En effet, avec un 1er novembre qui tombe un vendredi, le festival a fait le plein. On a jamais vu une telle foule aux conférences, à la librairie ou pour les projections ciné.

C’est évidemment d’un côté une bonne chose pour les Utopiales 2019, mais de l’autre il devenait souvent difficile de circuler librement, et au vu du nombre comme toujours impressionnant de choix d’activités, il s’est révélé beaucoup plus ardu de pouvoir assister à tout ce que l’on voulait.

Cette année, le thème choisi était Coder / Décoder.

Voici donc un compte-rendu concis de ce que l’on a pu voir, avec quelques photos comme d’habitude.

Longs-métrages

Nous avons pu assister à la projection de 4 films totalement différents les uns des autres.

Dans Proxima d’Alice Winocour, Eva Green interprète Sarah, astronaute française qui se prépare à une longue mission dans l’espace. On suit son quotidien à entraînement, ses relations avec ses collègues (que des hommes) et sa séparation avec sa fille de 8 ans. On pourrait penser à un mélodrame vu et revu maintes fois, mais Proxima profite d’un traitement suffisamment fin pour éviter ces écueils. On assiste aux entrainements dans des conditions réelles des astronautes, les personnages sont vraiment attachants et convaincants (Eva Green et sa fille en tête), et le film n’en devient que plus touchant.

Signal 100 de Lisa Takeba, projeté le 1er novembre au soir, est une adaptation du manga du même nom, où un groupe d’élèves dans une école japonaise se retrouve littéralement hypnotisées par leur professeur, victimes d’une vague de suicides s’ils ne respectent pas certaines règles bien précises. Malheureusement, on a pas du tout accroché au film, qui respecte peut-être le manga (que nous n’avons pas lu), mais qui se révèle comme souvent dans ce genre d’adaptation inutilement long, lourd et très cliché, à l’image d’Assassination Classroom l’année dernière…

The Room de Christian Volckman nous montre une famille qui emménage dans une nouvelle maison isolée. En faisant des travaux, ils découvrent une pièce cachée étrange qui exhausse n’importe quel vœu matériel, mais à quel prix ? Ce film est une très bonne surprise, qui va très loin dans son délire, et malgré quelques petites maladresses, est plutôt réussi et a beaucoup d’idées bien exploitées.

On termine les long-métrages avec Selfie, un film français diffusé en avant-première, regroupant 5 réalisateurs pour 5 récits entremêlés sur le thème de la relation entre les gens et la technologie. Pour être honnête, on aurait pas misé un kopeck sur ce film, mais il faut reconnaître qu’il sort de l’ordinaire des comédies françaises habituelles (en vrac, une des nombreuses questions que ces réalisateurs s’étaient posées avant la production du film : « Est-il possible de faire une comédie française sans Christian Clavier ? », applaudi par la salle). Pas parfait, mais Selfie fait mouche assez souvent, et cela fait plaisir de voir le cinéma français se remettre un peu en question dans sa manière d’aborder la narration !

Nous voulions aller voir la 1ère du film d’animation Weathering with you de Makoto Shinkaï (réalisateur de Your Name), mais les demandes étant trop nombreuses nous n’avons malheureusement pas pu y assister.

Courts-métrages

Du côté des courts-métrages, nous avons vu 3 des 4 sessions proposées, assez qualitatives même si comme d’habitude on retrouve toujours un court-métrage expérimental étrange qui traîne (oui c’est à toi que je pense « La Mer des Sargasses n°21/164 – L’invention de la mer », totalement conseillé aux personnes épileptiques…).

Par ordre des sessions, on retiendra Widdershins de Simon Biggs, – qui a remporté le Prix du Public cette année – animation stylisée en noir et blanc où un gentilhomme part à la recherche d’une femme rebelle, assez drôle et bien réalisé.

Snowflakes de Faye Jackson, ou 2 migrantes qui doivent être expulsées de Grande-Bretagne vers la Jamaïque assistent à la disparition des gardes qui les retiennent dans un grand nuage de poussière, un fléau qui ne touche que les blancs…

CC des Spears sisters, avec une nounou androide qui prend son travail un peu trop au sérieux.

Flotando de Frankie de Leonardis, dans lequel un cosmonaute se réveille dans une station spatiale endommagée, bien réalisé et assez drôle dans sa manière d’aborder le sujet.

La Noria de Carlos Baena, très beau court-métrage d’animation en 3D à la technique impressionnante, sur la mort d’un père perçue par son petit garçon. L’un de nos coups de coeur !

The Third Hand de Yonatan Weisberg, où un employé de bureau lamba découvre une pièce cachée dans la cafeteria, révélant une photocopieuse très particulière…

Storm de Will Kindrick (qui a reçu le Prix Canal +), où dans une société qui régit les couples par compatibilité imposée, un célibataire va tout faire pour retrouver celle qui lui correspond malgré l’interdiction. Bourré de bonnes idées et vraiment bien réalisé.

Enfin, Slice of life de Luka Hrgovic & Dino Julius, avec son ambiance à la Blade Runner (et qui tient la route artistiquement et techniquement, chose suffisamment rare pour un court-métrage pour être soulignée) où un trafiquant de drogue tente de réunir les 100 0000 crédits pour quitter la ville décadente dans laquelle il vit, mais c’était sans compter sur un flic corrompu…

Conférences

Aux Utopiales 2019, le nombre de conférences était comme à l’accoutumée impressionnant !
Ayant plutôt privilégié les projections, nous n’avons malheureusement assisté qu’à un très petit nombre d’entre elles.
La plupart sont cependant enregistrées et retransmises sur le site d’ActuSF (voir en bas d’article). Merci à eux !

Animée par Esther, hackeuse et chercheuse indépendante de l’association Exodus Privacy, Sur la piste des mouchards numériques était une conférence très intéressante sur ce que nos portables disent de nous, à notre insu bien sûr !

De manière claire et accessible, elle a fait participer les spectateurs en les invitant à se connecter aux Wifi du festival, pour nous montrer, par intermédiaire d’un PiRogue – un petit terminal informatique basé sur un Raspberry Pi – ce qu’une simple connexion pouvait révéler de notre téléphone, le tout en temps réel. Implacable et très instructif !

Michael Roch, auteur agréable, dynamique et drôle, nous a concocté une conférence très intéressante sur l’Afrofuturisme, des origines à nos jours, tout en laissant une part importante de son temps au public. Lors de sa conférence, Michael Roch a gentiment, mais pas subtilement, lancé le sujet de l’appropriation culturelle et sur le fait, pour les Blancs, d’écrire de l’afrofuturisme. Sa réponse est claire : non. Mais le débat est lancé…

Petit point sur le prix BD et le palmarès

Concernant le palmarès cette année, le grand prix du jury va cette année à Little Joe (sorti en salle le 13 novembre), de Jessica Hausner, avec Emily Beecham et Ben Wishaw. Un film que nous avons pu voir le dimanche lors de la rediffusion du grand prix. Personnellement, on a préféré The Room. Mais Little Joe reste un film agréable, soigné esthétiquement parlant. Et, concernant les courts-métrages, c’est l’Eau, de Andrea Dargeni, qui remporte le prix.

Pour la bande-dessinée, c’est Un Gentil Orc Sauvage qui remporte la mise. Un livre drôle traitant de thématiques actuelles, notamment sur le sujet des migrants et de la migration actuelle qui s’étend un peu partout dans le monde.

Et le prix littéraire est attribué à Christian Léourier pour sa novella, Helstrid.

Expos

Illustrateur de l’affiche des Utopiales cette année, Mathieu Bablet était à l’honneur avec une belle expo qui lui était consacrée.

Malheureusement, avec tout ce que l’on a pu voir durant cette édition, nous avons totalement oublié de prendre des photos de cette expo…on vous invite donc tout simplement à visiter son compte Twitter pour suivre son actualité et admirer ses oeuvres !

Assortie d’une grande pyramide inversée, l’expo Le Dernier Pharaon nous faisait découvrir des illustrations et planches de l’artiste Laurent Durieux pour le nouvel album hors série de Blake et Mortimer sorti en mai dernier, réunissant les talents de François Schuiten, du cinéaste Jaco Van Dormael, du romancier Thomas Gunzig et de Laurent Durieux.

Le dernier Pharaon – pyramide

Intitulée Le Vaisseau Amiral, une expo était consacrée à Jean-Claude Mézières (qui avait créé l’affiche des Utopiales en 2002) sur son travail pour Valérian et Laureline, ainsi que pour le film de Luc Besson Le 5ᵉ Elément.

Décryptages était quant à lui « un laboratoire futuriste imaginé et mis en scène par les élèves de l’Ecole d’Architecture de Nantes », en association avec la Bibliothèque municipale, le Chronographe, la Labo des Savoirs, le Musée Jules Verne, le Muséum d’Histoire Naturelle et le Planétarium (rien que ça !). Au programme, langage codés, modification de l’ADN et décodage des rayures du zèbre !

Du côté des jeux vidéo, quelques illustrations étaient présentées aussi pour Haven, un jeu vidéo du studio montpelliérain The Game Breakers prévu pour 2020, dont un panneau assez impressionnant.

Une librairie très fréquentée cette année !

On termine ce compte-rendu des Utopiales 2019 en faisant un petit tour du côté de la librairie, où nous avons croisé Pierre Léauté qui s’apprêtait à rejoindre les dédicaces d’ici quelques minutes. Nous avons aussi eu l’occasion de retrouver Jean-Laurent Del Socorro et Bertrand Campeis (l’anthologie Dimension Uchronie volume 1). Cindy Canévet était aussi présente, mais nous n’avons malheureusement pas eu l’occasion de lui parler (vous pouvez retrouver néanmoins son interview durant le festival imaJn’ères ici).

On connaît déjà la date de la prochaine édition des Utopiales : Rendez-vous du 29 octobre au 2 novembre 2020 !

Et un grand Merci à Estelle Lacaud et à toute l’équipe organisatrice des Utopiales 2019 !

Pour décoder les Utopiales 2019 :

L’article Utopiales 2019 – Coder / Décoder ! est apparu en premier sur Le Mont des Rêves.

En gros, le roi Gradlon tombe amoureux de la princesse Malgven et s’enfuit avec elle. Malgven – qui n’existe dans le mythe qu’à partir du XIXème siècle –  tombe enceinte et meurt en donnant naissance à leur fille Dahud. Gradlon, le père, tombe en dépression et trouve la rédemption grâce à un ermite et la foi chrétienne, sans oublier ses anciennes croyances. Tout du moins au début. Les choses ne conviennent pas à Dahud, fille farouche, rieuse, aimant la vie, qui finit par bouder. Et surtout en rapport à la foi et à la vision pas très glorieuse de la religion chrétienne sur la place de la femme.

Il construit donc à sa fille la cité d’Ys – cadeau d’anniversaire, hochet évolué, vous choisissez – pour qu’elle donne libre cours à ses élans, ses aspirations et ses envies. Ys(biza) devient donc une cité libre et progressiste. On y danse, on y fait la fête, on y fait l’amour, bref, on y fait pas mal de choses que l’on ne fait pas du côté de chez Gradlon où le plus important, c’est de construire une cathédrale à la gloire de Dieu et de prier pour son âme, afin d’éviter la damnation éternelle. L’Ermite s’énerve contre la fille du roi et sa cité. Il invoque la luxure, la fornication et autres faits dus à l’engeance païenne, et à revers, Dahud, un peu magicienne du côté maternel, se lance dans de grands projets pour combler une faille que je vous laisse découvrir. Dahud expérimente aussi l’organisation, le pouvoir et la difficulté de gérer une ville. Rappelons-le, c’est un mythe celtique et breton. En conséquence, les choses ne se passent jamais bien et ne finissent généralement pas comme chez Walt Disney.

Cette revisitation du mythe est plutôt réussie. Annaïg au scénario et Loïc Sécheresse au dessin ont réussi à adapter le mythe au monde contemporain. On y retrouve des thèmes importants comme l’émancipation, la recherche de soi, la place des femmes dans la société, l’aliénation d’une nouvelle religion – dans le cas présent, aliénation sur la société celtique. Dahud représente l’émancipation, les choix que l’on doit effectuer au cours d’une vie. C’est aussi la voix de la déraison, du penser autrement, de vivre dans une certaine liberté. Avec fougue et fureur, elle se bat contre le système patriarcal et la christianisation. Le père, lui, se bat contre ses démons, contre les colères de sa fille qui n’est pas du genre à rentrer dans le rang du conformisme. Au départ, il intègre la nouvelle religion avec ses anciennes croyances. Mais ce n’est pas au goût de l’ermite, rejetant catégoriquement le syncrétisme religieux. Celui-ci l’incite d’ailleurs à abandonner ses anciens dieux. En y réfléchissant, le syncrétisme n’est pas une mauvaise solution, notamment dans un cadre d’assimilation, de mélange et d’ouverture. Mais la foi catholique, intransigeante, ne fait pas dans la tolérance.

Pour en venir au dessin, ne l’oublions pas, parce qu’il fait partie intégrante de la réussite de cet album. Pas facile au premier regard mais dès les premières pages lues, on est vite à l’aise. C’est un dessin en mouvement, parfois chaotique, coloré, voire sombre à certains moments, faisant bien ressentir les sentiments des personnages.  Il y a de la courbe, des angles pas forcément droits, de belles perpectives. Un dessin qui entre bien en corrélation avec l’histoire et les dialogues.

Conclusion

Très bonne découverte donc. Nous voilà hors des sentiers battus. On tourne les pages, on réfléchit et on y prend plaisir. Ys est une bande-dessinée bien maîtrisée par les deux protagonistes. Allez-y jeter un oeil ou deux, ça vaut le détour !

Lennadenn vat deoc’h !! (bonne lecture)

Voilà le résumé officiel : « Dahud, fille unique du roi Gradlon, tente de préserver Ys, cité libre et progressiste, de la religion chrétienne. Une vision contemporaine et graphiquement sublime du célèbre mythe de la cité engloutie…

Parti combattre, le roi Gradlon s’éprend d’une reine guerrière qui meurt en accouchant de leur fille.

Inconsolable, il se désintéresse de tout, jusqu’à sa rencontre avec un ermite chrétien qui le convainc d’embrasser sa foi. Hostile à cette religion patriarcale, sa fille Dahud s’exile à Ys, la cité que son père a bâti pour elle. Mais les ambitions de vie alternative que la jeune femme y développe rencontrent rapidement l’hostilité de l’homme d’église… »

L’article Ys, fable contemporaine percutante est apparu en premier sur Le Mont des Rêves.

Les Expos

Beb-deum, illustrateur et auteur de BD français (Métal Hurlant, Bürocratika et bien d’autres) a eu l’honneur d’illustrer l’affiche de cette 19ᵉ édition des Utopiales. Il était donc logique qu’une expo lui soit consacrée au sein du festival, ainsi qu’une rencontre et une master class.

Mondiale tm – Fugu kiss

Basée sur le « livre d’art fictionné » du même nom, avec le texte d’Alain Damasio, l’expo Mondiale de Beb-deum nous questionnait sur la posthumanité. Peintures numériques de portraits multi-métissés, agrémentés de séquences vidéos, on découvrait un monde étrange mais assez fascinant !

Dans un autre registre, Exoplanètes s’attachait, en se basant le plus possible sur des données scientifiques, à tenter une représentation artistique de planètes extrasolaires existantes, mais jamais visitées. Peintes par Manchu, avec des textes de David Fossé, l’expo nous faisait voyager dans l’univers gigantesque qu’il reste encore à explorer…

Voyage au centre de la galaxie, proposé par le CEA – Le Commissariat à l’Énergie atomique et aux Énergies alternatives – nous permettait de parcourir les différentes étapes de l’évolution des étoiles, et ainsi découvrir la diversité des astres. L’expo était accompagnée de 2 activités annexes, un jeu nommé Le prisonnier quantique, et une démonstration de la chambre à brouillard, pour mieux comprendre une expérience de physique nucléaire.

Conçu comme un long couloir divisé en 3 pièces, C’est arrivé demain était une exposition itinérante qui proposait 3 expériences en collaboration avec 3 auteurs. Dans la première pièce, Shangri-La, de Mathieu Bablet, une tablette nous permettait de se déplacer dans un monde virtuel, et découvrir de nombreux lieux inspirés de la BD éponyme.

C’est arrivé demain

Avec son décor de la station spatiale internationale, Dans la combi de Thomas Pesquet de Marion Montaigne proposait une vidéo d’une visite guidée par Thomas Pesquet dans l’ISS, avec sur un 2ème écran une reconstitution virtuelle des lieux.
Enfin, place au casque VR avec Universal War I, de Denis Bajram (qui avait bénéficié d’une belle expo aux Utopiales 2016, voir notre article ici), qui nous plongeait dans le cockpit d’un vaisseau spatial durant quelques minutes.

Cabinet de curiosités, mis en scène par les étudiants de l’Ecole d’architecture de Nantes et proposé par la Bibliothèque municipale de Nantes, exposait différents animaux et créatures réelles ou imaginaires.

Le petit bestiaire fantastique, de Thomas Olivri et Mister Hope, regroupait de nombreuses illustrations de monstres issus de la pop culture. Sur ces tableaux, on pouvait autant croiser King Kong que le Yéti (et même Cthulhu !), avec un style graphique très agréable !

L’imaginaire de l’Orient, proposé par la Science & Fantasy Growth Foundation, donnait un premier aperçu de la science-fiction chinoise, l’occasion d’observer le travail de 4 artistes, dont 2 lauréats du prix « Morning Star », seul concours public de SF en Chine.

Jeux vidéos et pôle ludique

Du côté vidéoludique, on retrouvait Homo Machina, une co-production ARTE / Darjeeling (les développeurs du très bon Californium, dont on avait parlé ici), un jeu de réflexion sur le fonctionnement du corps humain, à la manière d’une usine des années 20, et inspiré par les illustrations médicales de Fritz Kahn.

Homo Machina (Darjeeling)

A long way down jouait la carte du RPG et jeu de cartes au tour par tour, tandis que Sigma Theory voyait ses magnifiques portraits illustrés par Benjamin Carré exposés en grand format. Enfin, Greedfall avait lui aussi droit à de superbes peintures !

Le pôle ludique mettait à disposition de nombreux jeux de figurines, de rôle et de société, dont Nome 2.0, jeu en cours de développement créé par Frédéric Langlois et Bruno Ligier, où vous tenterez de découvrir les réels desseins de l’A.S.T.R.E., une agence scientifique qui a mis sous quarantaine une zone sinistrée par l’impact d’une météorite à Nome, en Alaska (plus d’infos ici). Le célèbre jeu Les Loups-Garous de Thiercelieux était aussi de la partie.
Une nuit ludique était même organisée, avec notamment Battlestar Galactica ou Star Wars Destiny, mais nous n’avons malheureusement pas eu le temps d’y aller.

Notez enfin que nous ferons prochainement la chronique de la Bande-dessinée Ces jours qui disparaissent, de Thimoté Le Boucher, qui a remporté le Prix Utopiales Bande-dessinée.

Ne reste plus qu’à attendre la prochaine édition des Utopiales, qui se déroulera du 30 octobre au 4 novembre 2019 ! Mais avant cela, rendez-vous aux 15ᵉ Rencontres de l’Imaginaire de Sèvres le 24 novembre, dont l’invité cette année sera Peter F.Hamilton !

Merci à Estelle Lacaud, ainsi qu’à tous les organisateurs(trices) des Utopiales qui chaque année nous proposent un événement aussi riche et varié !

Pour mieux découvrir le corps

L’article Utopiales 2018 – Expos et pôle ludique est apparu en premier sur Le Mont des Rêves.

Le Mont des Rêves a fait un petit tour aux Utopiales 2018, le festival international de science-fiction de Nantes, qui a eu lieu du 31 octobre au 5 novembre, et accueilli pour sa 19ᵉ édition plus de 90 000 visiteurs cette année. Et comme d’habitude, il y a tellement de contenu qu’il y en a pour tous les goûts !

Le festival des Utopiales propose conférences et rencontres, expos, projections de films et courts-métrages en compétition internationale, ainsi qu’un pôle ludique, bande dessinée, jeux vidéo, manga et même un dîner de l’imaginaire avec « Science-Festin » ! Cette année, « le corps » était à l’honneur !

Comportant une trentaine de conférences par jour, il serait trop long d’en parler, mais n’hésitez-pas à y jeter un œil (ou une oreille) car certaines étaient très intéressantes. Vous pouvez en visionner la plupart sur le site ActuSF, ainsi que sur la chaîne Youtube de Laurence Honnorat. Merci à eux !

Courts et long métrages

On commence dans la salle Dune, avec la 5ᵉ session de courts-métrages en compétition internationale (la seule que nous ayons pu voir), particulièrement variée et riche en créativité.

Parmi les plus intéressants, Rust in peace, de Wim Welles – qui a reçu la Mention spéciale du jury – nous présente un robot au look très années 50, qui se réveille dans une décharge, et repart chercher son créateur qui ne veut plus vraiment de lui. Le côté collant du robot envers son maître est assez drôle et l’ensemble fonctionne plutôt bien.
72 %, de Lluis Quilez, expose sa population au manque d’eau. Symbolisé par quelques personnes au milieu d’un désert, qui attendent patiemment chaque jour qu’une bouteille sale se remplisse d’eau depuis une source inconnue venue du ciel, le court-métrage est exagérément long. La fin vaut le coup, mais il n’était clairement pas nécessaire d’attendre aussi longtemps…
Réalisé par Shinya Sugai, Walking Meat redynamisait la session avec ses personnages qui luttent pour survivre dans une usine de zombie, les morts vivants étant devenus une source de nourriture tendance. Dans le plus pur style japonais, cet anime est bien rythmé, drôle et gore.
Toujours du côté des zombies, mais plus sérieux, Riley was here, de Jon Rhoads et Mike Marrero, nous présente un accro aux drogues taper à la porte d’une femme, afin d’explorer un besoin très particulier. Très réussi, Riley was here est sans contexte l’un des meilleurs courts-métrages de cette session !
Session qui se terminait par Lo Siento Mi Amor, d’Eduardo Casanova, dont on ne vous dira quasiment rien pour ne pas révéler la chute, si ce n’est que l’idée est excellente, et le tout bien réalisé. Complètement délirant mais bien trouvé !

Plutôt que de regarder Assassination Nation (qui a finalement reçu le Grand Prix du Jury), nous nous sommes engouffrés dans la salle Solaris, où était projeté Violence Voyager, en présence de son jeune réalisateur originaire de Kyoto, nommé Ujicha, et dont c’est le 2ᵉ long métrage. Il utilise la technique « Gekimation » (littéralement « drame animation »), de petites figurines peintes sur du papier ou du carton, puis animées a la main et filmées en direct, sans oublier des effets spéciaux (fumée, vapeur, liquides divers) pour dynamiser le tout. Proche du principe de motion comics, en plus rudimentaire, on n’imagine pas le temps qu’il faut pour réaliser un film d’animation d’1h20. Violence Voyager est donc une expérience particulière, tant les personnages, sans animation labiale, paraissent pourtant dotés de vie, Ujicha utilisant en plus abondamment les procédés cinématographiques en changeant régulièrement la mise au point d’un personnage à l’autre. Le film raconte la découverte par 2 enfants, Bobby et Akkun, d’un parc d’attraction caché, Violence Voyager, qui cache une triste réalité. Inspiré notamment de films d’horreurs occidentaux, l’univers est assez glauque et fait la part belle aux mutations, dans un style typiquement japonais. Une belle découverte donc, à ne pas mettre toutefois entre toutes les mains, par son contexte très mature.

Ujicha et son interprète juste avant la projection

Après la projection, Ujicha nous a gentiment accordé une photo et nous a même offert un livret de présentation (tout en japonais, et dont il n’avait qu’une dizaine d’exemplaires) de The Burning Buddah Man, son premier long métrage, que nous avons d’ailleurs aussi vu au passage.

Précédé du court métrage Tempura, The Burning Buddah Man est moins abouti et surtout beaucoup plus complexe que Violence Voyager, mais faisait déjà preuve de beaucoup de créativité et d’un style visuel original.

Le lendemain, retour à la salle Dune pour voir Office uprising, de Lin Oeding, une comédie assez délire ou les employés de la société d’armement Ammutech deviennent complètement tarés et agressifs à cause de Zolt, une boisson énergisante. On y suit une poignée de personnages (notamment Jane Levy, vue dans le remake d’Evil Dead et dans Don’t Breathe) qui tentent de survivre dans leur entreprise en proie aux massacres collectifs. Gros délire gore et drôle, Office Uprising, sans être un grand film, est une très bonne surprise bien fun, légère, bien interprétée et bien réalisée !

Mandy, réalisé par Panos Cosmatos et projeté en séance spéciale, était une toute autre histoire. Au début des années 80, un couple subit l’attaque du gourou d’un culte démoniaque et de ses motards venus des enfers. Sa femme ayant été kidnappée, Red (Nicolas Cage) décide de partir en croisade pour la récupérer.
Autant le dire clairement, on n’a pas accroché au concept très « arty » et à la mise en scène boursouflée. C’est une histoire de vengeance classique dans le fond, mais originale dans la forme, dont l’esthétique renvoie aux années 70/80. Grain prononcé, couleur baveuses, ambiance hallucinogène, références à de nombreux films, Nicolas Cage qui pète un câble, etc. De ce côté-là c’est plutôt réussi, mais que c’est long et ennuyeux, pour en fin de compte pas grand-chose !

Côté rétro, ça a commencé assez fort avec deux films de David Cronenberg. La Mouche, mercredi matin pour fêter le début des Utopiales 2018, et Vidéodrome en fin de journée.

Sorti en 1986, la Mouche est toujours agréable à regarder. Un classique pour les amateurs de science-fiction. Enfin, je ne sais pas si agréable est le mot juste. Avec Chris Walas aux manettes des effets spéciaux, certains passages sont assez impressionnants et horrifiants. Et le film n’a pas pris une ride. De bons effets spéciaux combinés aux bonnes prestations de Jeff Goldblum et Geena Davis en font donc un film culte. Précisons juste que c’est un remake de La Mouche noire, film réalisé par Kurt Neumann en 1958, qui s’est lui-même inspiré de la nouvelle de l’écrivain George Langelaan. La Mouche est une fable tragique, un film poignant, où l’amour se mêle au désespoir d’une fin inéluctable.

Ambiance radicalement différente avec Vidéodrome, sorti en 1983. Max, joué par James Woods, dirige une petite chaîne de télé, plutôt branché sur l’érotique, le pornographique et la violence. Une nuit, il capte, avec l’un de ses employés, une émission brésilienne, Vidéodrome, chaîne malsaine qui diffuse tortures et sévices sexuels. Véritables enregistrements ? Reconstitutions ? Difficile pour Max de cerner le réel du fantastique. Petit à petit, la fiction prend peut-être le pas sur la réalité. Ou son imagination. Max se retrouve pris dans un engrenage malsain, plongé à la fois dans une réalité contemporaine et un univers télévisuel qui se mélangent à l’intérieur de sa tête sous formes d’hallucinations de plus en plus fréquentes. Une aliénation mentale progressive qui démontre l’emprise des images et de la télévision sur notre cerveau. On y voit la puissance du pouvoir cathodique. Je vous laisse d’ailleurs découvrir pour ceux qui ne l’ont pas vu notre cher ‘“secours cathodique”’ vu par Cronenberg. Encore un film, pas trop suranné, qui fait date. Vidéodrome n’a pas trop marché à sa sortie mais reste aujourd’hui un film apprécié dans la filmographie cronenbergienne. Notons pour ces deux films la musique réussie d’Howard Shore, sombre, sobre, oppressante (surtout pour Vidéodrome).

Jeudi matin, nous sommes allés voir The Thing, du maître John Carpenter, film que l’on apprécie beaucoup au Mont des Rêves ! Le film était rediffusé dans la salle Solaris, comme les deux Cronenberg d’ailleurs. Point besoin ici de résumer l’histoire. Sorti en 1982, The Thing est un film culte, un classique de l’épouvante/horreur SF. Le film a été diffusé dans sa version restaurée, et il est magnifique ! L’image, les couleurs, le son, les effets spéciaux de Rob Bottin, un film parfait pour les yeux et les oreilles.
Petite anecdote : le film a déjà été présenté aux Utopiales il y a quelques années, et un réalisateur – laissons-le anonyme – l’ayant visionné, décida de réaliser un préquel afin de voir ce qui s’était passé pour l’équipe norvégienne, dont on aperçoit les deux derniers survivants au début du film. Il présenta un scénario aux grands studios qui refusèrent poliment. Quelques années plus tard, le préquel se retrouva sur le grand écran, plus précisément en 2011, dirigé par un autre (obscur et peu prolifique) réalisateur, Matthijs van Heijning. Un film qui rentre dans la catégorie, aussitôt vu, aussitôt oublié…Quant à l’original, il rentre plutôt dans la catégorie inoubliable.

Les contes merveilleux de Ray Harryhausen

Plutôt que de voir le palmarès ciné final (décidément, nous ne verrons jamais Assassination Nation…), nous avons préféré revenir en enfance le temps d’une projection, avec Les Contes merveilleux de Ray Harryhausen, qui regroupe en un peu plus de 50 minutes 5 courts-métrages réalisés à la fin des années 40 et début 50. On y trouvait Le Petit chaperon rouge, Hansel et Gretel, Raiponce, Le roi Midas et Le lièvre et la tortue. Ces courts-métrages sont évidemment très édulcorés et assez enfantins par rapport aux contes d’origine, mais l’ensemble était très plaisant et l’animation impressionnante !

Pour finir avec le ciné, sachez que même si nous n’avons pas vu les revoir durant ces Utopiales 2018, étaient projetés Frankenstein, La fiancée de Frankenstein, Frankenstein Junior ainsi que Frankenweenie, à l’occasion des 200 ans de Frankenstein ou le Prométhée moderne (1818-2018)

Plus d’infos : https://www.utopiales.org/edition-2018/

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Light Yagami, lycéen surdoué et consciencieux est ce qu’on pourrait appeler l’élève modèle type. Premier de la classe, doté d’un Q.I exceptionnel, il est le lycéen parfait et on ne lui connaît même aucun défaut. Tellement parfait qu’il y a de quoi s’inquiéter d’une vie si carrée et trop propre. Évidemment le jour où il met la main sur un mystérieux carnet noir, le Death Note, tout va voler en éclats.

Le principe du carnet est simple, mais son application dans le manga ouvre des possibilités presque infinies au scénario. Quiconque inscrit un nom dans le Death Note voit alors la personne mentionnée s’effondrer d’une crise cardiaque, 60 secondes après. Celui qui se sert du carnet en devient donc son nouveau propriétaire. Ce qui n’empêche pas les propriétaires légitimes, les dieux de la mort (shinigami), d’être du coup vus par celui qui utilise le carnet (et pouvoir même être touchés). Light utilisant le carnet de Ryuk, ce dernier l’accompagnera tout le long et ne sera vu que par le lycéen, mais ne prendra jamais parti.

Comme notre bonhomme a un gros problème d’ego et que son cerveau commençait déjà difficilement à passer les portes, il se dit que ce serait formidable du coup d’instaurer un nouvel ordre au monde où seuls les méchants (tueurs en séries, criminels divers, pédophiles, on en passe et des meilleures (ou pires plutôt)) seraient tués par une divinité à même de rendre la justice sans aucune entrave humaine ou morale : Kira (en fait la prononciation japonaise de killer).

Eh oui, voilà ce que c’est que d’avoir un papa policier et d’avoir comme lui un sens très aigu de la justice. Si en plus vous êtes fans de Dirty Harry et des méthodes expéditives on en sort plus…

Il n’en faut pas plus pour que très vite Light se heurte à un antagoniste de choix en la personne de « L », super détective représentant la justice des hommes, et tentant de coffrer ce super-méchant qui se permet de punir plus ou moins à sa guise. Parce que sous prétexte de faire régner la justice, on peut effectivement se poser la question de savoir si moralement Kira ne se trompe pas parfois et ne tue pas un innocent par erreur. Et surtout, a t-il bien le droit d’agir comme ça en toute impunité ?

Pourtant la série n’approfondira jamais vraiment les questions morales posées par cet acte problématique de tuer impunément. Soyons clair et ce sera le défaut principal que l’on va évacuer d’emblée : On ne lit pas Death Note pour y trouver un quelconque précis de philosophie qui nous éclairerait sur le sens de nos vies.

En revanche si l’on cherche une œuvre mixant génialement thriller, policier, fantastique et horreur avec un scénario quasiment en béton, oui là, c’est parfait. On pourra toutefois chipoter sur le fait que l’histoire parfois se complexifie un peu trop toute seule (« ah ah je sais ce que tu penses que je sais mais je penses que tu ne sais pas ce que je pense que…. » On a limite parfois l’impression d’avoir la retranscription d’un sketch des Inconnus ou des Nuls). C’est un peu gênant. Comme l’impression de voir son meilleur ami commencer à parler tout seul dans son coin pendant 30 minutes alors qu’on est en public et que tous les regards se tournent soudain vers lui.

Parce qu’au fond, Death Note c’est ça et tout l’aspect cérébral qu’on a pu lui reprocher vient de là : L’affrontement de deux super-cerveaux. On pourrait même aller plus loin et voir là l’affrontement d’un super-héros contre un super-méchant. L’un aurait un super pouvoir de déduction le rendant aussi incroyable que Sherlock Holmes (3), l’autre le don de tuer à distance selon son humeur ou sa morale. 2 machines performantes. Des autistes même !

Première rencontre entre Light et L…

Et c’est là la faiblesse et la force de Death Note. Parce que d’un côté, impossible de s’attacher à Light ou L. Ils sont à leur manière trop calculateurs et manquent cruellement d’humanité, et même une poignée de porte s’avère plus intéressante qu’eux, c’est dire… Ils n’évolueront pas vraiment d’ailleurs et partagent aussi le point commun d’être aussi manipulateurs l’un que l’autre pour arriver à leur fins. Et ce n’est pas parce que L travaille avec Interpol qu’il n’aura aucun scrupule à tendre un piège à Kira, et placer dès le départ un condamné à mort à sa place lors d’un passage à la télé pour que ce dernier le tue en direct et donc tombe dans le panneau. Comme je l’ai évoqué plus haut, aspect moral, zéro (4).

Mais en même temps donc c’est la force du manga que d’aller directement dans cet affrontement incessant qui va de plus en plus loin dans les coups fourrés en tous genres. Et en cela c’est probablement un choix scénaristique assumé vu qu’on ne prend donc aucunement parti pour l’un et l’autre camp. On a tout aussi envie que L gagne, que Light arrive à ses fins et se débarrasse de lui. Cela en devient donc jouissivement insupportable puisque comme dans n’importe quelle série, on en ressent un état de manque, on en veut toujours plus. Et c’est ce que va faire Tsugumi Ohba en complexifiant de plus en plus l’histoire au point parfois d’y perdre son lecteur. On aura plus un Kira, mais plusieurs. Tout comme plusieurs super-enquêteurs par la suite, plusieurs dieux de la mort, et plusieurs façons de faire mourir quelqu’un en inscrivant son nom dans le carnet…

Heureusement comme écrit plus haut, le manga va à l’essentiel. Death Note se lit non seulement facilement mais a l’avantage de ne faire qu’une dizaine de tomes (13 en format poche, 6 en grand format, la Black edition). Il faut aussi souligner le dessin très stylisé d’Obata qui s’amuse à faire ressortir avec une belle aisance une ambiance noire et poisseuse avec une économie de moyens (5), des cadrages soignés et une mise en page constamment dynamique.

Conclusion

En somme Death Note est non seulement addictif et passionnant. A l’heure où tout va très vite, il n’a pas pris une ride et constitue encore aujourd’hui un manga de choix dont le culte n’est pas usurpé et qu’on peut se relire (redécouvrir) avec un grand plaisir.

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1. Liée au « Whitewashing » Hollywoodien. Où la possibilité de remplacer un casting ethnique ou représentant une certaine minorité uniquement que par des acteurs blancs de peau. Citons comme exemple récent, l’adaptation live de Ghost in the shell, chroniqué d’ailleurs ici au Mont des Rêves.

2. Outre le manga, il y eut 2 romans et 3 films live (voire une comédie musicale !) de Death Note.

3. Bon, cela dit, « L » a moins d’élégance qu’un Benedict Cumberbatch. Oui, on chipote.

4. C’est peut-être un détail mais sociologiquement il a son importance : Le Japon applique encore aujourd’hui la peine de mort (par pendaison). Il ne serait donc pas si étonnant que le scénariste manque de recul là dessus.

5. Quitte à se croire dans un véritable Film Noir (merci les grands aplats à l’encre de chine), le fantastique en plus.

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Un bleu très prégnant.

L’histoire débute avec la biologiste marine Lee Archer, recrutée par le gouvernement pour une expédition secrète en plein Arctique. Une étrange créature a été capturée dans les fonds sous-marins. Lee Archer, spécialiste de la faune sous-marine, découvre avec stupeur une réelle chimère marine. Sirène impressionnante, imposante, rapide, et pour le moins, agressive. L’équipe de recherche est constituée d’un professeur de folklore et mythologie, d’un mercenaire, d’un agent du gouvernement et d’un autre professeur des fonds marins. La base, située sous la mer et accessible par un petit submersible, est un hommage certain aux deux films cultes, The Abyss et The Thing.

La base secrète.

D’ailleurs, la première partie est un huis-clos stressant, nerveux et oppressant, servi par une histoire rythmée, intéressante, dans laquelle se mêlent des mythes et légendes chers à Scott Snyder. Quelle est cette chimère ? D’où vient-elle ? Que recherche-t-elle ? Beaucoup de questions, et des réponses qui viendront ingénieusement dans la deuxième partie. Il faut également noter l’originalité de certaines idées : la base sous-marine, un catamaran sous-marin de combat et d’autres surprises… A souligner aussi l’effet hallucinogène du poison émis par la créature marine qui instille en nous nos propres peurs et souvenirs. La chimère s’infiltre dans notre esprit. Sonde notre âme. L’abysse s’analyse ici comme métaphore de notre inconscient qui ressurgit par une descente en profondeur. Une première partie abyssale, sombre et glaçante.

Le ton jaune-orange.

La deuxième partie de The Wake change assez radicalement. Les couleurs sont plus chaudes, on y observe un ton jaune orange qui accompagne très bien l’univers post-apocalyptique que l’on découvre dès les premières pages. Notons encore une fois l’excellent travail de Matt Hollingsworth qui a d’ailleurs colorisé toute la bande-dessinée en une seule fois. Pour ce travail, il s’est inspiré du fameux peintre d’estampe sur bois japonais, Hiroshi Yoshida.

L’histoire n’est plus confinée, l’action se passe géographiquement sur plusieurs fronts et s’élargit vers d’autres horizons insoupçonnés. Pour converger vers une fin habile, surprenante et maîtrisée. Les idées et théories proposés par Scott Snyder ne sont ni hasardeuses, ni à mettre au placard. Elles nous poussent même à réfléchir aux questions métaphysiques qui traversent notre esprit et ont traversé l’esprit de bons nombres de nos ancêtres. Qui sommes-nous ? D’où vient-on ? Où allons-nous ?

Conclusion

Pari réussi pour The Wake qui revisite magistralement les origines de l’espèce humaine et l’évolution de l’humanité, tout en nous emmenant dans les tréfonds des abysses pour exorciser nos propres démons.

Vous trouverez cette belle intégrale chez Urban Comics.

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Le Mont des Rêves : Commençons par le commencement, quelles sont tes influences ?

Le Pixx : Moebius bien sûr pour le premier qui me vient en tête là. Tout l’esprit Metal Hurlant des 80’s. Pas mal de culture comics. Mais pas forcément les mecs en collants hein (souriant et précisant vu que dans l’intervalle je demandais s’il faisait références aux auteurs indépendants). Il faut qu’il y ait autre chose que juste du super-héros.

J’ai vu que tu avais un pied dans le jeu vidéo…

17 ans de journalisme dans la presse papier pour le jeu vidéo (Joystick, Joypad, IG Mag…)… Parce que je n’arrivais pas à me nourrir par le dessin. A forces de choses je suis devenu prof et j’enseigne le dessin et le jeu vidéo, dans deux cours différents (à Sup’info game et 3IS)

Combien de temps passes-tu sur un dessin ?

(arborant un large sourire, goguenard) : …..Toute une vie ?

Mais pour le dessin le plus long que tu ait fait ?

En fait, il ne faut pas regarder sa montre dans ce métier, sinon autant faire autre chose. C’est une passion qui prend forcément du temps.

Tu viens de sortir un (magnifique) carnet de croquis aux éditions Armada, tu connaissais donc Michel Borderie qui dirige la collection ?

Oui, bien sûr, je connais Michel depuis longtemps même. C’est lui qui est venu me voir et m’a demandé si ça ne me dérangeait pas de trouver près de 200 dessins pour le carnet. Il m’en reste encore plein, j’ai de quoi faire. …Pour un second tome ?

Je vois tout un storyboard là… Tu as une BD de prévu ?

Le storyboard est déjà fini et l’encrage est en bonne voie. Tu en as un bon aperçu. Après la difficulté maintenant ce n’est plus la BD mais de trouver des éditeurs… et qui sont prêts à prendre des risques. Et à notre époque, mouais (en arborant une moue)…

Merci pour cette dédicace, elle est géniale !

Mon plaisir.

Et pour vous aussi vous nourrir le regard de magie, n’hésitez pas à visiter le site du Pixx !

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Gillon (1926 – 2011) n’en était à vrai dire pas à son coup d’essai. Quand il commence à publier La survivante en 1985 au sein du magazine L’écho des savanes pour une édition reliée chez Albin Michel ensuite, il a auparavant tâté de la SF avec Jean-Claude Forest au scénario et la culte série des Naufragés du temps. Moins crue que ne le sera sa petite sœur, Les naufragés ne s’embarrassaient pourtant pas d’une histoire adulte et déjà désespérée ponctuée d’un érotisme étrange et joyeusement déviant où une humanité à la dérive fusionne avec des espèces animales.

Sur La survivante, Gillon a tout loisir de réaliser sa pièce-maîtresse avec une histoire qu’il va mener de bout en bout sur non pas juste un tome, mais 4. Comment du coup, tenir la route et ne jamais lasser le lecteur ? En ne livrant jamais toutes ses cartes, même si dès les premières pages (scans perso des 6 premières planches en fin d’article pour vous donner plus qu’envie), tout semble déjà irrémédiablement donné. Et c’est noir, très noir.

On découvre donc une Aude Albrespy qui émerge d’une grotte souterraine pour s’apercevoir horrifiée qu’il n’y a plus personne à la surface. Toute forme de vie humaine, mais aussi animale comme l’on s’en apercevra bien vite, semble avoir été calcinée et redevenue poussière. Le spectre du nucléaire et de la déflagration atomique pointent le bout de leur nez mais il s’agit d’autre chose, d’innommable, puisque les bâtiments et décors sont toujours intacts, inchangés. Zéro radiation. Seul ce qui était vivant a irrémédiablement disparu.

Très vite notre héroïne tente d’organiser sa survie et de remonter sur Paris afin d’y trouver peut-être un espoir. Las ! Il n’y a plus rien. Ce qui reste de l’humanité, ce sont « les cybers », les robots utilitaires qui composaient avec les humains, les aidaient dans les travaux ménagers, le bricolage, les courses, l’entretien de la ville… Et tandis que notre héroïne se rattache désespérément au sexe pour ne pas sombrer dans une solitude immense et déshumanisée, les cybers s’organisent. Leurs intelligences artificielles comprennent lentement mais sûrement que sans l’Homme, ce n’est pas plus mal. C’est peut-être même mieux que prévu. Reste à voir comment se réorganiser et surtout quoi faire de cette humaine, dernier reliquat de puissants maîtres disparus…

La survivante n’est pas seulement érotique, elle est même complètement pornographique et c’est en soi bien humain : La dernière pulsion de vie qui évite de sombrer dans la mort ici c’est le sexe. Qu’il soit pratiqué seul ou bien plus tard avec l’aide d’Ulysse, le robot domestique de l’hôtel 4 étoiles où loge Aude, un jour qu’elle n’en peut plus. Peu après l’acte, notre héroïne contemple la carcasse du robot qui semble se reposer comme un humain : « Merde alors ! Cette ferraille est glacée !… Il est vraiment culotté ce larbin ! » avant de le flanquer violemment à la porte de la chambre et de se raisonner : « Je suis injuste ? Et après ? Ulysse n’est qu’une foutue mécanique, non ? » Mais quelque part le mal est fait et l’humanisation progressive d’Ulysse comme des autres machines part peut-être de ça,

de cet acte animal où les corps se relient et communient pour n’en former plus qu’un.

Car n’en doutons pas, en plus d’une (bonne) histoire de cul, La survivante est aussi une bonne histoire de science-fiction. Mine de rien, Gillon interroge la notion de survie dans un environnement devenu si inhumain qu’on le croit volontiers assez réaliste (excepté la date où arrive la catastrophe, 2007… Qui apparaît être maintenant dans notre propre passé, mais bon, c’est une erreur type de la SF non ?), réfléchit aux liens qui unissent les robots et les humains (indice, les lois de la robotique d’Asimov en prennent un coup dans l’aile maintenant qu’il n’y a quasiment plus d’humains), arrive même à nous faire espérer que la vie puisse renaître…

Mais en dévoiler toute la richesse serait trahir cette saga et ses quatre tomes dorénavant regroupés dans une sublime intégrale chez Drugstore depuis 2011 et nous ne pouvons que vous conseiller d’y jeter un œil (à défaut d’un membre) : par curiosité peut-être mais tout aussi bien par passion devant un dessin élégant et racé et une histoire de haut vol, captivante dans toute sa noirceur et sa crudité.

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Non. Il s’agit tout bonnement d’Invincible. Jeune super-héros dont le corps est à ce moment-là plus projeté contre des buildings que volant de son plein gré dans une scène faisant furieusement penser à celles qui parsèment le final dantesque du film Man of Steel de Zack Snyder (1).

Et l’on ne serait pas étonné qu’en retour le film de Snyder se soit enrichi de scènes qu’on jurerait reprises de ce jeune comics ayant fait sienne la modernité apparue entre autres avec des auteurs tels que Alan Moore et Frank Miller, voire encore plus récemment dans des problématiques toutes aussi adultes mais plus violentes par un Millar avec qui Kirkman semble parfois partager le goût des scènes limites un peu gores.

Portrait d’une jeunesse en collants

La série naît en 2002 sous la plume de Robert Kirkman (scénario) et  le crayon de Cory Walker (dessin). A l’époque Kirkman n’a pas encore connu le succès mondial que l’on sait sur The walking dead qu’il développera l’année d’après. Il travaille alors dans une boutique de comics, sa principale passion d’ailleurs, et souhaite se rapprocher de cet univers (2). Sa rencontre avec Cory Walker va faire des étincelles même si c’est évidemment sa série sur les zombies qui va dans un premier temps avoir un succès grandissant puis international… Au point de voir ensuite comme on le sait tous, le développement d’une série live en 2010 sur la chaîne AMC sous le parrainage du cinéaste Frank Darabont.

Dans la foulée, le comics Invincible, lui, change très vite de dessinateur (le surdoué Ryan Ottley prend la relève mais Walker reste dans le coin, revenant régulièrement pour le design de nouveaux personnages) tandis que la Paramount elle-même achète les droits d’adaptation cinématographique en 2005 sans que rien ne soit encore paru à ce jour.

Il y a pourtant de quoi faire depuis 2002 quand on y pense.

Reprendre les codes de Civil War ? Easy !

Que raconte Invincible ? Principalement l’histoire d’un jeune homme, Mark Grayson, plongé dans un monde de super-héros et dont le père n’est autre qu’Omni-man, sorte de Superman ayant aussi une majeure partie des mêmes pouvoirs que son aîné de DC comics, la vision laser et l’aversion à la kryptonite en moins. C’est également l’homme le plus fort de ce monde. Quand à Mark, jeune étudiant tout ce qu’il y a de plus banal à première vue, il attend d’avoir des pouvoirs hérités de papa Nolan à la puberté. C’est ce qui arrive dès le premier tome (3), d’une manière tellement banale qu’elle en est immédiatement drôle. Mais dans un monde où le super-héroïsme est constamment de rigueur, comment pourrait-il en être autrement ?

Ce jour là, Mark faisant un petit boulot dans un fast-food, notre héros sort les poubelles, les balance dans le vide ordure. Mais c’est pour les voir disparaître de la stratosphère dans la même case. Juste après, étonnement du jeune héros et unique commentaire : « Ah ben c’est pas trop tôt. » Deux pages plus loin, repas de famille et quand Debbie sa mère l’interroge : « Bon… et ta journée, Mark ? », ce dernier de répondre : « Cool. Je crois que ça y est, j’ai des supers pouvoirs ». Et sa mère continuant de regarder son assiette : « C’est très bien. Passe-moi les patates, veux-tu ? »

Et c’est juste la page 9 du premier tome.

L’une des grandes forces du comics, c’est de jouer constamment sur l’humour et le sérieux, non pas en balançant des punchlines de dérision comme chez Marvel, mais en créant un décalage constant et fin sur l’univers des super-héros tel que nous le connaissons généralement face à ce que nous définissons comme l’humanité basique.

Décalage dès lors des plus savoureux puisque nous suivons un adolescent entrant dans l’âge adulte et connaissant des problèmes d’adultes avec en toile de fond les superpouvoirs et la question de comment les gérer. Une relecture de Superman en somme mais fusionnée directement aux références du genre « teen » (4) d’une part, de la science-fiction d’autre part.

Teen, parce qu’il est pile dans l’âge adolescent. Et comme n’importe quel jeune homme, Mark a des problèmes qui le concernent directement : comment faire avec les profs ? Les potes ? Les filles ? D’ailleurs faut-il dès lors cacher son identité de super-héros comme papa vis-à-vis de ses potes (et donc feindre la comédie) ou avouer la vérité ? Et les filles ne préfèrent-elles pas les humains « améliorés » au fond ou bien n’est-ce pas plus compliqué ?

Science-fiction, parce que la série ne se fixe aucune limite, quitte à emmener son héros ensuite bien loin de la Terre et s’apercevoir qu’elle n’est qu’une goutte d’eau dans l’océan.

Le cocktail est donc d’autant plus explosif que les meilleurs moments se focalisent souvent sur la psychologie des personnages, débarrassés presque de l’imagerie des pouvoirs. Les petits détails donc, insérés dans les grands rouages de l’action.

A ce propos, notons d’ailleurs que l’humour est comme séparé des scènes d’action, voire des scènes graves. Il y a bien sûr quelques punchlines pour la forme mais comme cela a été signalé précédemment, elles n’interviennent en fait pas aussi constamment que dans des œuvres du Marvelverse (5). Kirkman et Ottley connaissent leurs super-héros sur le bout des doigts et clament leur amour en prolongeant les bases connues non pas dans la simple parodie mais dans une oeuvre sincère et passionnée. Et évidemment, quand c’est drôle, on rit. Bon. Mais quand c’est sérieux, là, autant dire qu’on ne moufte plus. Plus loin dans le comics, le sang coulera, et Kirkman n’aura aucun état d’âme à faire disparaître certains personnages auxquels on a pu s’attacher.

Influences de la série

Toute la force d’un comics qui sait être addictif est dans sa manière de se renouveler à long terme et savoir surprendre son lecteur constamment. A ce jeu, Kirkman est très bon. Faire disparaître des personnages, tout comme en inclure d’autres, n’est en soi pas nouveau dans les comics. Une fois qu’on a un nombre suffisant de ces derniers, après il n’y a plus qu’à assurer d’une certaine manière le roulement, non ? Oui mais non, c’est une logique en soi trop simpliste.

On le sait depuis la fin des années 80 avec par exemple la parution du légendaire La mort de Superman en 1992, que même les plus grandes légendes peuvent vaciller. Et n’oublions pas déjà en 1986, The dark Knight où Frank Miller introduit un Bruce Wayne plus âgé, grinçant et cynique face à un monde ultraviolent et en voie de déshumanisation. L’époque n’est plus forcément à la bienveillance, elle s’est endurcie. Les justiciers en cape et collant ont fait avec. Car qui mieux qu’eux peuvent témoigner de l’état de la société américaine à travers les différentes crises qu’elle a pu connaître ?

Or Invincible est un pur produit de l’état d’esprit post-11 septembre 2001. Ce qui traduit donc une douleur interne et externe qui se répercute presque d’une manière politique à travers les grands enjeux de l’œuvre. Dans un premier temps, Kirkman va judicieusement nous attacher à ses héros mais aussi à ses méchants pour dépasser le simple manichéisme et nous plonger vers le fait que « chacun a ses raisons ».

Et ces raisons, Kirkman nous les montre toujours, afin de témoigner une nouvelle fois qu’entre le bien et le mal, la frontière est ténue. Personne n’a tort ou raison. Et quand un héros ou un méchant tombe, ça fait mal. Oui, oui, même pour le méchant… qu’on avait presque fini par considérer comme un proche. Et ces raisons, quelles qu’elles soient, servent constamment la notion d’un état-nation à remodeler, à sauver, voire reconstruire dans les deux camps. Aux dépens des individus.

Il n’y a plus juste ici de conquête du monde uniquement pour le prestige chez le Bad Guy. Si un méchant souhaite conquérir le monde, il ne regarde plus le héros qui l’a interrogé en bredouillant une vaine idée de prestige mais évoque profondément l’après-conquête. Pour l’un, affaiblir les défenses terriennes pour préparer à quelque chose de plus grand et innommable. Pour un autre, un but éminemment écologique en tête où l’humain est cité comme un virus, presque amené à disparaître façon Matrix. Ou alors sauver son peuple sur un autre monde. Et pour un dernier, juste le moyen d’accomplir cyniquement ses buts scientifiques et… financiers. Qu’il est loin le temps des méchants qui se pavanaient à essayer de prendre possession du monde en raison d’un ego surdimensionné !

Je vous avais prévenu que ça pouvait être légèrement sanglant hein !

Le tout enrobé de fortes connotations métas comme seule l’époque peut en produire. Invincible d’ailleurs ne cache nullement ses références et en joue avec amusement parfois. Une manière, en sorte, de participer au renouvellement de la série.

Ainsi Nolan Grayson, le père d’Invincible est, à l’instar de Superman, le super-héros le plus fort de cet univers. Il est aussi d’une certaine manière un exilé de Krypton, qui est parti de sa planète, Viltrum. Sauf que l’empire Viltrumite n’a subi aucune menace catastrophique à même de faire fuir ses membres. Ce qu’il raconte dans un premier temps à son fils, c’est que les viltrumites ont pensé partager leurs connaissances avec d’autres populations extraterrestres si celles-ci avaient atteint le niveau de connaissances nécessaires. Des aliens humanoïdes puissants mais pacifiques voulant partager leur savoir, quitte à se fondre dans la population discrètement. Mais ce n’est en fait pas aussi simple comme on s’en doute.

Le nom Grayson fait lui-même référence au nom de Robin, le jeune allié de Batman, Richard Grayson, alias Dick Grayson. La ligue des Gardiens du globe dans le comics fait aussi bien écho à la Justice League of America de DC Comics que les Avengers de chez Marvel. On peut d’ailleurs curieusement observer au tome 2 un super-héros qui fait référence à Batman, une héroïne dont la ressemblance avec Wonder-woman est frappante, un homme poisson à la Namor sans oublier une sorte de Flash… russe.

Plus tard, Invincible s’envolera joyeusement vers le Space-opera en quittant la Terre à bord d’un vaisseau pour aller vers d’autres univers inexplorés par un terrien. Ahhh, Talescria, gigantesque planète qui fait écho à Coruscant de Star Wars… Il sera même amené à changer de dimensions contre son gré pour basculer dans des mondes parallèles… Et par là, faire des clins d’œil à un certain tisseur comme à un justicier chauve-souris le temps d’une case (tome 6). De quoi donner un certain vertige à la longue.

Clin d’oeil.

Vers l’infini et au delà

Plus l’on progresse dans tous les tomes, plus il nous en faut toujours plus. Au risque évident de décrocher de la série quand la tension retombe trop. Sur des œuvres-fleuves au long cours c’est souvent inévitable mais ça a le mérite de proposer à ce moment-là du neuf pour mieux repartir.

Globalement, on peut distinguer différents arcs au sein de ce qui est devenu une grande saga (un chapitre par mois aux U.S, une parution tous les 4 – 5 mois en France de gros recueils regroupant généralement 6 à 8 chapitres avec pas mal de croquis en bonus).

• Citons du coup les deux premiers tomes, essentiels et posant les bases de tout ce que l’on va trouver dans la série. Si, après avoir lu ces deux premiers albums, vous n’êtes pas captivés à fond, autant abandonner du coup (mais ce serait dommage).
• Les tomes 4 à 6 où l’on aborde déjà une nouvelle planète, une autre espèce. L’occasion de prolonger l’histoire vers un lyrisme assez épatant.
• Les tomes 12 à 14 qui abordent une guerre intersidérale et débouche sur un constat bien surprenant mais qui ne fait que souligner la richesse et la dimension adulte de la série au fond.
• Les tomes 16 à 18 où notre héros se lie d’intérêts (d’amitié ?) avec ce qui est un super-méchant. Mais où les motivations sont en fait plus bénéfiques qu’on peut le penser. Du coup, est-ce mal au fond d’être un méchant ? N’est-on pas un mauvais parce que tout simplement c’est le monde qui est contre nous, plutôt que nous contre lui ?…

Pour toutes ces qualités et la richesse de ce qui est évoqué, Invincible est assurément un comics à lire. D’ailleurs, comment ne pas être charmé par les couleurs chatoyantes qui se déploient tout au long de la lecture (leurre trompeur au vu de certains épisodes assez durs mais qui ont le mérite de se démarquer d’univers trop gris et trop vus ces dernières années dans l’imaginaire des super-héros) ? Comment ne pas s’attacher à notre jeune héros pragmatique et sympathique ? Comment ne pas être accro à une oeuvre qui déjoue les clichés pour emmener son lecteur vers l’inattendu ?

Une autre preuve que cette oeuvre se situe à part, plus proche des comics indépendants que des gros univers aux multiples personnages qui perdurent : La fin annoncée de la série qui se rapproche à grand pas pour fin 2017 selon son scénariste. Avec la volonté de livrer une conclusion finale à la mesure de tout ce qui a pu être développé, sans que d’autres créateurs ne reprennent tout avec de multiples cycles, nouveaux personnages, reboots et autres arcs comme on peut le voir chez Marvel ou DC. Invincible est le bébé de Kirkman, Walker et Ottley. Ils l’ont fait grandir, devenu adulte et comme toutes les bonnes choses qui ont une existence sur ce monde, il aura donc sa fin. C’est triste mais c’est comme ça. Et c’est encore assez loin heureusement.

Cela nous laisse encore un peu de temps pour tout savourer, tout relire, voire tout découvrir… (6)

En attendant un éventuel film qui ne vient toujours pas. Il y a pourtant de quoi faire depuis 2002 quand on y pense, oui.

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Alors que Daredevil fait son grand retour pour une deuxième saison sur Netflix le 18 mars, nous nous sommes rendus à la galerie Arludik en novembre dernier, pour une expo consacrée au comic book Jessica Jones !

Situé rue Saint-Louis en l’île à Paris, la galerie Arludik propose depuis de nombreuses années de découvrir les artistes derrière les œuvres du cinéma, de la BD du jeu vidéo etc. Intitulée « L’art de Marvel’s Jessica Jones », cette expo proposait plus d’une cinquantaine de planches et croquis originaux à la vente, issus des comics « Alias », « The Pulse », mais aussi du comic book sobrement intitulé « Jessica Jones », spécialement créé pour servir d’introduction pour la série sur Netflix.

Michael Gaydos

Nous nous sommes rendus au vernissage de l’exposition le 5 novembre dernier, en présence de Michael Gaydos, co-créateur du personnage de Jessica Jones et dessinateur de comics chez Marvel et DC (Alias, The Pulse, la série de comics « Daredevil redemption », etc.)

C’était l’occasion de récupérer notamment un exemplaire papier du comic book d’intro à la série (une dizaine de pages), qui était aussi visible sur une borne interactive. Un autre écran présentait la bande annonce de la série. Côté public, il y avait pas mal de monde ce soir là, et côté planches, il y avait un vaste choix comme vous pourrez le constater en parcourant la galerie de photos ci-dessous.

Bande annonce officielle de Marvel’s Jessica Jones sur Netflix

Que vous soyez un fan de la première heure ou un nouveau venu, c’était l’opportunité de découvrir ou redécouvrir ces comics en complément à la série. D’ailleurs si vous n’avez toujours pas regardé la 1ère saison de Jessica Jones, sachez qu’elle est toujours disponible sur Netflix !

Un grand merci à Diane Launier, de la galerie Arludik, pour son accueil.

L’art de Marvel’s Jessica Jones à la galerie Arludik, du 3 novembre au 2 janvier 2016. www.arludik.com

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