova Lua, de Clémence Godefroy, est une nouvelle très émouvante sur la spiritualité et le syncrétisme religieux. Elle part du postulat que d’une autre Histoire découle peut-être de nouvelles religions. J’ai bien aimé aussi Le Festival des Dragons de Tenochtitlan, de l’autrice Tesha Geriaki. On y retrouve son univers des chroniques de Mannaz. De l’humour, du cynisme, encore une nouvelle bien travaillée. Sans compter sur la participation de Pierre Léauté, auteur de la série des Temps Assassins, Emmanuel Chastellière et Sara Doke. Je ne connaissais pas Louis Gastebois. J’ai fait donc son heureuse connaissance à travers Projections, qui m’a tenu en haleine du début à la fin. J’ai bien apprécié l’ambiance. Et l’univers uchronique révélé par Louis Gastebois est assez effrayant (ha ha ha). Lisez et vous saurez.

Conclusion

Pari réussi pour cette première anthologie. J’ai apprécié la balade temporelle d’époque en époque, à découvrir de nouveaux mondes, imaginer aussi de nouvelles civilisations créées suite à un point de divergence. Dimension Uchronie est un parfait recueil à picorer avant de s’endormir pour faire de doux rêves uchroniques.

Deux autres volumes sont prévus pour la suite. Et nous en parlerons bien évidemment.

Je laisse les derniers mots au cher anthologiste, concernant la seconde illustration : « Après une statue de la République triomphante sur les Champs Elysées (anciennement Champ de Mars), vous découvrirez une statue symbolisant un japon bien différent de celui que nous connaissons, avec la représentation d’une Onna-bugeisha (femme combattante issue de la haute société), Nakano Takeko, qui changea l’issue de la guerre de Boshin (guerre civile japonaise). » Quant à la troisième couverture, nous verrons ça lors de la parution du volume 2.

Bonne lecture !

Le sommaire :

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Le MDR :  Bonjour Jean-Claude ! Plus qu’une interview à même de mesurer la Dunyactivity, je te propose un état des lieux de la planète Closter pour le site du Mont des Rêves. Et pour commencer, depuis la dernière fois, comment vas-tu (*) ?

J.C.Dunyach : C’est une période très agitée… En mal, parfois (un ou deux soucis de santé en cours de résolution) mais surtout en bien : de bonnes nouvelles côté littéraire – je termine un space-opera pour l’Atalante basé sur la nouvelle « Trois hourras pour Lady Évangeline » et j’ai divers projets pour l’étranger. Et surtout de bonnes nouvelles côté musique, dont je ne peux pas trop parler pour l’instant, mais qui m’excitent beaucoup.

Rajoutes-y le fait que je serai en cessation d’activité (pré-retraite) en mars 2019, autrement dit demain (plein de trucs à boucler avant de partir), et que je pars me ressourcer à Londres pour le réveillon, avec une liste d’envies longue comme mon bras… J’ai l’impression de faire du saut à l’élastique.

J’adore ça. Quand j’étais adolescent, je me suis promis que ma vie ne serait jamais ennuyeuse. C’est crevant, c’est souvent exagéré (je n’ai plus vingt ans, je devrais apprendre à ne pas trop me disperser, mais fuck !), mais c’est tellement mieux qu’une existence calme et monotone.

Tu as sorti récemment en 2015 et 2017, « L’instinct du Troll » et sa suite, « L’enfer du Troll ». Projettes-tu un 3ème tome, histoire d’avoir une petite trilogie ? Quels sont tes projets en cours et à venir au passage ?

Oui, il y aura un « Empire du Troll » en 2020, j’ai déjà entamé l’écriture et la pile de jeux de mots foireux atteint le niveau tsunami… Il y aura des dragons, des avocats, une crise financière et des parodies diverses. Les suspects habituels seront également au rendez-vous – ce n’est pas tout à fait Game of Thrones, ils ont de meilleures chances de survivre. Encore que…

Pour le reste, j’ai des novellas sur le feu et d’anciens projets dans lesquels je me replonge. Plus une ou deux nouvelles idées. Je vais avoir une retraite occupée.

Bon, justement, j’ai enfin pu lire « L’instinct du Troll » dernièrement et j’ai adoré ! Curieusement j’ai aussi bien pensé à Terry Pratchett que… la série « Lanfeust de Troy » d’Arleston et Tarquin (oui, oui, enfin le premier cycle de la bande dessinée, donc les 8 premiers tomes…). D’où t’est venue toute cette inspiration humoristique (« 50 nuances de grès » …joli, il fallait le faire !) imbriquée dans l’heroic-fantasy ?

L’inspiration, comme souvent, a été diverse et étalée dans le temps. Je suis un grand fan de Dilbert, le comic-strip qui se moque de la vie des ingénieurs et qui est ultra-populaire dans nos bureaux. Un jour, j’ai assisté à une réunion tellement déprimante que j’ai songé « c’est comme ça que les dinosaures ont disparu ! », ce qui a donné la nouvelle « Mémo pour Action » dans le recueil Dix jours sans voir la mer. Et un matin, sous la douche, j’ai essayé de réécrire dans ma tête Le Seigneur des Anneaux façon Dilbert, avant de rajouter un troll dans le tas. J’envisage d’ailleurs de créer une communauté de la boucle d’oreille, orientée LGBT.

Après, bien sûr, j’ai lu et relu Pratchett – j’adore sa méthode – et je connais Lanfeust et les Trolls de Troy (le tome qui parodie les Rolling Stones avec son sixpodes qui chante « Supercalifragilistiexpialidocious » est un pur moment de rock’n roll). Mais je crois que mon inspiration vient surtout de mon environnement de travail !

Je saute un peu du coq à l’âne mais il n’y avait pas une réédition prévue de ton « Roll over, Amundsen » (1993), prochainement ? As-tu remanié le livre par rapport à sa première édition ? Rajouté une postface, par exemple ? Je crois que ce roman a toute une histoire personnelle bien à lui, peux-tu l’évoquer un peu pour nous ?

Avant de rééditer le premier, je veux surtout écrire le tome 2 et dernier (« Une scène pour Amundsen »), qui est prêt dans ma tête. J’ai écrit quelques passages, j’ai un vague plan, mais je partirai à l’aventure… J’ai écrit le premier comme une impro, le second sera pareil.

La musique (tous les genres ou presque) a joué et joue un rôle majeur dans ma vie. J’ai été un guitariste chanteur (le monde n’était pas prêt, moi non plus…) et je reste un parolier actif, avec mon complice et ami de cœur Norbert Wilhelm (plus de 250 chansons ensemble au compteur !). Donc j’ai rassemblé suffisamment d’anecdotes vécues pour me sentir à l’aise là-dedans. Ça sera une gourmandise d’écriture, un de ces jours… Mes potes musiciens attendent ça avec impatience.

(Et pour info, il y a des gens vivants qui sont des personnages du bouquin…Mais chut !)

Une autre sauterie (c’est le cas de le dire !) pour le coup : Comme je te suis sur Facebook et que ce n’est probablement pas forcément le cas de tous tes lecteurs, je crois que tu avais écrit par pur amusement une nouvelle érotique en ligne, non ? Là aussi peux-tu en parler un peu ? Une sortie sur papier de prévue en tirage limité prochainement (je verrais bien La Musardine éditer ça…) ?

Pas une nouvelle, un roman entier… Je voulais juste savoir si j’en étais capable – au début, ça avait représenté une espèce de défi. Écrire un roman porno, tendance BDSM, en essayant de soigner le style et les descriptions sensorielles.

Donc j’ai finalisé la chose en septembre de cette année, j’en ai fait un livre numérique (avec une magnifique couverture et deux photos intérieures signées BénéYann Photography, allez voir leur page Facebook, c’est superbe). J’ai pris un pseudo totalement inconnu et j’ai mis ça en ligne sur Amazon comme ouvrage autoproduit, persuadé que je n’en vendrais pas un (il y a eu 81 autres bouquins érotiques comme le mien déposés ce jour-là, tu imagines la partouze).

Je me trompais, j’en ai déjà vendu plus de cent, et ça continue… À plus de soixante balais, je viens de trouver ma voie : raconter des bêtises (le Troll) et des trucs cochons…

J’en ferai peut-être un tirage papier collector, pourquoi pas (peut-être via Amazon print-on-demand). Mais, franchement, c’est juste un exercice de style. Pas de quoi grimper aux rideaux.

Pour les obsédés qui me lisent (j’ai les noms), le bouquin s’appelle Susan en Images (de Lucy A. Arman) et on le voit ici :

https://www.amazon.fr/Susan-en-Images-Lucy-Arman-ebook/dp/B07J49P93B/

Ou ici, pour ceux qui n’aiment pas Amazon, ou qui préfèrent un ePub :

https://www.smashwords.com/books/view/899982

Voilà, je pense que nous avons fait le tour de cette mise à jour Dunyachienne. Je ne reviens pas sur la suite d’Étoiles mortes/mourantes, on aura bien le temps de voir venir… Je te dis à l’an prochain !

L’an prochain dans cette galaxie… Ou une autre ?

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(*) Interview réalisée à la toute fin de l’année 2018.

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Les Expos

Beb-deum, illustrateur et auteur de BD français (Métal Hurlant, Bürocratika et bien d’autres) a eu l’honneur d’illustrer l’affiche de cette 19ᵉ édition des Utopiales. Il était donc logique qu’une expo lui soit consacrée au sein du festival, ainsi qu’une rencontre et une master class.

Mondiale tm – Fugu kiss

Basée sur le « livre d’art fictionné » du même nom, avec le texte d’Alain Damasio, l’expo Mondiale de Beb-deum nous questionnait sur la posthumanité. Peintures numériques de portraits multi-métissés, agrémentés de séquences vidéos, on découvrait un monde étrange mais assez fascinant !

Dans un autre registre, Exoplanètes s’attachait, en se basant le plus possible sur des données scientifiques, à tenter une représentation artistique de planètes extrasolaires existantes, mais jamais visitées. Peintes par Manchu, avec des textes de David Fossé, l’expo nous faisait voyager dans l’univers gigantesque qu’il reste encore à explorer…

Voyage au centre de la galaxie, proposé par le CEA – Le Commissariat à l’Énergie atomique et aux Énergies alternatives – nous permettait de parcourir les différentes étapes de l’évolution des étoiles, et ainsi découvrir la diversité des astres. L’expo était accompagnée de 2 activités annexes, un jeu nommé Le prisonnier quantique, et une démonstration de la chambre à brouillard, pour mieux comprendre une expérience de physique nucléaire.

Conçu comme un long couloir divisé en 3 pièces, C’est arrivé demain était une exposition itinérante qui proposait 3 expériences en collaboration avec 3 auteurs. Dans la première pièce, Shangri-La, de Mathieu Bablet, une tablette nous permettait de se déplacer dans un monde virtuel, et découvrir de nombreux lieux inspirés de la BD éponyme.

C’est arrivé demain

Avec son décor de la station spatiale internationale, Dans la combi de Thomas Pesquet de Marion Montaigne proposait une vidéo d’une visite guidée par Thomas Pesquet dans l’ISS, avec sur un 2ème écran une reconstitution virtuelle des lieux.
Enfin, place au casque VR avec Universal War I, de Denis Bajram (qui avait bénéficié d’une belle expo aux Utopiales 2016, voir notre article ici), qui nous plongeait dans le cockpit d’un vaisseau spatial durant quelques minutes.

Cabinet de curiosités, mis en scène par les étudiants de l’Ecole d’architecture de Nantes et proposé par la Bibliothèque municipale de Nantes, exposait différents animaux et créatures réelles ou imaginaires.

Le petit bestiaire fantastique, de Thomas Olivri et Mister Hope, regroupait de nombreuses illustrations de monstres issus de la pop culture. Sur ces tableaux, on pouvait autant croiser King Kong que le Yéti (et même Cthulhu !), avec un style graphique très agréable !

L’imaginaire de l’Orient, proposé par la Science & Fantasy Growth Foundation, donnait un premier aperçu de la science-fiction chinoise, l’occasion d’observer le travail de 4 artistes, dont 2 lauréats du prix « Morning Star », seul concours public de SF en Chine.

Jeux vidéos et pôle ludique

Du côté vidéoludique, on retrouvait Homo Machina, une co-production ARTE / Darjeeling (les développeurs du très bon Californium, dont on avait parlé ici), un jeu de réflexion sur le fonctionnement du corps humain, à la manière d’une usine des années 20, et inspiré par les illustrations médicales de Fritz Kahn.

Homo Machina (Darjeeling)

A long way down jouait la carte du RPG et jeu de cartes au tour par tour, tandis que Sigma Theory voyait ses magnifiques portraits illustrés par Benjamin Carré exposés en grand format. Enfin, Greedfall avait lui aussi droit à de superbes peintures !

Le pôle ludique mettait à disposition de nombreux jeux de figurines, de rôle et de société, dont Nome 2.0, jeu en cours de développement créé par Frédéric Langlois et Bruno Ligier, où vous tenterez de découvrir les réels desseins de l’A.S.T.R.E., une agence scientifique qui a mis sous quarantaine une zone sinistrée par l’impact d’une météorite à Nome, en Alaska (plus d’infos ici). Le célèbre jeu Les Loups-Garous de Thiercelieux était aussi de la partie.
Une nuit ludique était même organisée, avec notamment Battlestar Galactica ou Star Wars Destiny, mais nous n’avons malheureusement pas eu le temps d’y aller.

Notez enfin que nous ferons prochainement la chronique de la Bande-dessinée Ces jours qui disparaissent, de Thimoté Le Boucher, qui a remporté le Prix Utopiales Bande-dessinée.

Ne reste plus qu’à attendre la prochaine édition des Utopiales, qui se déroulera du 30 octobre au 4 novembre 2019 ! Mais avant cela, rendez-vous aux 15ᵉ Rencontres de l’Imaginaire de Sèvres le 24 novembre, dont l’invité cette année sera Peter F.Hamilton !

Merci à Estelle Lacaud, ainsi qu’à tous les organisateurs(trices) des Utopiales qui chaque année nous proposent un événement aussi riche et varié !

Pour mieux découvrir le corps

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Le Mont des Rêves a fait un petit tour aux Utopiales 2018, le festival international de science-fiction de Nantes, qui a eu lieu du 31 octobre au 5 novembre, et accueilli pour sa 19ᵉ édition plus de 90 000 visiteurs cette année. Et comme d’habitude, il y a tellement de contenu qu’il y en a pour tous les goûts !

Le festival des Utopiales propose conférences et rencontres, expos, projections de films et courts-métrages en compétition internationale, ainsi qu’un pôle ludique, bande dessinée, jeux vidéo, manga et même un dîner de l’imaginaire avec « Science-Festin » ! Cette année, « le corps » était à l’honneur !

Comportant une trentaine de conférences par jour, il serait trop long d’en parler, mais n’hésitez-pas à y jeter un œil (ou une oreille) car certaines étaient très intéressantes. Vous pouvez en visionner la plupart sur le site ActuSF, ainsi que sur la chaîne Youtube de Laurence Honnorat. Merci à eux !

Courts et long métrages

On commence dans la salle Dune, avec la 5ᵉ session de courts-métrages en compétition internationale (la seule que nous ayons pu voir), particulièrement variée et riche en créativité.

Parmi les plus intéressants, Rust in peace, de Wim Welles – qui a reçu la Mention spéciale du jury – nous présente un robot au look très années 50, qui se réveille dans une décharge, et repart chercher son créateur qui ne veut plus vraiment de lui. Le côté collant du robot envers son maître est assez drôle et l’ensemble fonctionne plutôt bien.
72 %, de Lluis Quilez, expose sa population au manque d’eau. Symbolisé par quelques personnes au milieu d’un désert, qui attendent patiemment chaque jour qu’une bouteille sale se remplisse d’eau depuis une source inconnue venue du ciel, le court-métrage est exagérément long. La fin vaut le coup, mais il n’était clairement pas nécessaire d’attendre aussi longtemps…
Réalisé par Shinya Sugai, Walking Meat redynamisait la session avec ses personnages qui luttent pour survivre dans une usine de zombie, les morts vivants étant devenus une source de nourriture tendance. Dans le plus pur style japonais, cet anime est bien rythmé, drôle et gore.
Toujours du côté des zombies, mais plus sérieux, Riley was here, de Jon Rhoads et Mike Marrero, nous présente un accro aux drogues taper à la porte d’une femme, afin d’explorer un besoin très particulier. Très réussi, Riley was here est sans contexte l’un des meilleurs courts-métrages de cette session !
Session qui se terminait par Lo Siento Mi Amor, d’Eduardo Casanova, dont on ne vous dira quasiment rien pour ne pas révéler la chute, si ce n’est que l’idée est excellente, et le tout bien réalisé. Complètement délirant mais bien trouvé !

Plutôt que de regarder Assassination Nation (qui a finalement reçu le Grand Prix du Jury), nous nous sommes engouffrés dans la salle Solaris, où était projeté Violence Voyager, en présence de son jeune réalisateur originaire de Kyoto, nommé Ujicha, et dont c’est le 2ᵉ long métrage. Il utilise la technique « Gekimation » (littéralement « drame animation »), de petites figurines peintes sur du papier ou du carton, puis animées a la main et filmées en direct, sans oublier des effets spéciaux (fumée, vapeur, liquides divers) pour dynamiser le tout. Proche du principe de motion comics, en plus rudimentaire, on n’imagine pas le temps qu’il faut pour réaliser un film d’animation d’1h20. Violence Voyager est donc une expérience particulière, tant les personnages, sans animation labiale, paraissent pourtant dotés de vie, Ujicha utilisant en plus abondamment les procédés cinématographiques en changeant régulièrement la mise au point d’un personnage à l’autre. Le film raconte la découverte par 2 enfants, Bobby et Akkun, d’un parc d’attraction caché, Violence Voyager, qui cache une triste réalité. Inspiré notamment de films d’horreurs occidentaux, l’univers est assez glauque et fait la part belle aux mutations, dans un style typiquement japonais. Une belle découverte donc, à ne pas mettre toutefois entre toutes les mains, par son contexte très mature.

Ujicha et son interprète juste avant la projection

Après la projection, Ujicha nous a gentiment accordé une photo et nous a même offert un livret de présentation (tout en japonais, et dont il n’avait qu’une dizaine d’exemplaires) de The Burning Buddah Man, son premier long métrage, que nous avons d’ailleurs aussi vu au passage.

Précédé du court métrage Tempura, The Burning Buddah Man est moins abouti et surtout beaucoup plus complexe que Violence Voyager, mais faisait déjà preuve de beaucoup de créativité et d’un style visuel original.

Le lendemain, retour à la salle Dune pour voir Office uprising, de Lin Oeding, une comédie assez délire ou les employés de la société d’armement Ammutech deviennent complètement tarés et agressifs à cause de Zolt, une boisson énergisante. On y suit une poignée de personnages (notamment Jane Levy, vue dans le remake d’Evil Dead et dans Don’t Breathe) qui tentent de survivre dans leur entreprise en proie aux massacres collectifs. Gros délire gore et drôle, Office Uprising, sans être un grand film, est une très bonne surprise bien fun, légère, bien interprétée et bien réalisée !

Mandy, réalisé par Panos Cosmatos et projeté en séance spéciale, était une toute autre histoire. Au début des années 80, un couple subit l’attaque du gourou d’un culte démoniaque et de ses motards venus des enfers. Sa femme ayant été kidnappée, Red (Nicolas Cage) décide de partir en croisade pour la récupérer.
Autant le dire clairement, on n’a pas accroché au concept très « arty » et à la mise en scène boursouflée. C’est une histoire de vengeance classique dans le fond, mais originale dans la forme, dont l’esthétique renvoie aux années 70/80. Grain prononcé, couleur baveuses, ambiance hallucinogène, références à de nombreux films, Nicolas Cage qui pète un câble, etc. De ce côté-là c’est plutôt réussi, mais que c’est long et ennuyeux, pour en fin de compte pas grand-chose !

Côté rétro, ça a commencé assez fort avec deux films de David Cronenberg. La Mouche, mercredi matin pour fêter le début des Utopiales 2018, et Vidéodrome en fin de journée.

Sorti en 1986, la Mouche est toujours agréable à regarder. Un classique pour les amateurs de science-fiction. Enfin, je ne sais pas si agréable est le mot juste. Avec Chris Walas aux manettes des effets spéciaux, certains passages sont assez impressionnants et horrifiants. Et le film n’a pas pris une ride. De bons effets spéciaux combinés aux bonnes prestations de Jeff Goldblum et Geena Davis en font donc un film culte. Précisons juste que c’est un remake de La Mouche noire, film réalisé par Kurt Neumann en 1958, qui s’est lui-même inspiré de la nouvelle de l’écrivain George Langelaan. La Mouche est une fable tragique, un film poignant, où l’amour se mêle au désespoir d’une fin inéluctable.

Ambiance radicalement différente avec Vidéodrome, sorti en 1983. Max, joué par James Woods, dirige une petite chaîne de télé, plutôt branché sur l’érotique, le pornographique et la violence. Une nuit, il capte, avec l’un de ses employés, une émission brésilienne, Vidéodrome, chaîne malsaine qui diffuse tortures et sévices sexuels. Véritables enregistrements ? Reconstitutions ? Difficile pour Max de cerner le réel du fantastique. Petit à petit, la fiction prend peut-être le pas sur la réalité. Ou son imagination. Max se retrouve pris dans un engrenage malsain, plongé à la fois dans une réalité contemporaine et un univers télévisuel qui se mélangent à l’intérieur de sa tête sous formes d’hallucinations de plus en plus fréquentes. Une aliénation mentale progressive qui démontre l’emprise des images et de la télévision sur notre cerveau. On y voit la puissance du pouvoir cathodique. Je vous laisse d’ailleurs découvrir pour ceux qui ne l’ont pas vu notre cher ‘“secours cathodique”’ vu par Cronenberg. Encore un film, pas trop suranné, qui fait date. Vidéodrome n’a pas trop marché à sa sortie mais reste aujourd’hui un film apprécié dans la filmographie cronenbergienne. Notons pour ces deux films la musique réussie d’Howard Shore, sombre, sobre, oppressante (surtout pour Vidéodrome).

Jeudi matin, nous sommes allés voir The Thing, du maître John Carpenter, film que l’on apprécie beaucoup au Mont des Rêves ! Le film était rediffusé dans la salle Solaris, comme les deux Cronenberg d’ailleurs. Point besoin ici de résumer l’histoire. Sorti en 1982, The Thing est un film culte, un classique de l’épouvante/horreur SF. Le film a été diffusé dans sa version restaurée, et il est magnifique ! L’image, les couleurs, le son, les effets spéciaux de Rob Bottin, un film parfait pour les yeux et les oreilles.
Petite anecdote : le film a déjà été présenté aux Utopiales il y a quelques années, et un réalisateur – laissons-le anonyme – l’ayant visionné, décida de réaliser un préquel afin de voir ce qui s’était passé pour l’équipe norvégienne, dont on aperçoit les deux derniers survivants au début du film. Il présenta un scénario aux grands studios qui refusèrent poliment. Quelques années plus tard, le préquel se retrouva sur le grand écran, plus précisément en 2011, dirigé par un autre (obscur et peu prolifique) réalisateur, Matthijs van Heijning. Un film qui rentre dans la catégorie, aussitôt vu, aussitôt oublié…Quant à l’original, il rentre plutôt dans la catégorie inoubliable.

Les contes merveilleux de Ray Harryhausen

Plutôt que de voir le palmarès ciné final (décidément, nous ne verrons jamais Assassination Nation…), nous avons préféré revenir en enfance le temps d’une projection, avec Les Contes merveilleux de Ray Harryhausen, qui regroupe en un peu plus de 50 minutes 5 courts-métrages réalisés à la fin des années 40 et début 50. On y trouvait Le Petit chaperon rouge, Hansel et Gretel, Raiponce, Le roi Midas et Le lièvre et la tortue. Ces courts-métrages sont évidemment très édulcorés et assez enfantins par rapport aux contes d’origine, mais l’ensemble était très plaisant et l’animation impressionnante !

Pour finir avec le ciné, sachez que même si nous n’avons pas vu les revoir durant ces Utopiales 2018, étaient projetés Frankenstein, La fiancée de Frankenstein, Frankenstein Junior ainsi que Frankenweenie, à l’occasion des 200 ans de Frankenstein ou le Prométhée moderne (1818-2018)

Plus d’infos : https://www.utopiales.org/edition-2018/

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